Si vous  aimez Coldplay, Radiohead, et le meilleur de la pop anglaise, arrêtez vous un instant sur ce nom : Corson (prononcez Corsonne). Cet artiste là n’est pas anglais mais français (bah voui il s’appelle Alain et est originaire de Thionville), mais sa voix et son style pourraient bien rivaliser avec le meilleur du meilleur dans le genre aussi bien dans l’hexagone qu’outre-manche.

Corson c’est quoi ? Le mélange de plusieurs styles, de plusieurs techniques qu’il  maîtrise parfaitement : la pop et le chant lyrique. En gros, visualisez le duo Bono/Pavarotti sur le titre « Miss Sarajevo » de U2. Si vous demandez à Corson de vous chanter ce titre, il vous fera sans difficulté les deux voix !

Alain nous explique qu’il a commencé la musique après une anecdote amusante  :

« J’avais 7 ans et nous étions chez ma cousine qui avait un vieux piano, tout le monde était dehors à table, les fenêtres étaient ouvertes, j’ai joué pendant une heure en ne sachant pas ce que je faisais, tout le monde a cru que c’était ma cousine qui jouait lorsqu’ils se sont aperçus que j’étais le seul à ne pas être à table… ».

A partir de là les choses s’enchainent naturellement. À l’âge de 8 ans, sa mère l’inscrit à un cours de solfège. Il passe des heures sur son piano, et découvre vite une passion pour la composition et le chant. Il enregistre ses premières maquettes sur son radio cassette et, lorsqu’il entend pour la première fois Sunday Bloody Sunday de U2 c’est la révélation. Avec ce titre, et Miss Sarajevo cité plus haut, Alain a le déclic : il veut créer son style en mêlant dans sa voix la pop et le lyrique. Il décide donc de passer une audition pour le Conservatoire Régional de Thionville.  Il est pris et commence son apprentissage en parallèle de son premier groupe de rock « Samsara » avec qui il fera ses premières armes sur les scènes de Lorraine.

Et il faut le dire, après visualisation de son premier clip, je trouve le mélange très, mais alors très convaincant :

Vous ne sentez pas un fond de Radiohead dans le son là ?

Alors bon, quand je dis que les choses s’enchainent, il n’est pas devenu musicien professionnel à 8 ans, on est d’accord. En fait au départ la musique n’est qu’une passion pour lui. Son idée première était de travailler dans le commerce international, genre costume cravate derrière un bureau quoi. Donc il part au Texas pour perfectionner son anglais, réussi son BTS, et est voué à une belle carrière dans une banque d’affaire luxembourgeoise…

Enfin ça, c’est se qui aurait dû se passer s’il n’avait pas tout plaqué du jour au lendemain pour tenter l’aventure musicale à Paris à l’âge de 22 ans. Inspiré par les musique de U2, Queen, Sting, Nirvana… ses premiers mots quand il compose lui viennent souvent en anglais. Pour « We’ll come again », il mélange voix lyrique et pop pour la première fois :  »C’est très bizarre, je ne me souviens même plus avoir composé cette chanson. C’est comme quand on se réveille après avoir fait un rêve dont on ne se souvient plus très bien ».

Il continue a se produire seul dans des bars ou sur des scènes plus importantes comme la Scène Bastille avec ses musiciens. C’est d’ailleurs après ce concert que son producteur actuel Selim Mouhoubi lui proposera de produire un album 5 titres.

Pour son premier EP, Alain choisit de s’appeler Corson, en hommage à sa mère disparue prématurément. « J’ai voulu mettre dans cet enregistrement, ce que j’avais au plus profond de moi, l’hommage à ma mère était donc une évidence ».

Il s’entoure de musiciens et réalisateurs de talent: Brice Davoli pour les cordes, Jan Pham Huu Trii (Mokaiesh, Brigitte), Bastien Burger (Black Strobe,The Do), Cédric Demazière (Aldebert) et François Maxime Boutault (Dagoba,Manu DiBango), réalisateur de l’EP avec qui il arrange les titres. Dans ce premier opus, on retrouve toutes les influences anglo saxones de Corson auxquelles il a ajouté ses mélodies très fortes portées par 2 voix: l’une pure et cristalline et l’autre plus classique et profonde.

En fait Corson c’est un peu un schizophrène artistique, et c’est ce qui fait toute son originalité et son charme.

Allez, juste parce que c’est vous, je vous offre un autre titre :

« The rain » by CORSON

Pour télécharger l’EP, y clique sur l’image

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Affaire à suivre… Enjoy !!!

]]> http://www.blog-bazar.com/newzzik-corson/feed/ 0 http://www.blog-bazar.com/dr-house-mr-laurie/ http://www.blog-bazar.com/dr-house-mr-laurie/#comments Mon, 19 Dec 2011 06:00:57 +0000 Kryska http://www.blog-bazar.com/?p=7966 Salut les gens ! Comment vous allez bien aujourd’hui ? La forme ? Sûrs ? Non parce que moi, je dis ça je dis rien, mais si vous êtes malades on peut toujours appeler le Docteur…
Ben tiens, pour tout vous dire ça me fait bien rigoler moi. Si on a le malheur de dire qu’on est barbouillé,  paf : vas voir le Docteur. Comme ça ! Le truc évident quoi.  Malade, Docteur.

- »But… Who is the Doctor ? »

Ah ça, bonne question petit. Disons que dans la vie d’un bon geek qui se respecte, il y a au moins deux bons Docteurs.  But Today is the day we are talking about… Dr House !

Alons-y Alonso ! Alors si vous avez bien suivi notre enquête auprès de notre ami Christophe Hondelatte, on sait déjà avec certitude, preuves à l’appui et tout et tout, que le Dr House… ben c’est pas Mickey Mouse… Nan nan mais c’est important. Alors moi je me suis dis ok, mais alors c’est qui ce Dr House ? Et j’ai continué à investiguer.

Et un jour surprise. J’apprends que le Dr House en vrai, il s’appelle Hugh Laurie, et que le monsieur non content de son talent incontestable d’acteur, scénariste, réalisateur, producteur de cinéma… s’aventure écrivain et s’improvise désormais compositeur, musicien, et chanteur. Tout comme Hondelatte, mais en pas pareil !

Si vous êtes fans comme moi de la VO, vous avez remarqué que Laurie joue avec un fort accent américain. Donc forcément il y a des gens qui disent « ouaaais, il est américaaaaain, tout ça… ». Que nenni ! N’en déplaise à Mickey Mouse, le Hugh il est né à Oxford et pi c’est tout ! L’accent américain il commence à le prendre pour la première fois dans les films Maybe Baby d’Elton et les deux Stuart Little. Mais quand il joue aux côtés de  Rowan Atkinson dans la série  Blackadder, là il n’a pas du tout cet accent. En fait Hugh Laurie commence à être réputé au Royaume Uni dès les années 1980. Mais c’est véritablement avec la série Dr House en 2004 qu’il va être reconnu à l’échelle mondiale, et notamment se faire connaitre du public americain.
Donc voilà. Même s’il a joué le méchant Jasper pour les studios Disney dans Les 101 Dalmatiens, rien à voir avec Mickey. Non mais !

- « Mais t’as dit qu’il écrit des bouquins aussi ? »

Oui m’sieur ! Et à priori il est très bon romancier, bien que je n’ai pas encore pris le temps de lire son livre The Gun Seller (paru en 1996 et traduit en 2009 sous le titre Tout est sous contrôle). Succès à la fois au Royaume Uni et en France ! Il y aurait un deuxième roman dans les starting block, intitullé The Paper Soldier (US) ou Paper Soldiers (UK). Aucune idée de quand il va sortir mais qui sait, bientôt peut-être ?

- »Ah ok… Mais t’as dit… il est musicien ? »

Oui, et exellent musicien qui plus est : Pianiste, guitariste harmoniciste, chanteur… Pour tout dire, pas mal de ses compos sont jouées dans Dr House. Genre dans l’épisode 9 de la saison 4, Game  : le morceau de guitare « folky » joué lors de la scène des derniers renvois (et qu’il dit être du patient), ben c’est du Laurie.

En fait le déclique c’est fait en 2006 grace à sa collaboration (House 02×14) avec Greg Grunberg (LOST, Heroes…), fondateur du groupe Band from TV. Greg l’invite à rejoindre l’aventure en temps que pianiste et chanteur. Parmis les membres du groupe :  Bonnie Somerville (Mary dans Beverly Hills, Mona dans Friends), James Denton (Mike Delfino dans Desperate Housewives, Mr Lyle dans Le Caméléon) ou Jesse Spencer au violon (Robert Chase dans Dr House). Band from TV se donne pour but d’aider les assiociations caritatives.

Hugh Laurie a signé en 2010 chez Warner, et son premier album Let Them Talk sort le 18 avril 2011 en France,  le 9 mai au Royaume Uni.

Alors bon comme vous vous en doutez, quand on me propose de la galette, moi forcément je goute. Et bien c’est du bon ! Du très très bon même ! On peut dire que quand le Dr House bosse sans blouse, Hugh Laurie bosse son blues ! Premier truc à savoir quand on se procure l’album : il n’y a pas de compos personnelles. C’est un peu dommage mais Laurie a juste eu envie de reprendre des titres phares du Blues New Orleans des années 1920-1930. Et qui dit New Orleans, dit bon gros accent de Cowboy ! Ca peut déplaire à des gars en kilt sur une île que je ne citerai pas, moi je trouve ça juste kiffant.

J’ai dit Blues ? Ah oui tiens. En fait Hugh nous fait une petite blague sur le premier titre St. James Infirmary, puisqu’il nous offre une très belle ouverture piano minimaliste, hyper calé classique au départ. Puis le son enfle, module petit à petit en intégrant des accords jazz, pour finalement amener et installer le blues sur une base de contrebasse profonde. Tout comme j’aime. Ca balance, ça groove tout bien comme il faut quoi. Et dès le départ on sent qu’on est entre de bonnes mains. Laurie nous passe ce message : le blues n’est pas ma culture d’origine, et je n’ai rien composé. J’arrange seulement à ma sauce. Voilà la culture d’où je viens, et voilà le son que j’aime. So just enjoy the trip.

Je ne sais pas vous, mais pour moi c’est du tout bon. Le trip, je suis à fond dedans ! Juste pour voir, St James infirmary par Cab Calloway c’était ça, par Louis Armstrong ça donnait ça, et pour le fun la version d’Eric Clapton et Dr John (oh… another Doctor ? Fantastic !!) c’est ici.

Sur le deuxième titre (le radiophonique You don’t Know My Mind), on est sur un blues un peu plus country folk, une rythmique entrainante. Voyez plutôt :

On revient sur un bon vieux blues avec la balade de Six Cold Feet. Un son de sax vintage, bien old school. Et surtout un son de guitare qui rappelle celui de Scrapper Blackwell  quand il jouait ce titre enregistré avec le pianiste et compositeur du titre Leroy Carr. Bon j’avais une version quelque part mais pas moyen de remettre la main dessus…

Un autre grand titre repris par notre bon Docteur, Battle of Jericho, dont j’adore la version toute posée et à la fois envoûtante de profondeur. C’est le genre de chanson dont on ne sait plus vraiment qui la composée, quelle était vraiment sa version originale tellement elle a été reprise un nombre incalculable de fois.

Et on continue avec autre chose, un truc de fou : deux Docteurs qui bossent ensemble ! La chanson s’appelle After You’ve Gone, sur laquelle Laurie chante avec Dr John (the other Doctor who played with Clapton). Bass Clarinet power ! Oh Yeah ! And great duo… Yeah men !

Hum pardon je m’emballe. Superbe boogie sur Swanee River ! Là aussi en fouillant un peu on trouve pas mal de versions sympas, genre celle-ci, mais aussi et surtout la version Ray Charles, qui en garde une base à peine reconnaissable mais carrément plus rock. Laurie s’approprie ce titre à merveille non ?

Pour la prochaine…

Oh, my…  the Doctor plays the guitar !

Y a ensuite une chanson qui s’appelle John Henry. Alors forcément vous lisez ça vous avez envie de demander : « mais c’est qui encore que ce toubib ? ».  Ben c’est pas un Docteur en fait. C’est un homme qui fait partie intégrante du folklore américain, puisqu’il représente un groupe spécifique dans le melting-pot de la classe ouvrière du XIXe siècle. John Henry était un homme grand et fort, un « pousseur de fer », qui travaillait à l’expension des lignes de chemins de fer vers l’Ouest des Etats-Unis, à travers les montagnes. On raconte que, la machine supplantant de plus en plus la force humaine, le propriétaire du chemin de fer avait acheté un marteau à vapeur pour faire avancer le travail plus vite que les ouvriers. John Henry, pour sauver son travail et celui des autres gars, lance le pari de défier la machine. Il gagne, mais meurt juste après d’une crise cardiaque. Ce duo avec Irma Thomas raconte son histoire…

N’empêche, pas de bol pour la crise cardiaque ; si le Dr House avait été là…

Bon, je ne vais pas tout vous dire sur l’album, il faut aussi que vous en décrouvriez un peu par vous-mêmes ! Ah tiens si, juste un truc. Y a un titre que j’aime bien aussi parce qu’un gars qui chante dessus, et au départ je ne l’avais pas forcément bien reconnu dans l’album. Preuve qu’il fait parfaitement son job ici. Hugh Laurie (nan, c’est pas lui que j’avais pas reconnu ^^) chante sur ce titre avec.… Tom Jones. Si si ! Le gars de Sex Bomb ! Et ça donne un Baby, Please Make a Change assez cool au final !

Bon ben c’est Hondelatte qui va être content, on a résolu le cas et on a une bonne idée de qui est le Dr House maintenant. Tiens d’ailleurs ils en pensent quoi chez Ruquier ?

Même si vous n’aimez pas l’émission, prenez le temps de regarder ça, juste pour les perles de répliques de Hugh Laurie, ça vos le coup de s’y attarder :p

Bon allez, je vais checker ma boîte aux lettres moi, histoire de voir si je n’aurais pas reçu un petit EP tout beau tout neuf à vous faire découvrir…

Stay tuned on BBz radio !

Alors je ne vais pas parler de l’émission en tant que telle, parce que bon déjà on aime ou on n’aime pas. Le concept étant assez simple : Ruquier invite un gars qui a fait un truc et qui veut en parler. Ruquier dit que « waouw c’est génial ! » et ses chroniqueuses descendent le truc en question pour voir comment le gars en face va réagir… Waouw c’est génial ! Bon je caricature un poil mais dans l’idée je ne dois pas être si loin de la vérité…

Et ce jour là, le gars c’était Christophe Hondelatte. Si si vous connaissez c’est  le présentateur de l’émission « Faites entrer l’accusé ». Mais si, le gars qui a son bureau comme si c’était un détective privé, sombre et tout ça. Même que quand il présente l’émission il ne rigole pas parce que bon c’est un sujet grave en général dont il parle. Et puis quand l’émission est finie il prend son manteau et il s’en va. Pas le temps de dire au revoir, y a du boulot…

Bon on va pas non plus parler de son émission, même si elle est franchement pas mal, il faut dire.

Bref, on va parler du chanteur.

Allez, pour les plus courageux, je vous mets la vidéo du clash en question :

 Et pour les pas courageux le gars dit au départ qu’il est prêt à tout entendre, et en fait non. Il dit qu’il ne se considère pas vraiment comme musicien, mais en fait carrément que si. Bon, ok. Admettons. Quand il se fait dire par Natacha Polony que son album est un acte narcissique, il répond que tout artiste est narcissique…

Bon bref, je suis allé voir la définition. Narcissisme : admiration de soi-même, égocentrisme…

Bouarf, pas sûr que la définition colle à tous les artistes mais admettons.

Ah oui alors, un argument du monsieur : « vous ne savez pas ce que c’est un accord de la, mais vous pouvez dire que musicalement c’est bien foutu ? Ce qu’est un accord de ré majeur mais musicalement c’est bien foutu ? » « vous n’êtes pas à même de pouvoir critiquer mon album »…

Bah justement, moi je sais et j’ai envie d’aller plus loin. Un accord de la, ça ne veut pas dire grand chose si on ne précise pas au minimum s’il est majeur ou mineur… Ah oui, il précise ça ensuite, un accord de ré « majeur »…  plus pertinent. Bon. Je sais ce que c’est que ces noms barbarres, et alors. Une musique de merde (avec accords ré majeur ou pas),  pas besoin de s’être enquillé 15 ans de solfège pour savoir à quoi ça ressemble.

Et puis il faut le dire quand même : s’il faut absolument être musicien pour apprécier un album, c’est soit que l’écriture est vraiment quelque chose de recherché voir complexe, soit que c’est une tentative ratée, et qu’il faut toute la compétence d’un bon musicien pour passer outre les erreurs du débutant et imaginer ce qu’aurait pu être le score au final, ce que l’artiste à essayé d’atteindre sans succès. Donc soit en disant ça il ne se prend absolument pas pour de la merde, soit il avoue maladroitement qu’il n’est pas forcément hyper callé et que seul un musicien peut comprendre ce qu’il aura essayé de faire… Mouais.

Bon. Je sais pas vous mais moi j’aime bien les défis. Au delà du buzz, au delà du gars qui défend son bébé de manière carrément discutable, il y a un album. Et cet album à au moins ça de particulier qu’il est dit totalement gratuit, et totalement autoproduit.

Bon début ça. Mon attention se voit suffisamment titillée. Allez je suis fou je me lance. Premier truc que je trouve sur la toile c’est ça :

Belle mise en scène… bon zicos… Enfin il y a quand même un détail qui me froisse un peu l’oreille : on a un bassiste un batteur et un clavier à l’image. La guitare, les saxophones, les trompettes et trombones ils sont où ?? Ah oui, on donne leur nom dans le générique, cool… Bon ok disons que je chipote.

Alors la voix n’est pas mauvaise, il chante assez bien le Christophe en fait. Et puis il faut dire qu’il est bien entouré : derrière lui ça envoie ce qu’il faut pour que l’ensemble soit crédible. Le truc qui dérange, c’est peut-être la gestuelle, les expressions du visage, le fait de ne pas trop savoir dans quel degré on se situe : est-ce de l’autodérision ou le gars est vraiment à fond dans ce qu’il fait ?

Un truc me surprend : Hondelatte parle du fait que seuls les gens qui ont un compte sur Youtube peuvent dire qu’ils aiment ce qu’il fait. Donc il ne faut pas se baser sur les stats Youtube pour juger de la popularité de l’album. Bah ouais mais là… « 788 aiment 4022 n’aiment pas ». Ils ont bien tous un compte ceux là non ? Passons sur le détail.

« Dr House, c’est pas Mickey Mouse ». Euh oui ok. Bravo pour la rime… Encore que je ne vois pas spécialement le rapport avec les frites… J’attends avec impatience le deuxième clip « Dr Who, c’est pas l’oncle Picsou. » Mais attention, pour la critique faudra réviser vos accords 7 +9, parce qu’on me crie déjà dans l’oreillette que notre artiste a promis de faire mieux la prochaine fois !

Je plaisante, mais en fait ce titre n’est ni (archi) nul, ni (hyper) bon. Disons que ça passe pour être bien fait, efficace dans la structure. Bonne écriture musicale quoi même si ça ne casse pas des briques. Les fans de Dr House y reconnaîtront facilement l’allusion à certains épisodes des premières saisons. Après les paroles on aime… ou pas.

Maintenant j’ai juste une question qui me vient : pourquoi ? Pourquoi faire un album ? Pourquoi proposer un album gratuit ici quand on propose un single payant là ?

La réponse existe sûrement… Ou pas.

Ou pas, c’est le nom de l’album en fait. Nan parce que oui, je viens de me rendre compte que je ne l’avais pas mentionné.

 Et là je pourrais vous faire plein de petites blagounettes du style : « bon les gars, on se le télécharge cet album ? Ou pas… » Mais bon c’est petit et vraiment facile, faut que je trouve autre chose.

Bref, du coup j’ai téléchargé.

Première piste : ou pas. Non non là c’est pas une blague : c’est le titre de la chanson ! Ca démarre bien. Guitare et batterie en mode folk. Puis vient le trombone. Et là je me dis oups, on a un problème. Comme on dit entre zicos : ça frotte. Entre la voix et le trombone on est parfois à la limite du défaut de justesse. Le problème est tout aussi présent entre les deux cuivres, et même amplifié par des attaques franchement approximatives… Le master y est peut-être pour quelque chose également. Un peu moins de voix, laisser passer les cuivres devant pour asseoir les dissonances (écrites donc voulues) trombone/trompette et bosser la précision de leurs interventions…  on aurait sûrement moins cette sensation de cafouillage… Argh plus que douze pistes.

En seconde position, le fameux Dr House. La différence avec le premier morceau est flagrante. On sent que c’est carrément mieux travaillé. On sent que ce titre est la vitrine de l’album et que chacun a mis les bouchées double pour que ça sonne nickel. Bon équilibrage général, le son du sax baryton au début est énorme, la section de cuivres est précise, efficace : ouf j’ai eu peur. Dr House est un peu répétitif, mais j’ai envie de dire c’est ce qu’on demande à un titre comme celui-ci : qu’il tourne assez pour rester dans l’oreille…

Très bonne intro également sur « le cœur en balance ». Question balances tiens, les instruments sont assez bien gérés. En fait, tout l’intérêt de ce titre se situe à l’arrière, dans la performance des musiciens. N’en déplaise à notre chanteur, sa prestation passe ici… un peu en arrière plan. Personnellement je n’arrive pas à me concentrer sur les paroles ou le chant. Je ne dirais pas que ça ne m’intéresse pas, juste que ce n’est pas le plus pertinent dans le titre, pas ce qui attire mon oreille.

Piste suivante ! « Bonjour St-Pierre ». Re oups, mais pour la voix cette fois. Le titre n’est pas évident. Hondelatte tente de mettre de l’effet dans la voix, sauf que parfois ça sonne légèrement faux. Dommage, le titre est sympa.

Yoyo ? Rien de vraiment intéressant musicalement parlant. Les paroles ? Ca parle de yoyo, d’amis et de tours de clé. Faites le lien !

Conjugaison ? Bah disons qu’au moins il s’amuse à réciter sa leçon. Le bon point revient au pianiste, aux notes excellentes.

Bon, je ne vais pas vous faire tout l’album, vu que dans l’ensemble c’est tout du même tonneau. Je suis un peu fâché avec le trombone : trop de glissendo tue le glissendo, et surtout met en danger la justesse. Hondelatte a une voix sympa, un peu cassée parfois, ce qui ajoute un certain charme. Mais on sent que sa technique est fragile, pas toujours maîtrisée. L’écriture des textes, je n’accroche pas, personnellement. Après ce qui sauvera l’écoute c’est la team des zicos dont le niveau général dans l’album est vraiment bon. Bon ça pêche sur certains points, mais reste que la valeur ajoutée, au risque de déplaire au chanteur, c’est les instrus qui l’apportent.

Pour résumer : c’est pas mal pour un début, pour un premier album. Hondelatte n’est pas ce que j’appellerais un grand musicien. On sent qu’il s’éclate, on sent qu’il aime chanter, mais ça ne fait pas de lui un grand musicien. On sent le potentiel musical. Il s’est se faire plaisir avec d’excellents musiciens (le violoncelle dans le titre « Ultimement » est magnifique), mais il faut avouer que sans eux, il ne reste pas grand chose dans son album. Mettre ses tripes dans un album ne veut pas dire qu’il sera bon, connaître le bon accord ne fait pas de vous ou moi d’excellents musiciens ou de bon critiques. Ce n’est pas le narcissisme qui défini l’artiste, c’est le plaisir qu’il se donne en faisant plaisir aux autres. L’un ne marche pas sans l’autre. L’excellent musicien accepte réellement la critique, et il l’accepte d’autant plus qu’elle peut venir de n’importe qui et est constructive. Car la musique c’est ça : un langage qui se destine à qui veut bien écouter. Il n’y a pas de barrière de langue, elle est universelle. Comprendre ça, c’est comprendre que la définition de l’artiste en général, et du musicien pour ce qui nous concerne aujourd’hui, c’est le partage dans le sens noble et large du terme. Dire   »je fais de la musique et si tu n’aimes pas c’est que tu es trop con pour apprécier », ça, c’est du narcissisme. C’est passer à côté de la vraie musique, et de la magie qu’elle diffuse quand on sait la partager.

La réaction de Hondelatte chez Ruquier ? Celle de celui qui voudrait être reconnu comme artiste sans tout à fait comprendre ce que c’est, ce que ça implique ? Une chose est sûr, le clash, voulu ou non, aura boosté les téléchargements. S’il compte le nombre de fans par rapport au nombre de téléchargements sur son site, il ne peut qu’être heureux. Perso j’ai téléchargé, mais ne suis pas pour autant fan du monsieur.

Allez, sur ce je prends mon manteau et je me rentre moi. J’ai un album à écouter. Le chanteur est acteur dans une série américaine il paraît. Et non, c’est pas Mickey Mouse

]]> http://www.blog-bazar.com/christophe-hondelatte-faites-entrer-le-chanteur%e2%80%a6/feed/ 4 http://www.blog-bazar.com/soopamix-i-believe-in-music/ http://www.blog-bazar.com/soopamix-i-believe-in-music/#comments Wed, 21 Sep 2011 17:50:11 +0000 Soopa http://www.blog-bazar.com/?p=7351 Hello les bazareux ! Cela faisait un bail que je n’avais pas posté un de mes mixes ! Honte à moi !

Pour le plaisir de vos oreilles, voici un mélange de produits du terroir américain, bien funky, juicy, fresh and smooth !
A écouter sans modération, délivré avec la prescription du Dr Soopa pour la réjuvénation du rythme de vos hanches à l’écoute de cette compil endiablée.

Car si comme moi, vous croyez en la musique, rien ne pourra vous arriver ! Même pas alzheimer !

Enjoyez sévère !

Ecouter :

Télécharger le mix : (clic droit enregistrer sous)

http://bit.ly/nBQcY7

Tracklist:
01-Jimmy Linch – Fucking Up
02-hank_johnson – you lost your thing
03-smokey johnson and company – the funky moon
04-family plann – come on let’s do the breakdown
05_house guests – my mind set me free (part_1)
06-James Brown (from Jamaïca) – Do it
07-Maxine brown – baby cakes
08-New Birth – come and dream some paradise {theme from gordon’s war}
09-Nicky Thomas – soul power
10-Esther Phillips – Mr. Bojangles
11-Carmen Mcrae – Can’t Hide Love
12-Grant Green – If You Really Love Me
13-chairmen of the board – so glad you’re mine
14-James Brown – any day now
15-The Majestic Arrows – If I Had A Little Love (Rehearsal)
16-Bob and Wisdom – I Believe In Music

May the soul be with you. Always.

Genre je sors de chez moi pour aller recueillir mon lots de factures quotidiennes et là, entre les enveloppes et autres prospectus en papier glacé qui gavent ma boîte à pubs, ma rétine est attirée par une enveloppe inconnue…

Alors sur le point de jeter la liasse complète de paperasse directement à la poubelle (toujours avoir une boîte à détritus à côté de sa boîte à pubs ^^), je suis arrêté dans mon élan par un détail : sur l’enveloppe se détache le logo du label indépendant Discograph ! Et là je me dit mais comment c’est arrivé là ? J’ouvre, et là grande surprise : je tombe nez à nez avec un CD. Bon quand je dis tomber, ça fait pas hyper mal non plus, c’est juste qu’il y a un léger détail qui peut surprendre un poil quand même. Nan parce que bon, je dis ça je dis rien, mais en gros sur la plaquette d’accompagnement est écrit « Premier Album, sortie le 26 Septembre 2011″…

Nom de Zeus Marty ! J’ai du forcer un peu trop sur les GigoWatts ! 26 Septembre 2011 ? 26 SEPTEMBRE 2011 ?? Mais où avais-je la tête ? Ma boîte aux lettre serait-elle devenue un four à galettes à retourner vers le futur maintenant ?? Cool !! Alors bon vous me connaissez, moi les galettes j’aime pas qu’elles refroidissent. J’ai enfourné ça dans ma boîte à sons (oui j’ai beaucoup de boîtes moi monsieur ^^) et pouf, ça a fait de la pure musique !

Mais Doc, c’est quoi cette galette ?

Disons que c’est une maquette du prochain premier album de la pianiste et chanteuse Ornette, un coloré 12 titres qui sortira sous le doux nom de Crazy.

Bon je vois bien que Ornette, présentée comme ça, ça ne vous dira rien du tout. Et pour cause, après avoir été derrière les claviers d’Alain Bashung, Peter Von Poehl et d’Arthur H, Ornette décide qu’il est temps pour elle de passer sur le devant de la scène.  Elle fait partie du trio MOP, qui sort en 2004 un album de jazz instrumental salué par la critique, et récidive 4 ans plus tard version Electric Mop. Tenez d’ailleurs c’est quand elle chante le titre Jacqueline qu’elle a le déclic pour se lancer officiellement comme chanteuse :

Bon début niveau chant non ? En tout cas, c’est à partir de là qu’Ornette décide d’écrire ses premiers morceaux en solo. Imaginez le subtile mélange entre mélancolie blues et efficacité pétillante de la pop. Emiliano Turi, son complice de toujours sur Mop et Electric Mop, l’aidera à étoffer ses morceaux sans les alourdir, et devient le réalisateur de son album.

De la pop aseptisée bien propre ? Pas au goût de la miss. Ce qu’elle aime : un son feutré, mais un peu rugueux. Un grain de son bien à elle en somme. Imaginez un mélange d’influences venant de Théolonus Monk, Beck, Jack White Dusty Springfield ou encore Björk et vous aurez un résultat assez sympa, une pop mélée d’accords jazz, des cuivres pour assombrir le côté romantique d’un titre, un piano qui se balance et envoie du groove sur un autre… De la pop certes, mais écrite avec intelligence, le savoir faire d’une vraie pianiste de jazz qui compose et harmonise sa musique avec brio.

Tenez ça me démange tellement que je vais vous le dire : voilà ce que j’attends de la pop actuelle : un vrai travail dans le grain de son, en profondeur, une pop moderne et racée qui ne se cantonne pas à de la soupe commerciale mais réfléchit à un nouvel esthétique de qualité. On me parle souvent de nouveaux rois de la pop ? Je suis plutôt attiré par les princesses, et pour moi Ornette a plus que le potentiel pour en être une très remarquée…

D’ailleurs, remarquée, elle l’est déjà. Certains d’entre vous n’aurons sûrement pas manqué de la découvrir lors de nombreuses premières parties (Yael Naïm, Coeur de Pirate, Yodelice en tournée et à l’Olympia, Camélia Jordana ou Jeanne Cherhal).

Mes excuses, pas encore de clip officiel pour le moment, mais en attendant, vous pourrez toujours écouter quelques titres ici ou là

Et si ça vous tente, pour les lyonnais, Ornette se produira le 30 juillet prochain au théâtre romain de Fourvière !

Bon je vous laisse avec ce petit teaser, dans lequel vous aurez l’immense plaisir de découvrir Ornette et son piano aqueux :

Rendez-vous le 26 septembre !

Cette interrogation amène un constat que les fans du Club Dorothé (2) de la première heure corroboreront : l’aseptisation a fini par frapper les différentes productions nippones destinées au grand public. L’expression réaliste d’une violence exagérée, que l’on pouvait observer dans le long métrage Akira, inspiré du manga éponyme d’Otomo Katsuhiro, jusque dans les tribulations de Ken le survivant (Hokuto no Ken, de Buronson et Hara Tetsuo), s’est perdue au profit d’une charte graphique beaucoup plus tendre, bien secondée en cela par l’introduction progressive des technologies numériques de traitement de l’image. Il suffit, pour s’en rendre compte, de regarder l’évolution de la série Sainst Seiya (3) dans son ensemble sur une quinzaine d’années.

Fini donc les Guyver (adaptation du manga de Yoshiki Takaya), Doomed Megalopolis (adpatation du Teito Monogatari du romancier Hiroshi Aramata) ou encore Armitage III (série d’animation originale des studios AIC et Pioneer L.D.C.). Des titres d’une violence sans nom et d’un réalisme spectaculaire, importés pêle-mêle au grand public sans réelle évaluation responsable, à l’époque où l’occident découvrait les talents nippons dans le domaine de l’animation. Aujourd’hui, dès que l’on sort du registre de l’extrême, tout devient automatiquement plus lisse : les gerbes de sang dans Bleach ont plus vocation à faire dans l’impressionisme qu’à soulever les coeurs; les blessures dans One Piece se limitent à quelques traces de rouge ou de noir, et seul le récent Hellsing Ultimate parvient à rappeler qu’on peut faire couler des hectolitres de fluides corporels en arrachant une mâchoire dans une baston entre vampires. Bref, en vingt ans, la fluidité de l’animation s’est faite au détriment du réalisme, et cela a bien entendu eu un impact sur les AMV qui puisent leurs ingrédients dans les productions de leur temps, pour d’évidentes questions de définition et de support.

Est-ce bien grave, docteur ? Je pense personnellement que oui, mais c’est un débat sur lequel nous reviendrons sans doute un jour. Pour l’heure, retour aux AMV d’aujourd’hui et à leurs critères objectifs de qualité et d’esthétique, à l’aide de quelques morceaux choisis. Musique (4)…

(1) http://www.bellaonline.com/articles/art30433.asp; liste des conventions en Europe, Asie et Australie.

(2) L’émission par laquelle l’anime fit sont entrée en France.

(3) Les fameux Chevaliers du Zodiaque chers à Masami Kuramada. Les moins de 18 ans connaissent sans doute mieux la franchise à travers l’Episode G ou Lost Canvas.

(4) C’est bien le Dies Irae du Requiem de Verdi qui sert de fond sonore à la vidéo suivante, fabriquée à partir d’extraits de long-métrage d’animation et d’OAV datant du début des années 90 : Cobra, Battle Angel Alita, Akira, Street Fighter II : The Animated Movie, Ninja Scroll, Patlabor, Cyber City Oedo 808, pour ne citer que ces derniers.

L’appréciation de l’aboutissement d’un AMV n’étant pas une science exacte, il est malgré tout possible de définir trois gages déterminants de qualité, sans chercher bien loin : primo, la puissance des extraits utilisés; secondo, le choix du titre musical récupéré pour construire le clip, et tertio, la technique du monteur. Une liste qui semble évidente de prime abord mais qui mérite tout de même d’être détaillée

En ce qui concerne le choix des images, tout d’abord, il semble évident que plus l’oeuvre détournée côtoie les sommets, plus l’AMV qui sera fabriqué à partir de ses extraits aura du cachet. Cette règle n’est néanmoins pas absolue et se retrouve contrariée par la popularité d’un titre ou d’un personnage récurrent d’une franchise, qui peut faire passer l’émotion avant l’esthétique de la mise en scène. Le cas de Vegeta, protagoniste charismatique et populaire de Dragon Ball en est le parfait exemple : tirant parti de la piètre qualité d’animation des différentes adaptations du manga par la Toei Animation, l’AMV suivant arrive à transcender ce qui fait la force et la complexité du personnage à travers une série de scènes le montrant aux prises avec ses ennemis ou ses démons. Plus que l’image au sens propre, c’est le reflet de la personnalité du héros choisi qui fait mouche, bien épaulé par le titre In The End de Linkin Park.

Pour en revenir au principe, on peut donc malgré tout affirmer que dans la plupart des cas, à talents de monteurs et calibre musical du morceau utilisé égaux, la différence se fait donc souvent au niveau de la qualité des images réutilisées. En guise d’exemple, voici un superbe montage réalisé à partir d’extraits du long-métrage d’animation Vampire Hunter D : Bloodlust sorti en 2000, et réalisé par Yoshiaki Kawajiri, à qui l’on doit, entre autres, l’excellent Ninja Scroll (1993) et une participation au projet Animatrix (sections Program et World Record; 2003). Bien soutenu par un entraînant Heavyweight d’Infected Mushrooms, ce clip se démarque avant tout par la beauté et la clarté des images qu’il dispense. Difficile d’atteindre ce niveau en reprenant de l’OAV ou de la série animée à la petite semaine.

Le choix du son est bien entendu d’une importance capitale, et peut presque faire la différence tout seul. Exemple ici avec un extrait du Requiem de Mozart (K.626 Dies Irae) mis à contribution pour rendre hommage à l’univers de Wolf’s Rain, une série d’animation signée par le Studio Bones, dans laquelle humains et loups croisent leurs tragiques destinées dans un monde frappé par une nouvelle ère glaciaire. Le montage est sobre et statique, l’anime recyclé d’assez bonne facture, et c’est le morceau composé par le petit génie de l’histoire de la musique classique qui fait finalement la différence et donne envie de se plonger dans l’univers proposé par l’anime détourné.

Deuxième démonstration de l’influence du son utilisé avec ce clip centré sur l’univers de Soul Eater, un anime à succès adapté du manga éponyme d’Atsushi Okubo, dont le design semble directement inspiré de l’univers de Gorillaz. Le gros son pêchu respirant la joie de vivre du producteur marocain RedOne en collaboration avec Mika donne un souffle nouveau à une franchise, qui souffre pourtant de son manque de personnalité et de rythme dans sa réalisation d’origine. Bon, il est vrai que sur cet AMV, le monteur tire bien parti des points forts de l’anime, s’il l’on met la définition moyenne de la vidéo dans son ensemble de côté.

Nous en arrivons donc à ce qui fait l’essentiel du succès d’un AMV : le talent du monteur. En plus du choix des ingrédients de son montage (traitement de l’image compris), ce dernier a la responsabilité, pour peu qu’il se prête au jeu, de trouver le bon fil conducteur de son clip. La vidéo suivante exprime bien cet aspect, en livrant un condensé de l’intrigue de la série Fullmetal Alchemist (adaptée du manga d’Arakawa Hiromu), qui donne quelques pistes sur la trame de l’histoire sans pour autant en révéler le moindre détail significatif qui gâcherait le plaisir de la découverte à quiquonque n’a pas eu l’occasion de se plonger dans l’univers du manga ou de l’anime. Rythme, coordination, textures, et habilité à trouver les bons extraits : tel est le cahier des charges de l’artiste qui se lance dans cette délicate opération. Si l’AMV est centré sur une franchise en particulier, une connaissance approfondie de l’oeuvre est bien entendu de rigueur. Le titre du morceau détourné s’intitule Hollow, interprété par un groupe d’alternative originaire de Stephenville, Submersed.

Au final, on est en droit de se demander si le talent du monteur ne fait pas tout… Je n’en suis, pour ma part, pas réellement convaincu, car si les morceaux choisis (musique ou image) sont de bien trop mauvaise facture pour être exploitables, il sera alors difficile pour l’artiste de dispenser à travers son AMV ce qui constitue la raison d’être des mangas, des animes et de tout ce qui découle de leurs industries respectives : le rêve. Sur ce, amis lecteurs, je vous laisse avec un dernier petit clip construit sur l’univers du jeu Final Fantasy 8 et la délicieuse voix d’Enya au service du titre Gravity of Love signé par Enigma.

Un moment de pur kitsch romantique pour conclure un petit dossier qui, je l’espère, vous aura autant plu qu’éclairé.

Musiqueeeuh…

PHB

Bon alors quoi de nouveau sous les projecteurs cette semaine ? Rien de moins qu’une nouvelle galette tout juste sortie du four de notre Goz préféré et de ses potes zicos. Et franchement, pour le peu que j’ai gouté : c’est toujours aussi acidulé, ça pique toujours un peu dans les oreilles, bref ça sent super bon comme de l’excellent Shaka Ponk !

L’album 3ème du nom s’appelle The Geeks And The Jerkin’ Socks et est sorti… hier ! Pour préparer sa venue, le groupe avait lâché sur la toile un nouveau clip le mois dernier, qui apparaitra comme la première des douze pistes de ce nouvel opus.

Allez, pour vous mettre dans l’ambiance bien comme il faut, je vous laisse découvrir « Let’s Bang »

Ca claque non ? Alors oui le gars qui fouillera un peu (si si je t’ai vu toi dans le fond) me dira qu’il y a quand même pas mal de similitudes avec les deux premiers albums, même types d’effets sur les voix, même sons de gratte, et les riffs sont souvent des remix des précédents tubes… Et alors ? Ca marche nickel sans devenir une soupe commerciale infecte. Y a toujours du peps, c’est toujours aussi frais et c’est ce qu’on aime ! D’autant plus que si la recette reprend les ingrédients de base, nos Monkeyz on légèrement épaissi la sauce en rajoutant quelques épices. Dans les petites nouveautés, je vous conseille d’écouter « My Name is Stain », une petite pépite bien reggae et son solo de guitare vers 1:30, juste parfait !

Alors on reste essentiellement dans du bon Rock electro funk, et les pistes les plus emblématiques restent pour moi « Shiza Radio », « Dancing Dead », « Reset After All »…

Ah, et comme on garde toujours le meilleurs pour la fin, je vous recommande « Old School Rocka », un bon gros titre rock à l’ancienne dans lequel aparait le très appréciable Beat Assaillant (va falloir que je vous en cause rapidement de celui-là !).

And last but not least : gros coup de cœur pour « Palabra Mi Amor », qui ravira les inconditionnels de feu Noir Dez avec une puissante intervention de Bertrand Canta himself !

Enjoy the ride and just stay thuned : I’ll be back in a few

(1) La chaîne de radio Essex FM (R.U.) avait décidé en 2006 de ne plus diffuser les titres You’re Beautiful et Goodbye my Lover, à la demande pressante des auditeurs, fatigués d’entendre les jérémiades du chanteur britannique.

(2) Reprises signées Marcela Mangabeira pour la première, Banda Do Sul Feat. Natascha pour la seconde.

(3) Toxic de Britney Spears reprise par Hard-Fi et Karmapolice de Radiohead déformée par Easy Stars All-Stars.

The Baseballs est un groupe qui applique cette bonne vieille méthode de la reprise depuis 2007, mais en exploitant un autre genre musical, cette fois-ci : le rockabilly. Apparemment soucieux de ressusciter la « Elvis Attitude », ces Allemands prirent l’audacieux pari en 2009 de s’approprier le célèbre titre Umbrella, celui-là même qui transportait deux ans plus tôt la belle chanteuse barbadienne Robyn Rihanna Fenty sur le devant de la scène. Une stratégie payante puisque le succès fut rapidement au rendez-vous dans la plus part des pays d’Europe de l’Ouest et du Nord. En plus de respecter à la lettre les codes musciaux du genre, le trio composé de Sam, Digger et Basti (Sven Budja, Rüdiger Brans et Sebastian Raetzel de leurs vrais noms) pousse le mimétisme jusqu’au bout des pattes, et se met en scène dans un clip qui récrée habilement l’ambiance des concerts de rock des années 50, dans lesquels les premières groupies histériques glapissaient leur admiration pour des chanteurs à l’élégance particulière, à cheval entre le dandy et le péquenot, la banane en prime.

La reprise d’Umbrella est plus qu’enthousiasmante à écouter et livre une interprétation tonique d’un titre qui n’avait finalement pas besoin de Rihanna pour plaire. Les trois allemands s’en donnent à coeur joie, à grand coups de claquements de doigts, de swing de porte-micro et de sourire « dentifrice ». Sans avoir des voix exceptionnelles, ils arrivent malgré tout à donner un petit parfum d’authenticité au registre dans lequel ils ont puisé leur inspiration, l’énergie déployée sur scène faisant le reste.

Malheureusement, le franc succès rencontré par cette expérience a inévitablement poussé le trio à faire feu de tout bois, sur trois albums enregistrés en autant d’années : Strike ! en 2009 sera suivi de Strike ! Back ! en 2010, avant le récent Strings ‘n’ Stripes sorti en avril dernier, livrant tous trois une prestation énergique mais somme toute assez répétitive et plate, malgré quelques éclairs de génie comme la reprise de Poker Face de Lady Gaga enregistrée sur le deuxième opus du groupe.

Comme quoi mieux vaut ne pas abuser des bonnes choses, au risque d’en perdre la saveur. Sur ce, je vous laisse goûter au titre qui lança la carrière des Baseballs, et qui est de loin le plus intéressant de toute la discographie de ce groupe. Pour finir, voici leur site web: http://www.thebaseballs.com/.

Rock n’ Roll !!

The Baseballs (cliquer sur le lien)

PHB

Tout ces efforts pour tenter de gagner 2 places aux Transbordeur pour la soirée évènement du 25 février, ainsi que le précieux album…

Et le résultat m’sieurs dames : le voici ! Notre gagnant se prénomme Guillaume, et vous allez voir que notre participant, non content de s’aquitter uniquement des mots imposés et de ceux interdits dans le règlement du jeu, s’est amusé à en rajouter d’autres avec un style d’écriture à la fois fun et travaillé :

La période hivernale est un cycle plus ou moins propice pour le jardinage. Si, effectivement, ce n’est pas l’époque la plus favorable pour le développement des plantes, c’est néanmoins, un stade important pour la préparation des jeunes pousses. Ainsi, après des semaines et des semaines d’intenses répétitions, de préparation physique et mentale, d’apprentissage de chorégraphies endiablées, le 25 février sonnera comme l’éclosion d’un projet artistique étrange.

De quoi me direz-vous?

Je veux parler d’une étrange végétation en pleine mutation qui proliférera sur la scène du transbordeur, de jeunes bourgeons qui souhaitent nous offrir le fleurissement de leur art. Un groupe qui part à l’anémochorie mélodieuse de sa section cuivre et de l’arrosoir éléctro de sa rythmique fera

germer en vous l’esprit botanique. Le 25 février verra éclore le premier album tant attendu des Monstroplantes.

Comment??? Vous ne connaissez pas

les Monstros????

Alors, en bref résumé, la composition des Monstros, c’est tout d’abord une voix, celle de Julien semblant sortir tout droit des entrailles de la terre, puis vient ensuite la section cuivre partagée entre Dr seb, Damien, Ludo et Aurélien. Un mystérieux instrument de forme cochléaire joue une basse lourde mais rythmée celle du sousaphone de Tang couplée aux rythmiques percussives de Mooken sans oublier les sonorités éléctro des platines de Laskakad.

Le groupe tire sa substantifique moelle énergique des racines du plus profond de la terre, de ce métissage entre instruments réels et virtuels. Le groove solide assuré par ces 8 végétaux surréalistes donne inévitablement aux leurs auditeurs une irrésistible envie de danser tel un Codariocalyx motoriu.

Mais revenons plutôt à nos moutons ou plutôt à nos bourgeons devrais-je dire. Donc, cette soirée du 25 février s’annonce comme LA soirée à ne pas manquer pour tous les sonovores en recherche de nouvelles sonorités, d’atmosphères modernes et décalés. Alors effectivement, vous pouvez vous dire que vous achèterez le CD après le 25 février et cela fera pareil.

Et bien NON puisque, comme la sortie d’un premier opus est quelque chose d’unique, les Monstros nous offre également le plaisir de voir sur scènes nombreux Guests. Il serait facile de vous dévoiler les artistes présents lors du concert mais nous avons décidé de garder le mystère pour ne rien gâcher de cette belle fête qui s’annonce. Mais faites nous confiance, il s’agit d’un beau, d’un très beau plateau réuni autour des Monstoplantes. Cette composition florale inédite et exceptionnelle permettra de faire entendre certes les titres qui ont fait la renommé du groupe comme U Gottta, Jailbaits, Taekwonsen… mais aussi beaucoup d’autres inédits qui seront évidemment à l’intérieur de cet album. Nous ne l’avons pas préciser mais que vous soyez hommes, femmes, fleurs de toutes âges ou encore jeunes bourgeons, vous êtes les bienvenus afin de célébrer comme il se doit la lutte contre le Dr Larsen.

Mais, au fait qui est vraiment ce docteur Larsen, cette espèce de force obscure qui est la terreur des groupes? Pour le moment, le mystère reste entier, c’est une forme mouvante qui circule sans se faire remarquer et dès que le moment opportun arrive frappe les groupes d’une violence jamais entendu. Delà, venez soutenir cette rébellion contre cet élément métaphysique. Mais, ne vous inquiétiez pas, l’union fait la force et la parthénogénèse déclenchée par les Monstros, soutenu par une incommensurable envie de mettre le feu au transbo, vous protégeront des effets nocifs de Dr Larsen. Mais, nous vous prévenons, il faudra du monde pour vaincre cet ennemi. C’est pourquoi, hommes, femmes, fleurs de toutes âges ou encore jeunes bourgeons, nous vous demandons de diffuser l’info, prévenez vos amis et, ensemble, NOUS terrasserons l’opposant.

Cette courte présentation vous a donné envie d’en savoir plus sur ce groupe? Vous souhaiteriez en savoir plus? Dans ce cas là, je vous conseil, sans plus attendre, de jeter un œil sur: http://www.myspace.com/lesmonstroplantes

Guillaume

Nous en profitons pour remercier Viviane de Yuma Production, Benjamin de Du Bruit au Balcon et bien sûr Les Monstroplantes. Leurs idées, leur disponibilité et leur gentillesse nous ont permis de vous proposer ce jeu concours autour de la sortie d’album les Monstroplantes contre Dr Larsen.

Merci enfin à vous tous qui avez fait tourné le lien, à vous qui avez laissé vos commentaires et vos « j’aime », et à vous qui avez bravé la page blanche en nous balançant de la « parthénogénèse » à tout va !

Encore bravo à notre gagnant, et toutes nos félicitations !

Faiz est donc un jeune Mauricien de 21 ans, pétri de talents (1) divers, et installé à Lyon depuis 2007 pour y poursuivre ses études en sciences économiques (Université Lumière, Lyon II). Né dans la ville de Moka, (comme un peu tout le monde à Maurice, paraît-il), il se passionne très jeune pour le dessin, une activité qui s’installe définitivement dans le parc de ses habitudes alors qu’il écume les bancs (et les pupitres) du lycée.

(1) Une expression chère aux commentateurs de football en France.

Entretenant cette passion qu’il trouve très vite apaisante, selon ses propres mots, et qui lui permet de transcender librement les limites du monde réel, Faiz partage sa vie lyonnaise entre ses heures de cours et ses interminables sessions de dessin, qui l’amènent parfois à s’enfermer pendant plusieurs jours pour faire mûrir ses compositions, fortement influencées par l’univers du manga et du jeu vidéo.

En outre, le jeune Mauricien troque très vite ses crayons pour Photoshop, logiciel qu’il manipule avec une grande maîtrise.

Aucune règle d’or ne régit le travail de cet artiste, si ce n’est un certain souci du réalisme, tant pour la représentation des personnages et des environnements, que pour le choix des couleurs. Ceci dit, Faiz ne s’impose aucune limite, et avoue même nourrir le désir de faire voler une baleine dans l’une de ses futures compositions, pour exprimer cet affranchissement on ne peut plus naturel pour un autodidacte. Toujours est-il que le fan art (2) reste un de ses principaux vecteurs d’inspiration.

C’est de plus un grand admirateur d’un autre artiste de DeviantART, Henson Chenh, qui évolue dans un registre assez similaire.

(2) Le fanart ou fan art désigne en anglais toute œuvre réalisée par un fan et s’inspirant ou reproduisant un ou plusieurs personnages, une scène ou l’univers d’une œuvre existante, qu’elle soit littéraire, picturale ou audiovisuelle.

Féru de metal, Faiz affectionne particulièrement certains artistes nippons, comme Mucc ou X Japan (3), sans pour autant en oublier les classiques du genre, Metallica en tête. Il se tourne également vers les compositeurs de musiques de jeu vidéo, vouant une préférence à Nobuo Uematsu, l’auteur des thèmes de la série des Final Fantasy. Cette orientation le pousse petit à petit à ajouter une corde à son arc, en se lançant lui-même dans cette discipline, avec autant d’application que pour le dessin, ses solides bases de guitariste amateur, conjugués à son habitude de l’informatique l’amenant à domestiquer assez rapidement les logiciels Fruity Loops et Audacity (entre autres) pour donner vie à ses partitions. La musique classique avait entretemps fait son entrée dans son répertoire de références, comme en témoigne le thème suivant.

(3) Deux groupes composés de vrais musiciens, aux antipodes de la J-Pop de base dont les chroniqueurs de la chaîne No Life sont friands.

La qualité de son travail l’a finalement amené à être contacté pour collaborer en tant qu’artiste et musicien avec Megara Entertainment, studios pour lesquels il a participé, entre autres, à l’adaptation du jeu de rôle Fable Lands sur Ipad et Ipod. Il serait également dans la confidence en ce qui concerne le projet de création d’un jeu Final Fantasy signé par les fans de la franchise, et pour lequel il mettrait tous ses talents à contribution.

Fin 2011, Faiz quittera Lyon et la France pour s’envoler vers l’Australie. Nous garderons donc un oeil sur cet artiste appliqué, en espérant qu’il ne finisse pas par grossir le rang des économistes, comme le voudrait la logique académique que suit son parcours universitaire, et qu’il se consacre plutôt à persévérer dans le chemin parallèle qu’il a pris jusque-là.

Et pour cela, nous lui souhaitons bonne chance !

PHB