Cette interrogation amène un constat que les fans du Club Dorothé (2) de la première heure corroboreront : l’aseptisation a fini par frapper les différentes productions nippones destinées au grand public. L’expression réaliste d’une violence exagérée, que l’on pouvait observer dans le long métrage Akira, inspiré du manga éponyme d’Otomo Katsuhiro, jusque dans les tribulations de Ken le survivant (Hokuto no Ken, de Buronson et Hara Tetsuo), s’est perdue au profit d’une charte graphique beaucoup plus tendre, bien secondée en cela par l’introduction progressive des technologies numériques de traitement de l’image. Il suffit, pour s’en rendre compte, de regarder l’évolution de la série Sainst Seiya (3) dans son ensemble sur une quinzaine d’années.

Fini donc les Guyver (adaptation du manga de Yoshiki Takaya), Doomed Megalopolis (adpatation du Teito Monogatari du romancier Hiroshi Aramata) ou encore Armitage III (série d’animation originale des studios AIC et Pioneer L.D.C.). Des titres d’une violence sans nom et d’un réalisme spectaculaire, importés pêle-mêle au grand public sans réelle évaluation responsable, à l’époque où l’occident découvrait les talents nippons dans le domaine de l’animation. Aujourd’hui, dès que l’on sort du registre de l’extrême, tout devient automatiquement plus lisse : les gerbes de sang dans Bleach ont plus vocation à faire dans l’impressionisme qu’à soulever les coeurs; les blessures dans One Piece se limitent à quelques traces de rouge ou de noir, et seul le récent Hellsing Ultimate parvient à rappeler qu’on peut faire couler des hectolitres de fluides corporels en arrachant une mâchoire dans une baston entre vampires. Bref, en vingt ans, la fluidité de l’animation s’est faite au détriment du réalisme, et cela a bien entendu eu un impact sur les AMV qui puisent leurs ingrédients dans les productions de leur temps, pour d’évidentes questions de définition et de support.

Est-ce bien grave, docteur ? Je pense personnellement que oui, mais c’est un débat sur lequel nous reviendrons sans doute un jour. Pour l’heure, retour aux AMV d’aujourd’hui et à leurs critères objectifs de qualité et d’esthétique, à l’aide de quelques morceaux choisis. Musique (4)…

(1) http://www.bellaonline.com/articles/art30433.asp; liste des conventions en Europe, Asie et Australie.

(2) L’émission par laquelle l’anime fit sont entrée en France.

(3) Les fameux Chevaliers du Zodiaque chers à Masami Kuramada. Les moins de 18 ans connaissent sans doute mieux la franchise à travers l’Episode G ou Lost Canvas.

(4) C’est bien le Dies Irae du Requiem de Verdi qui sert de fond sonore à la vidéo suivante, fabriquée à partir d’extraits de long-métrage d’animation et d’OAV datant du début des années 90 : Cobra, Battle Angel Alita, Akira, Street Fighter II : The Animated Movie, Ninja Scroll, Patlabor, Cyber City Oedo 808, pour ne citer que ces derniers.

L’appréciation de l’aboutissement d’un AMV n’étant pas une science exacte, il est malgré tout possible de définir trois gages déterminants de qualité, sans chercher bien loin : primo, la puissance des extraits utilisés; secondo, le choix du titre musical récupéré pour construire le clip, et tertio, la technique du monteur. Une liste qui semble évidente de prime abord mais qui mérite tout de même d’être détaillée

En ce qui concerne le choix des images, tout d’abord, il semble évident que plus l’oeuvre détournée côtoie les sommets, plus l’AMV qui sera fabriqué à partir de ses extraits aura du cachet. Cette règle n’est néanmoins pas absolue et se retrouve contrariée par la popularité d’un titre ou d’un personnage récurrent d’une franchise, qui peut faire passer l’émotion avant l’esthétique de la mise en scène. Le cas de Vegeta, protagoniste charismatique et populaire de Dragon Ball en est le parfait exemple : tirant parti de la piètre qualité d’animation des différentes adaptations du manga par la Toei Animation, l’AMV suivant arrive à transcender ce qui fait la force et la complexité du personnage à travers une série de scènes le montrant aux prises avec ses ennemis ou ses démons. Plus que l’image au sens propre, c’est le reflet de la personnalité du héros choisi qui fait mouche, bien épaulé par le titre In The End de Linkin Park.

Pour en revenir au principe, on peut donc malgré tout affirmer que dans la plupart des cas, à talents de monteurs et calibre musical du morceau utilisé égaux, la différence se fait donc souvent au niveau de la qualité des images réutilisées. En guise d’exemple, voici un superbe montage réalisé à partir d’extraits du long-métrage d’animation Vampire Hunter D : Bloodlust sorti en 2000, et réalisé par Yoshiaki Kawajiri, à qui l’on doit, entre autres, l’excellent Ninja Scroll (1993) et une participation au projet Animatrix (sections Program et World Record; 2003). Bien soutenu par un entraînant Heavyweight d’Infected Mushrooms, ce clip se démarque avant tout par la beauté et la clarté des images qu’il dispense. Difficile d’atteindre ce niveau en reprenant de l’OAV ou de la série animée à la petite semaine.

Le choix du son est bien entendu d’une importance capitale, et peut presque faire la différence tout seul. Exemple ici avec un extrait du Requiem de Mozart (K.626 Dies Irae) mis à contribution pour rendre hommage à l’univers de Wolf’s Rain, une série d’animation signée par le Studio Bones, dans laquelle humains et loups croisent leurs tragiques destinées dans un monde frappé par une nouvelle ère glaciaire. Le montage est sobre et statique, l’anime recyclé d’assez bonne facture, et c’est le morceau composé par le petit génie de l’histoire de la musique classique qui fait finalement la différence et donne envie de se plonger dans l’univers proposé par l’anime détourné.

Deuxième démonstration de l’influence du son utilisé avec ce clip centré sur l’univers de Soul Eater, un anime à succès adapté du manga éponyme d’Atsushi Okubo, dont le design semble directement inspiré de l’univers de Gorillaz. Le gros son pêchu respirant la joie de vivre du producteur marocain RedOne en collaboration avec Mika donne un souffle nouveau à une franchise, qui souffre pourtant de son manque de personnalité et de rythme dans sa réalisation d’origine. Bon, il est vrai que sur cet AMV, le monteur tire bien parti des points forts de l’anime, s’il l’on met la définition moyenne de la vidéo dans son ensemble de côté.

Nous en arrivons donc à ce qui fait l’essentiel du succès d’un AMV : le talent du monteur. En plus du choix des ingrédients de son montage (traitement de l’image compris), ce dernier a la responsabilité, pour peu qu’il se prête au jeu, de trouver le bon fil conducteur de son clip. La vidéo suivante exprime bien cet aspect, en livrant un condensé de l’intrigue de la série Fullmetal Alchemist (adaptée du manga d’Arakawa Hiromu), qui donne quelques pistes sur la trame de l’histoire sans pour autant en révéler le moindre détail significatif qui gâcherait le plaisir de la découverte à quiquonque n’a pas eu l’occasion de se plonger dans l’univers du manga ou de l’anime. Rythme, coordination, textures, et habilité à trouver les bons extraits : tel est le cahier des charges de l’artiste qui se lance dans cette délicate opération. Si l’AMV est centré sur une franchise en particulier, une connaissance approfondie de l’oeuvre est bien entendu de rigueur. Le titre du morceau détourné s’intitule Hollow, interprété par un groupe d’alternative originaire de Stephenville, Submersed.

Au final, on est en droit de se demander si le talent du monteur ne fait pas tout… Je n’en suis, pour ma part, pas réellement convaincu, car si les morceaux choisis (musique ou image) sont de bien trop mauvaise facture pour être exploitables, il sera alors difficile pour l’artiste de dispenser à travers son AMV ce qui constitue la raison d’être des mangas, des animes et de tout ce qui découle de leurs industries respectives : le rêve. Sur ce, amis lecteurs, je vous laisse avec un dernier petit clip construit sur l’univers du jeu Final Fantasy 8 et la délicieuse voix d’Enya au service du titre Gravity of Love signé par Enigma.

Un moment de pur kitsch romantique pour conclure un petit dossier qui, je l’espère, vous aura autant plu qu’éclairé.

Musiqueeeuh…

PHB

Pour ceux qui auraient échappé à cette déferlante télévisuelle du début des années 90, associée en France au Club Dorothé, Saint Seiya est d’abord un manga de Masami Kuramada (très) librement inspiré de la mythologie grecque et retraçant l’épopée des chevaliers de la déesse Athéna, réincarnée dans notre monde à chaque fois que la terre est menacée (rien que ça !).

Le pouvoir surhumain de chaque chevalier dépend d’une constellation (si, si !) et est intégré dans une hiéarchie allant du bronze à l’or, la puissance de chaque classe étant proportionnelle à la valeur du métal de son armure. Le récit est lui centré sur les aventures de cinq chevaliers de bronze (Seiya, du signe de Pégase, Shiryu, du Dragon, Hyoga du Cygne, Shun d’Andromède et Ikki du Phénix), et leur lutte pour permettre à leur déesse, réincarnée dans la personne de Saori Kido, de récupérer son trône au Sanctuaire, trône ô combien vilement subtilisé par le Grand Pope, premier représentant divin de l’ordre des chevaliers d’Athéna.

L’idée était fédératrice et la série, qui fut publiée de 1986 à 1991 dans le très populaire Weekly Shonen Jump, fut assez vite transposée sur le petit écran par la non moins célèbre Toei Animation. Une adaptation qui, malgré le nombre assez impressionnant d’aberrations de toutes sortes, et ce, jusque dans le doublage (1), forgea la popularité mondiale de la franchise. Comme quoi un manga moyen porté à l’écran à la va-comme-je-te-pousse peut vraiment casser des briques !

Pour ma part, je ne suis pas ici pour casser du Pégase mais pour vous présenter une filiale plus récente de cet univers, sobrement intitulée Saint Seiya Episode G, le « G » servant d’initiale au mot Gold. Les plus perspicaces d’entre vous auront compris que ce shônen, scénarisé par le père de la saga originelle et illustrée par Megumu Okada, va se focaliser sur les fameux chevaliers d’or, personnages secondaires adulés par les fans de la franchise.

(1) La censure combinée à l’amateurisme peut faire des ravages. Voir à ce sujet les épisodes doublés en français de Ken le Survivant (adaptation du manga Hokuto No Ken de Tetsuo Hara et Buronson).

Entrons donc sans plus tarder dans le vif du sujet…

Le 28 mars 1979, un incident dramatique frappe le coeur des Etats-Unis : une avarie du réacteur de la centrale nucléaire de Three Mile Island, en Pennsylvanie fait planer le spectre d’une catastrophe sans précédent sur le sol américain. Pour éviter le pire, les autorités font appel à un négociateur, dont la tâche sera d’accompagner un jeune garçon aux origines inconnues jusqu’au coeur de la centrale. Le commanditaire de cet ordre étrange émane d’une entité qui dépasse le gouvernement américain lui-même alors que tout porte à croire que l’incident est l’oeuvre d’un individu agissant seul.

Le jeune garçon, quant à lui, est l’un des douze chevaliers d’Or du sanctuaire d’Athéna, Aiolia, chevalier d’Or du Lion…

Saint Seiya Episode G est tout d’abord destiné aux fans de la saga originelle de Kuramada. cette déclinaison affichant clairement deux ambitions : Opérer une refonte radicale du graphisme en ne gardant que les armures comme constante, et développer les personnages secondaires de Saint Seiya, en ce concentrant sur ceux qui ont été de tout temps plébiscités par le public : la garde des douzes chevaliers d’or, calqués sur les douze signes du zodiaque de notre bonne vieille astrologie.

Histoire de ne pas tomber dans le recyclage intégral, un nouvel ennemi fait son apparition des profondeurs de la mythologie grecque : les Titans, ou, très grossièrement, la génération de Cronos (2), père de Zeus. Leur objectif ? Dominer la terre (ben tiens !) et se venger du fils parricide en commençant par en faire voir de toutes les couleurs la petite dernière de la famille, l’incontournable Athéna, déesse de la justice et de la guerre. Les chevaliers sacrés vont avoir du boulot!

(2) En fait, Mr Kuramada nous fusionne Cronos, et Chronos, divinité primordiale du temps dans les traditions orphiques. Merci Wiki !

Alors, pari gagné ? Dans un sens, oui.

Saint Seiya Episode G fait littéralement passer son référent pour le chevalier du zodiaque du pauvre (3) et la technique de Megumu Okada y est pour quelque chose. Le choix d’un alliage entre dessin à la main et traitement informatique est efficace et renforce l’impact des manifestations du pouvoir des différents protagonistes. Les dessins sont de ce fait très détaillés, ce qui permet au lecteur de s’extasier sur l’attraction principale de cet univers, à savoir les fameuses armures sacrées, qui sont les grandes gagnantes de l’opération.

L’ensemble est très spectaculaire mais semble avoir été conçu en haute définition. Du coup, l’utilisation du noir et blanc et du format de poche pose un problème majeur de lisibilité surtout pour les petites cases. Par conséquent, parcourir les pages de l’Episode G peut s’avérer parfois assez pénible, malgré quelques pages en couleurs publiées en début de tome (pour autant d’oasis pour les yeux). Ceci dit, le manga étant résolument baroque, la fluidité de l’action passe vite au second plan au profit de la contemplation.

L’autre choix discutable concerne le design des personnages qui rompt brutalement avec celui de son prédecesseur tout en poussant l’androgynie jusqu’à son paroxysme. Visages, corps, mâle ou femelle, tout, à part les yeux, est filiforme. Certains fans ont critiqué cette décision alors que d’autres l’ont acclamé. Pour ma part, une fois l’effet de surprise passé, je dois admettre que le résultat m’a rapidement plu. C’est bien entendu un avis tout ce qu’il y a de plus subjectif, mais force est de reconnaître que ce choix ne dénature pas l’univers du manga original.

(3) Bon j’exagère peut-être un peu, faites vous une idée en jetant un coup d’oeil vous même. Et ne confondez pas avec Saint Seiya, The Lost Canvas, une autre déclinaison récente du même univers.

En ce qui  concerne le scénario, la révolution attendra ! Mr Kuramada nous livre un récit manichéen d’une lourdeur biblique, dans lequel il est plus question de passion que d’action, l’intrigue se limitant presque à une succession de batailles toutes aussi épiques les unes que les autres, avec une petite touche de mystère, pour le principe. La grande thématique est l’affranchissement de l’homme par rapport aux Dieux. Point.

Mais l’ingrédient qui sauve la trame de ce shônen est sa grande richesse en termes de références mythologiques, l’auteur allant jusqu’à employer le grec ancien pour la dénomination de certains lieux, rituels et attaques. Alors certes, c’est plus pour faire joli qu’autre chose, mais il faut admettre que l’immersion n’en est que renforcée. A noter également que beaucoup de fans attendaient un récit centré sur la jeunesse des tous les chevaliers d’or  et que ce voeu-là, a été consciencieusement comblé par Mr. Kuramada. Pour finir, l’introduction des Titans est, elle, vraiment réussie.

Episode G, actuellement publié en France par Panini Comics (Akita Shôten pour le Japon, série achevée) souffre peut-être de sa pesanteur esthétique et d’une fidélité excessive par rapport à la saga d’origine. Mais pouvait-il en être autrement, tant le concept se suffit finalement à lui-même, avec toutes les imperfections qu’il comporte ? Ma réponse personnelle est non, car l’univers de Saint Seiya n’est ni plus, ni moins qu’une fresque apostolique moderne, prêchant la bonne parole en sublimant ses représentants. Et dans un monde aussi iconophage que le nôtre, le combat de Mr Kuramada était gagné d’avance.

Toujours est-il que ce shônen s’adresse d’abord et surtout aux fans de Saint Seiya, mais servira peut-être aux plus jeunes de rampe de lancement vers les aventures des chevaliers de bronze, en anime ou en manga. Pour les plus âgés, même si tout est possible dans ce bas monde, j’ai bien peur qu’il ne soit trop tard pour apprécier le délire.

Si vous ne devez en lire qu’un : Le tome 1 (mais lisez le 2 par la suite pour vous faire vraiment une idée).

Et pour finir, mon préféré : Le tome 11.

18 tomes disponibles au Japon, la publication française en est à 17, un tome 0 est à inclure dans le compte (déjà paru en France). Et comme j’en parle toujours : la série fit son apparition eu Japon dès 2002 dans le magazine Champion Red.

Prix Fnac : 8.95 euros.

PHB