- »But… Who is the Doctor ? »

Ah ça, bonne question petit. Disons que dans la vie d’un bon geek qui se respecte, il y a au moins deux bons Docteurs.  But Today is the day we are talking about… Dr House !

Alons-y Alonso ! Alors si vous avez bien suivi notre enquête auprès de notre ami Christophe Hondelatte, on sait déjà avec certitude, preuves à l’appui et tout et tout, que le Dr House… ben c’est pas Mickey Mouse… Nan nan mais c’est important. Alors moi je me suis dis ok, mais alors c’est qui ce Dr House ? Et j’ai continué à investiguer.

Et un jour surprise. J’apprends que le Dr House en vrai, il s’appelle Hugh Laurie, et que le monsieur non content de son talent incontestable d’acteur, scénariste, réalisateur, producteur de cinéma… s’aventure écrivain et s’improvise désormais compositeur, musicien, et chanteur. Tout comme Hondelatte, mais en pas pareil !

Si vous êtes fans comme moi de la VO, vous avez remarqué que Laurie joue avec un fort accent américain. Donc forcément il y a des gens qui disent « ouaaais, il est américaaaaain, tout ça… ». Que nenni ! N’en déplaise à Mickey Mouse, le Hugh il est né à Oxford et pi c’est tout ! L’accent américain il commence à le prendre pour la première fois dans les films Maybe Baby d’Elton et les deux Stuart Little. Mais quand il joue aux côtés de  Rowan Atkinson dans la série  Blackadder, là il n’a pas du tout cet accent. En fait Hugh Laurie commence à être réputé au Royaume Uni dès les années 1980. Mais c’est véritablement avec la série Dr House en 2004 qu’il va être reconnu à l’échelle mondiale, et notamment se faire connaitre du public americain.
Donc voilà. Même s’il a joué le méchant Jasper pour les studios Disney dans Les 101 Dalmatiens, rien à voir avec Mickey. Non mais !

- « Mais t’as dit qu’il écrit des bouquins aussi ? »

Oui m’sieur ! Et à priori il est très bon romancier, bien que je n’ai pas encore pris le temps de lire son livre The Gun Seller (paru en 1996 et traduit en 2009 sous le titre Tout est sous contrôle). Succès à la fois au Royaume Uni et en France ! Il y aurait un deuxième roman dans les starting block, intitullé The Paper Soldier (US) ou Paper Soldiers (UK). Aucune idée de quand il va sortir mais qui sait, bientôt peut-être ?

- »Ah ok… Mais t’as dit… il est musicien ? »

Oui, et exellent musicien qui plus est : Pianiste, guitariste harmoniciste, chanteur… Pour tout dire, pas mal de ses compos sont jouées dans Dr House. Genre dans l’épisode 9 de la saison 4, Game  : le morceau de guitare « folky » joué lors de la scène des derniers renvois (et qu’il dit être du patient), ben c’est du Laurie.

En fait le déclique c’est fait en 2006 grace à sa collaboration (House 02×14) avec Greg Grunberg (LOST, Heroes…), fondateur du groupe Band from TV. Greg l’invite à rejoindre l’aventure en temps que pianiste et chanteur. Parmis les membres du groupe :  Bonnie Somerville (Mary dans Beverly Hills, Mona dans Friends), James Denton (Mike Delfino dans Desperate Housewives, Mr Lyle dans Le Caméléon) ou Jesse Spencer au violon (Robert Chase dans Dr House). Band from TV se donne pour but d’aider les assiociations caritatives.

Hugh Laurie a signé en 2010 chez Warner, et son premier album Let Them Talk sort le 18 avril 2011 en France,  le 9 mai au Royaume Uni.

Alors bon comme vous vous en doutez, quand on me propose de la galette, moi forcément je goute. Et bien c’est du bon ! Du très très bon même ! On peut dire que quand le Dr House bosse sans blouse, Hugh Laurie bosse son blues ! Premier truc à savoir quand on se procure l’album : il n’y a pas de compos personnelles. C’est un peu dommage mais Laurie a juste eu envie de reprendre des titres phares du Blues New Orleans des années 1920-1930. Et qui dit New Orleans, dit bon gros accent de Cowboy ! Ca peut déplaire à des gars en kilt sur une île que je ne citerai pas, moi je trouve ça juste kiffant.

J’ai dit Blues ? Ah oui tiens. En fait Hugh nous fait une petite blague sur le premier titre St. James Infirmary, puisqu’il nous offre une très belle ouverture piano minimaliste, hyper calé classique au départ. Puis le son enfle, module petit à petit en intégrant des accords jazz, pour finalement amener et installer le blues sur une base de contrebasse profonde. Tout comme j’aime. Ca balance, ça groove tout bien comme il faut quoi. Et dès le départ on sent qu’on est entre de bonnes mains. Laurie nous passe ce message : le blues n’est pas ma culture d’origine, et je n’ai rien composé. J’arrange seulement à ma sauce. Voilà la culture d’où je viens, et voilà le son que j’aime. So just enjoy the trip.

Je ne sais pas vous, mais pour moi c’est du tout bon. Le trip, je suis à fond dedans ! Juste pour voir, St James infirmary par Cab Calloway c’était ça, par Louis Armstrong ça donnait ça, et pour le fun la version d’Eric Clapton et Dr John (oh… another Doctor ? Fantastic !!) c’est ici.

Sur le deuxième titre (le radiophonique You don’t Know My Mind), on est sur un blues un peu plus country folk, une rythmique entrainante. Voyez plutôt :

On revient sur un bon vieux blues avec la balade de Six Cold Feet. Un son de sax vintage, bien old school. Et surtout un son de guitare qui rappelle celui de Scrapper Blackwell  quand il jouait ce titre enregistré avec le pianiste et compositeur du titre Leroy Carr. Bon j’avais une version quelque part mais pas moyen de remettre la main dessus…

Un autre grand titre repris par notre bon Docteur, Battle of Jericho, dont j’adore la version toute posée et à la fois envoûtante de profondeur. C’est le genre de chanson dont on ne sait plus vraiment qui la composée, quelle était vraiment sa version originale tellement elle a été reprise un nombre incalculable de fois.

Et on continue avec autre chose, un truc de fou : deux Docteurs qui bossent ensemble ! La chanson s’appelle After You’ve Gone, sur laquelle Laurie chante avec Dr John (the other Doctor who played with Clapton). Bass Clarinet power ! Oh Yeah ! And great duo… Yeah men !

Hum pardon je m’emballe. Superbe boogie sur Swanee River ! Là aussi en fouillant un peu on trouve pas mal de versions sympas, genre celle-ci, mais aussi et surtout la version Ray Charles, qui en garde une base à peine reconnaissable mais carrément plus rock. Laurie s’approprie ce titre à merveille non ?

Pour la prochaine…

Oh, my…  the Doctor plays the guitar !

Y a ensuite une chanson qui s’appelle John Henry. Alors forcément vous lisez ça vous avez envie de demander : « mais c’est qui encore que ce toubib ? ».  Ben c’est pas un Docteur en fait. C’est un homme qui fait partie intégrante du folklore américain, puisqu’il représente un groupe spécifique dans le melting-pot de la classe ouvrière du XIXe siècle. John Henry était un homme grand et fort, un « pousseur de fer », qui travaillait à l’expension des lignes de chemins de fer vers l’Ouest des Etats-Unis, à travers les montagnes. On raconte que, la machine supplantant de plus en plus la force humaine, le propriétaire du chemin de fer avait acheté un marteau à vapeur pour faire avancer le travail plus vite que les ouvriers. John Henry, pour sauver son travail et celui des autres gars, lance le pari de défier la machine. Il gagne, mais meurt juste après d’une crise cardiaque. Ce duo avec Irma Thomas raconte son histoire…

N’empêche, pas de bol pour la crise cardiaque ; si le Dr House avait été là…

Bon, je ne vais pas tout vous dire sur l’album, il faut aussi que vous en décrouvriez un peu par vous-mêmes ! Ah tiens si, juste un truc. Y a un titre que j’aime bien aussi parce qu’un gars qui chante dessus, et au départ je ne l’avais pas forcément bien reconnu dans l’album. Preuve qu’il fait parfaitement son job ici. Hugh Laurie (nan, c’est pas lui que j’avais pas reconnu ^^) chante sur ce titre avec.… Tom Jones. Si si ! Le gars de Sex Bomb ! Et ça donne un Baby, Please Make a Change assez cool au final !

Bon ben c’est Hondelatte qui va être content, on a résolu le cas et on a une bonne idée de qui est le Dr House maintenant. Tiens d’ailleurs ils en pensent quoi chez Ruquier ?

Même si vous n’aimez pas l’émission, prenez le temps de regarder ça, juste pour les perles de répliques de Hugh Laurie, ça vos le coup de s’y attarder :p

Bon allez, je vais checker ma boîte aux lettres moi, histoire de voir si je n’aurais pas reçu un petit EP tout beau tout neuf à vous faire découvrir…

Stay tuned on BBz radio !

Alors je ne vais pas parler de l’émission en tant que telle, parce que bon déjà on aime ou on n’aime pas. Le concept étant assez simple : Ruquier invite un gars qui a fait un truc et qui veut en parler. Ruquier dit que « waouw c’est génial ! » et ses chroniqueuses descendent le truc en question pour voir comment le gars en face va réagir… Waouw c’est génial ! Bon je caricature un poil mais dans l’idée je ne dois pas être si loin de la vérité…

Et ce jour là, le gars c’était Christophe Hondelatte. Si si vous connaissez c’est  le présentateur de l’émission « Faites entrer l’accusé ». Mais si, le gars qui a son bureau comme si c’était un détective privé, sombre et tout ça. Même que quand il présente l’émission il ne rigole pas parce que bon c’est un sujet grave en général dont il parle. Et puis quand l’émission est finie il prend son manteau et il s’en va. Pas le temps de dire au revoir, y a du boulot…

Bon on va pas non plus parler de son émission, même si elle est franchement pas mal, il faut dire.

Bref, on va parler du chanteur.

Allez, pour les plus courageux, je vous mets la vidéo du clash en question :

 Et pour les pas courageux le gars dit au départ qu’il est prêt à tout entendre, et en fait non. Il dit qu’il ne se considère pas vraiment comme musicien, mais en fait carrément que si. Bon, ok. Admettons. Quand il se fait dire par Natacha Polony que son album est un acte narcissique, il répond que tout artiste est narcissique…

Bon bref, je suis allé voir la définition. Narcissisme : admiration de soi-même, égocentrisme…

Bouarf, pas sûr que la définition colle à tous les artistes mais admettons.

Ah oui alors, un argument du monsieur : « vous ne savez pas ce que c’est un accord de la, mais vous pouvez dire que musicalement c’est bien foutu ? Ce qu’est un accord de ré majeur mais musicalement c’est bien foutu ? » « vous n’êtes pas à même de pouvoir critiquer mon album »…

Bah justement, moi je sais et j’ai envie d’aller plus loin. Un accord de la, ça ne veut pas dire grand chose si on ne précise pas au minimum s’il est majeur ou mineur… Ah oui, il précise ça ensuite, un accord de ré « majeur »…  plus pertinent. Bon. Je sais ce que c’est que ces noms barbarres, et alors. Une musique de merde (avec accords ré majeur ou pas),  pas besoin de s’être enquillé 15 ans de solfège pour savoir à quoi ça ressemble.

Et puis il faut le dire quand même : s’il faut absolument être musicien pour apprécier un album, c’est soit que l’écriture est vraiment quelque chose de recherché voir complexe, soit que c’est une tentative ratée, et qu’il faut toute la compétence d’un bon musicien pour passer outre les erreurs du débutant et imaginer ce qu’aurait pu être le score au final, ce que l’artiste à essayé d’atteindre sans succès. Donc soit en disant ça il ne se prend absolument pas pour de la merde, soit il avoue maladroitement qu’il n’est pas forcément hyper callé et que seul un musicien peut comprendre ce qu’il aura essayé de faire… Mouais.

Bon. Je sais pas vous mais moi j’aime bien les défis. Au delà du buzz, au delà du gars qui défend son bébé de manière carrément discutable, il y a un album. Et cet album à au moins ça de particulier qu’il est dit totalement gratuit, et totalement autoproduit.

Bon début ça. Mon attention se voit suffisamment titillée. Allez je suis fou je me lance. Premier truc que je trouve sur la toile c’est ça :

Belle mise en scène… bon zicos… Enfin il y a quand même un détail qui me froisse un peu l’oreille : on a un bassiste un batteur et un clavier à l’image. La guitare, les saxophones, les trompettes et trombones ils sont où ?? Ah oui, on donne leur nom dans le générique, cool… Bon ok disons que je chipote.

Alors la voix n’est pas mauvaise, il chante assez bien le Christophe en fait. Et puis il faut dire qu’il est bien entouré : derrière lui ça envoie ce qu’il faut pour que l’ensemble soit crédible. Le truc qui dérange, c’est peut-être la gestuelle, les expressions du visage, le fait de ne pas trop savoir dans quel degré on se situe : est-ce de l’autodérision ou le gars est vraiment à fond dans ce qu’il fait ?

Un truc me surprend : Hondelatte parle du fait que seuls les gens qui ont un compte sur Youtube peuvent dire qu’ils aiment ce qu’il fait. Donc il ne faut pas se baser sur les stats Youtube pour juger de la popularité de l’album. Bah ouais mais là… « 788 aiment 4022 n’aiment pas ». Ils ont bien tous un compte ceux là non ? Passons sur le détail.

« Dr House, c’est pas Mickey Mouse ». Euh oui ok. Bravo pour la rime… Encore que je ne vois pas spécialement le rapport avec les frites… J’attends avec impatience le deuxième clip « Dr Who, c’est pas l’oncle Picsou. » Mais attention, pour la critique faudra réviser vos accords 7 +9, parce qu’on me crie déjà dans l’oreillette que notre artiste a promis de faire mieux la prochaine fois !

Je plaisante, mais en fait ce titre n’est ni (archi) nul, ni (hyper) bon. Disons que ça passe pour être bien fait, efficace dans la structure. Bonne écriture musicale quoi même si ça ne casse pas des briques. Les fans de Dr House y reconnaîtront facilement l’allusion à certains épisodes des premières saisons. Après les paroles on aime… ou pas.

Maintenant j’ai juste une question qui me vient : pourquoi ? Pourquoi faire un album ? Pourquoi proposer un album gratuit ici quand on propose un single payant là ?

La réponse existe sûrement… Ou pas.

Ou pas, c’est le nom de l’album en fait. Nan parce que oui, je viens de me rendre compte que je ne l’avais pas mentionné.

 Et là je pourrais vous faire plein de petites blagounettes du style : « bon les gars, on se le télécharge cet album ? Ou pas… » Mais bon c’est petit et vraiment facile, faut que je trouve autre chose.

Bref, du coup j’ai téléchargé.

Première piste : ou pas. Non non là c’est pas une blague : c’est le titre de la chanson ! Ca démarre bien. Guitare et batterie en mode folk. Puis vient le trombone. Et là je me dis oups, on a un problème. Comme on dit entre zicos : ça frotte. Entre la voix et le trombone on est parfois à la limite du défaut de justesse. Le problème est tout aussi présent entre les deux cuivres, et même amplifié par des attaques franchement approximatives… Le master y est peut-être pour quelque chose également. Un peu moins de voix, laisser passer les cuivres devant pour asseoir les dissonances (écrites donc voulues) trombone/trompette et bosser la précision de leurs interventions…  on aurait sûrement moins cette sensation de cafouillage… Argh plus que douze pistes.

En seconde position, le fameux Dr House. La différence avec le premier morceau est flagrante. On sent que c’est carrément mieux travaillé. On sent que ce titre est la vitrine de l’album et que chacun a mis les bouchées double pour que ça sonne nickel. Bon équilibrage général, le son du sax baryton au début est énorme, la section de cuivres est précise, efficace : ouf j’ai eu peur. Dr House est un peu répétitif, mais j’ai envie de dire c’est ce qu’on demande à un titre comme celui-ci : qu’il tourne assez pour rester dans l’oreille…

Très bonne intro également sur « le cœur en balance ». Question balances tiens, les instruments sont assez bien gérés. En fait, tout l’intérêt de ce titre se situe à l’arrière, dans la performance des musiciens. N’en déplaise à notre chanteur, sa prestation passe ici… un peu en arrière plan. Personnellement je n’arrive pas à me concentrer sur les paroles ou le chant. Je ne dirais pas que ça ne m’intéresse pas, juste que ce n’est pas le plus pertinent dans le titre, pas ce qui attire mon oreille.

Piste suivante ! « Bonjour St-Pierre ». Re oups, mais pour la voix cette fois. Le titre n’est pas évident. Hondelatte tente de mettre de l’effet dans la voix, sauf que parfois ça sonne légèrement faux. Dommage, le titre est sympa.

Yoyo ? Rien de vraiment intéressant musicalement parlant. Les paroles ? Ca parle de yoyo, d’amis et de tours de clé. Faites le lien !

Conjugaison ? Bah disons qu’au moins il s’amuse à réciter sa leçon. Le bon point revient au pianiste, aux notes excellentes.

Bon, je ne vais pas vous faire tout l’album, vu que dans l’ensemble c’est tout du même tonneau. Je suis un peu fâché avec le trombone : trop de glissendo tue le glissendo, et surtout met en danger la justesse. Hondelatte a une voix sympa, un peu cassée parfois, ce qui ajoute un certain charme. Mais on sent que sa technique est fragile, pas toujours maîtrisée. L’écriture des textes, je n’accroche pas, personnellement. Après ce qui sauvera l’écoute c’est la team des zicos dont le niveau général dans l’album est vraiment bon. Bon ça pêche sur certains points, mais reste que la valeur ajoutée, au risque de déplaire au chanteur, c’est les instrus qui l’apportent.

Pour résumer : c’est pas mal pour un début, pour un premier album. Hondelatte n’est pas ce que j’appellerais un grand musicien. On sent qu’il s’éclate, on sent qu’il aime chanter, mais ça ne fait pas de lui un grand musicien. On sent le potentiel musical. Il s’est se faire plaisir avec d’excellents musiciens (le violoncelle dans le titre « Ultimement » est magnifique), mais il faut avouer que sans eux, il ne reste pas grand chose dans son album. Mettre ses tripes dans un album ne veut pas dire qu’il sera bon, connaître le bon accord ne fait pas de vous ou moi d’excellents musiciens ou de bon critiques. Ce n’est pas le narcissisme qui défini l’artiste, c’est le plaisir qu’il se donne en faisant plaisir aux autres. L’un ne marche pas sans l’autre. L’excellent musicien accepte réellement la critique, et il l’accepte d’autant plus qu’elle peut venir de n’importe qui et est constructive. Car la musique c’est ça : un langage qui se destine à qui veut bien écouter. Il n’y a pas de barrière de langue, elle est universelle. Comprendre ça, c’est comprendre que la définition de l’artiste en général, et du musicien pour ce qui nous concerne aujourd’hui, c’est le partage dans le sens noble et large du terme. Dire   »je fais de la musique et si tu n’aimes pas c’est que tu es trop con pour apprécier », ça, c’est du narcissisme. C’est passer à côté de la vraie musique, et de la magie qu’elle diffuse quand on sait la partager.

La réaction de Hondelatte chez Ruquier ? Celle de celui qui voudrait être reconnu comme artiste sans tout à fait comprendre ce que c’est, ce que ça implique ? Une chose est sûr, le clash, voulu ou non, aura boosté les téléchargements. S’il compte le nombre de fans par rapport au nombre de téléchargements sur son site, il ne peut qu’être heureux. Perso j’ai téléchargé, mais ne suis pas pour autant fan du monsieur.

Allez, sur ce je prends mon manteau et je me rentre moi. J’ai un album à écouter. Le chanteur est acteur dans une série américaine il paraît. Et non, c’est pas Mickey Mouse

]]> http://www.blog-bazar.com/christophe-hondelatte-faites-entrer-le-chanteur%e2%80%a6/feed/ 4 http://www.blog-bazar.com/shaka-ponk-nouveau-clip-et-nouvel-album/ http://www.blog-bazar.com/shaka-ponk-nouveau-clip-et-nouvel-album/#comments Tue, 07 Jun 2011 13:03:14 +0000 Kryska http://www.blog-bazar.com/?p=7014 Salutations bande de Geeks ! Non de Zeus ça faisait un bail que je n’avais pas ramené ma fraise dans le coin moi. Mais je vois que vous êtes toujours fidèles au post et c’est tant mieux !

Bon alors quoi de nouveau sous les projecteurs cette semaine ? Rien de moins qu’une nouvelle galette tout juste sortie du four de notre Goz préféré et de ses potes zicos. Et franchement, pour le peu que j’ai gouté : c’est toujours aussi acidulé, ça pique toujours un peu dans les oreilles, bref ça sent super bon comme de l’excellent Shaka Ponk !

L’album 3ème du nom s’appelle The Geeks And The Jerkin’ Socks et est sorti… hier ! Pour préparer sa venue, le groupe avait lâché sur la toile un nouveau clip le mois dernier, qui apparaitra comme la première des douze pistes de ce nouvel opus.

Allez, pour vous mettre dans l’ambiance bien comme il faut, je vous laisse découvrir « Let’s Bang »

Ca claque non ? Alors oui le gars qui fouillera un peu (si si je t’ai vu toi dans le fond) me dira qu’il y a quand même pas mal de similitudes avec les deux premiers albums, même types d’effets sur les voix, même sons de gratte, et les riffs sont souvent des remix des précédents tubes… Et alors ? Ca marche nickel sans devenir une soupe commerciale infecte. Y a toujours du peps, c’est toujours aussi frais et c’est ce qu’on aime ! D’autant plus que si la recette reprend les ingrédients de base, nos Monkeyz on légèrement épaissi la sauce en rajoutant quelques épices. Dans les petites nouveautés, je vous conseille d’écouter « My Name is Stain », une petite pépite bien reggae et son solo de guitare vers 1:30, juste parfait !

Alors on reste essentiellement dans du bon Rock electro funk, et les pistes les plus emblématiques restent pour moi « Shiza Radio », « Dancing Dead », « Reset After All »…

Ah, et comme on garde toujours le meilleurs pour la fin, je vous recommande « Old School Rocka », un bon gros titre rock à l’ancienne dans lequel aparait le très appréciable Beat Assaillant (va falloir que je vous en cause rapidement de celui-là !).

And last but not least : gros coup de cœur pour « Palabra Mi Amor », qui ravira les inconditionnels de feu Noir Dez avec une puissante intervention de Bertrand Canta himself !

Enjoy the ride and just stay thuned : I’ll be back in a few

Le groupe en question ? Xbreed Supersoul (prononcez Crossbreed),  qui voit le jour en 2004 et est composé de 5 zycos :

• Guylain Blackburn (batteur)
• Armand Gachet (bassiste)
• Roland Constantin (guitare lead)
• Vincent Brasse (guitare acoustique et chant)
• Laurent Blackburn (guitare rythmique)

Alors qu’est-ce que c’est que ce son ? Une fois les deux albums en main, je décide de me les jeter bien comme il faut dans les oreilles, en prenant soin de commencer par la première galette Live at the BBC, sorti en 2005. Un premier album avec un nom pareil, ça ne peut être que de bonne augure.

Oui alors bon, c’est sûr, certains ne manqueront pas de trouver ça assez présomptueux. Disons que c’est un jeux de mots assez bien trouvé, le sigle BBC ne faisant pas directement référence à la compagnie de radio-télé anglaise, mais au Banana Beach Café, club bien connu de Grand Baie où nombre d’artistes locaux se donnent rendez-vous avec leur public pour des sessions live qui, accompagnées des cocktails explosifs du barman, sont réputés pour mettre le feu aux soirées de fin de semaine…

Mais cessons de rêver de plages et de cocktails, et revenons à la zique. A la première écoute de ce live, le ressenti est plutôt sympa. Un mélange de styles aux teintes Coldplay, U2, Metallica et même du grand Hendrix, en passant par du Noir Desir, Queen of the Stone Age ou encore  Placebo. Attention je ne parle pas de reprises mais bien d’ambiances !

On commence par un « Supersoul », mélodie cool et entrainante qui nous raconte une terre bien mal en point, que des super-héros tentent de sauver. On part d’un set pop acoustique, peu présent en rythmiques, pour arriver progressivement à un son rock plus impulsif, plus saturé, plus percutant aussi, avant de revenir au calme. Un premier morceau très bien écrit, qui incite à poursuivre plus loin le voyage. On continue avec un « President » à la mélodie et au beat assez entrainant eux aussi. On notera que pour un live le son est très bon, avec un master impeccablement qualibré grâce auquel il est impossible de manquer la moindre ligne de basse ni le moindre riff de guitare. J’adore.

« Tantric », tout comme « Hit By a Plane » valent le coup de s’y intéresser de plus près. On sent vraiment une grande osmose dans le groupe lorsqu’on écoute ces deux titres, dans lesquels se succèdent tentions et détentes de manière très convaincante et fluide.

« Be Mine » est sans doute la chanson la plus romantique de l’album, puisque la seule à parler d’amour. Joli petit slow donc, qui je pense saura plaire à beaucoup. Pas franchement représentatif du groupe, mais très appréciée par le public le titre fait partie des plus grands tubes des Xbreed.

Autre titre que j’aime beaucoup également, « Pokemeon ». Ca commence par un bon solo de percu et, petite surprise, on a droit au premier titre francophone du groupe ! Un bon tempo, un excellent beat auquel il est difficile de résister. Moi ça me fait penser à du bon Noir Désir.

Ensuite vient « Michael Jackson ». Pas le vrai bien sûr, qu’il repose en paix. Non, c’est juste le nom de la piste suivante. Pourquoi ce nom ? Aucune idée, de l’aveu même du chanteur. C’est un peu le même délire que Gorillaz avec son « Clint Eastwood », mais ça ne dérange pas vu la qualité de la chanson.

« Smile » est surement LA chanson du groupe. Celle qui l’a fait connaître grâce à sa diffusion sur les ondes. Un son très pêchu, de bons riffs, des voix qui se mélangent bien à la sauce (Laurent assure les chœurs), normal que ça cartonne autant pour les Xbreed !

On l’a vu plus haut, l’album mélange les genres sans complexe aucun. « Done my Time », composé par Armand en mémoire de son défunt frère Sacha, emprunte un beat reggae très convainquant, même si j’aurais apprécié un plus gros travail dans le style sur la mélodie du chant. On reste donc sur une ambiance rock, avec de (trop) courts emprunts reggae. Mais ça reste tout de même très bon.

A nouveau une bonne démo de la qualité de son avec « Above », dans lequel on sent une fois de plus une grosse présence des guitares et une bonne ambiance rythmique.

Et on fini par un excellent « Crowd Surfing », avec la fameuse intro guitaristique emblématique de Pulp Fiction (que vous découvrirez sous le nom de « Misirlou » dans la BO du film), ou encore du film Taxi premier du nom (le moins pire à mes yeux^^). Ca se lâche bien comme il faut par la suite. On est à la fin du concert, et le groupe a encore de la patate à revendre ! Et c’est ça qui est bon !

Très bon premier album live en résumé. Quand on voit la difficulté et la prise de risque que représentent l’enregistrement et la vente d’un album live, il fallait en avoir dans le caleçon pour en proposer un comme tout premier album. Alors oui, bien sûr, on pourrait épiloguer sur les petites erreurs de débutant, la justesse pas toujours très clean de certains passages… mais merde : c’est du rock, c’est du live, et c’est du bon ! Point barre.

Bon alors, vu que j’aime bien les galettes pleines de patates, forcément j’en ai repris !

Le second album, sorti en 2007, est un score studio cette fois-ci, et prend le nom de A Letter to G. Si le master du premier album était franchement bon pour un live, on sent bien ici que les Xbreed ont fait pas mal de chemin en 2 ans. « Come to Light » est le parfait exemple de cette recherche de qualité. Un chant un peu en retrait, sur des intrus chacun à leur place. Tenez, on a même droit à des petits passages de pianos. Un « Letter to G » très intimiste sur le début, qui ne tarde pas à exploser de guitares en mode disto. Un bon gros son rock bien gras ! J’aime !

Un « Better than you Thought » assez trash, faisant penser à du Metallica dans son riff d’intro de basse, et une voix aux sonorités plus heavy proche de celle de Bono, un peu Linkin Park sur les bords parfois…

On reviens sur un style plus acoustique dans « Monday », au départ avec Vincent et ça guitare, avant de s’énerver à nouveau par la suite avec l’arriver des guitare electro-saturées. On a droit à peut près à la même structure sur « Confused », mais en bien plus pêchu. On sent bien l’efficacité du bloc basse-percu, impeccable dans ses breaks, et l’efficacité de la mélodie. Là on serait plutôt dans l’influence Radiohead au niveau de la voix dans les passages calmes.

Vient ensuite « La femme » qui à nouveau nous présence un titre en français qui n’est pas sans nous rappeler les intonantions vocales et le travail textuel de Noir Désir. Très sympa comme rendu ! Une écriture très intelligente dans le phrasé, avec un rythme très entrainant et captivant fait de breaks et de retards bien dosés. Même sensation Noir Désir-like pour « Didapdap ». Si vous écoutez ce titre, il y a de grandes chances que comme moi vous n’y compreniez pas grand chose, puisque qu’il semble que le titre soit écrit en créole mauricien. Peut-être que Faiz pourrait nous faire une traduction, qui sait ?

Nouvelle apparition pianistique sur « Get soo High », avant de reprendre le bon son de gratte sur un « State of Mind » qui me donne envie, de me remettre un bon vieux Red Hot dans le casque. Un bon coup de caisse claire ? C’est « Without You », et c’est encore une belle déclaration d’amour, avec en prime des voix d’enfants sur la fin du titre : sympa.

La voix de Vincent change complètement de timbre sur l’intro d’un « Going Insane » un peu fou. Me fait un peu penser à certaines intonations de Rammstein sur le début (chant + chuchotement). Et on termine ce bel album avec un très bon « Punk Shit » très pêchu. Du bon son de gratte comme le groupe nous en a donné l’habitude. On note dans les riffs les plus cool de ce titre une couleur de son qui rappelle certains passages de « Get so High ». Perso j’aurais bien vu un doublage du chant sur ce morceau, histoire de donner un côté un peu plus rentre dedans à la voix. Mais ce n’est que mon avis, et ça passe déjà carrément bien comme ça !

Pour avoir du son ? Y clique sur ce lien, y clique dans le lecteur Myspace, y y est

Et si il en veux plus, y trouvera A Letter to G pour 8,99 euros dans son iTunes !

Keep on touch

Alors voilà. On a beau aimer la musique dans une majorité de styles divers et variés (une bonne salade composée ^^), y a des trucs qui, même avec la plus grosse sauce commerciale, restent franchement difficiles à digérer.

Par exemple, ça fait un moment qu’on me dit : « tu devrais trop écouter Mika, c’est trop bien ce qu’il fait! ».

Ben voilà, j’ai écouté. Je suis allé voir sur Deezer, tapé le nom du premier album Life in Cartoon Motion (sorti en 2007), et hop, c’est parti !

Bah dans l’ensemble je suis vachement déçu par la qualité du truc. On m’a beaucoup parlé du style du chanteur, que ça changeait du tout au tout par rapport à ce qu’on avait l’habitude d’entendre… Bah non, désolé les gars mais là je vois pas. La voix de tête est une technique de chant qui n’est pas née d’hier. Bon après musicalement ça pète, ça claque, ok. Enfin, quand je dis que ça claque, ça reste à voir quand même… Trop épuré, trop formaté à mon goût dans l’ensemble.

J’écoute « Grace Kelly », le premier titre de l’album. Un beat sympa, ça démarre doucement, la pression monte un peu, je me dis ok pas mal, voyons voir comment ça mousse…

Alors pour le coup on a une grosse influence à la Queen sur les chœurs. Rien d’impressionnant sur le côté instrumental, présent mais toujours en retrait sur le chant. J’attends toujours le lâché de folie… qui ne vient pas tout à fait comme je le souhaiterais. Ca s’énerve gentiment, proprement, mais sans plus.

Piste suivante : « Lollipop ». Say Love ? Moui, mais je ne suis pas encore bien fan donc bon, je le dirai peut-être plus tard… On a droit à du clapping, du cuivre, du chœur d’enfants. La sauce monte… avant de retomber à plat : ça se lâche 10 secondes avant la fin. Pas le temps d’y croire. Et puis bon le gars se casse le fion à mettre une section de cuivres, mais sans vraiment lui permettre de s’exprimer autrement qu’en arrière plan. Bien tenté, mais je ne suis pas du tout emballé.

Une petite photo pour meubler ?

Je vais vous épargner l’analyse chanson par chanson, mais bon dans l’ensemble il n’y a rien qui ait vraiment attiré mon attention. Les structures rythmiques et mélodiques sont toujours les mêmes, c’est de l’archi connu, archi commun. Bref rien de bien nouveau sous le soleil.

« Love Today » ? A non toujours pas merci ! Bon la pour le coup c’est un peu plus rythmé, plus rock. Mais les différents enchainements sont un poil rébarbatifs et limite casse gueule. On revient sans arrêt aux mêmes phrasés (à la fois côté son et côté paroles). On sent également la fragilité vocale. Il faut quand même avouer que tenir une voix de tête sur ce genre de titre est une sacrée performance. A voir ce que ça peut donner en live…

D’ailleurs, parlant de la voix, on est vraiment obligé de se taper le pack complet du bloc d’effets ou bien ? Non parce que la réverbe, moi je veux bien, mais ça donne quoi cet organe sans la technique derrière ? Franchement est-ce que c’était vraiment nécessaire dans un titre comme « Any Other World » ? Personnellement, j’attendais une pure prise de risque sur ce genre de performance. Tu nous proposes une session symphonique ? Ok, mais joue le jeux : tu nous débranches tout ça et tu nous fais de la bonne grosse prise de son acoustique pure ! Mais si, tu peux le faire !

Bon voilà, je ne m’attarderai pas sur « Big Girl » ou autre « Billy Brown », qui selon moi auraient d’ailleurs été plus écoutables en version courte. Répéter les trois mêmes phrases pendant 3 minutes d’affiler, bof bof.

Bon allez, je ne vais pas vous faire un total pourrissage. On va finir sur un « Happy Ending ». Pour le coup, Mika répond à mes attentes. Une voix plus naturelle, un accompagnement plus acoustique (le style boîte à rythmes pop, ça va bien un moment). Bon les mapes de cordes, c’est juste pour faire joli. Il faut toujours tendre l’oreille pour en profiter pleinement. Mais ici, on a enfin une structure mélodique qui peut commencer à être intéressante. On à une vraie montée en pression, une vraie explosion, et une vraie détente finale ! Pas trop tôt, on est quand même à la fin de l’album ! Ah, et puis bon, en caché dans cette même piste, faut avouer qu’on a droit à une vraie perf vocale de l’artiste : un « Over My Shoulder » au piano, voix, et mapping de cordes. Mika se prête à une balade acoustique sur le fil. Enfin quelque chose qui mérite d’être entendu ! Tout ça dans une seule et même piste ! Mais rassurer-vous (sick), ça ne durera pas. On termine par un afligeant « Ring Ring » en mode clone de Robbie Williams.

En résumé : premier album assez creux, ambiance hyper formatée du début à la fin (hormis quelques trop rares exceptions…). On a un semblant de montée d’adrénaline, mais la pompe à boost est à moitié vide. Mika nous promet du gros son sans jamais vraiment nous envoyer la grosse baffe qui claque. C’est trop propre, trop sage. Et si le style de Mika est une réelle innovation (ça reste à prouver en ce qui me concerne), on se retrouve rapidement à tourner dans sa bulle, en se demandant quand est-ce qu’elle va enfin éclater.

Bon allez, puisqu’on est dans un billet d’humeur et qu’on est des fous, on va parler du deuxième album !

On prend les mêmes et on recommence ! Alors il faut quand même que je vous dise : on a là un double album comprenant une galette studio et une galette live. Voyons voir quel goût ça a…

Black or White ?

« We are Golden »? Ah bah ça tombe bien : j’adore les pommes ! Ah oui mais non… ça veut dire nous sommes d’or… Mouai. En attendant sur le moment, à entendre ce que me crachent les enceintes je suis plutôt horrifié ! Ok le jeux de mot est bidon j’avoue, mais quand même ! Dès son premier titre Mika nous refait le coup de l’air extasié et du total bonheur ! Il ne s’arrête donc jamais ! Et je ne sais pas ce que le thème de cette chanson me rappelle, mais ça sent la reprise à plein nez. Vous allez me dire, rien n’empêche de reprendre des mélodies et de les assaisonner à sa sauce. Vu la récurrence du procédé, si c’était interdit ça se saurait. En tout cas, si l’argument de reprise reste à étayer, une chose est sûr, cet air de déjà entendu ne vient pas renforcer l’argument plaçant l’artiste comme étant innovant au style fondamentalement inédit.

A partir du deuxième titre on a un petit élan de fraicheur avec « Blame It On The Girls », que je n’aime pas du tout au niveau du chant, mais qui a au moins le mérite de mettre en relief un accompagnement musical bien rythmé.

Ensuite arrive « Rain », titre phare qui inonde les ondes radios depuis la sortie de The Boy Who Knew Too Much, en septembre 2009. Attention, la disco pop est de retour ! Ah oui : l’innovation c’est la qualité des basses peut-être… Mais ne soyons pas trop méchants, il y a sûrement des fans dans le coin et je ne voudrais pas les froisser plus que de raison.

Je passerais sur « Dr John », répétitif à souhait et sans grand intérêt. « I See You » est assez entrainant, avec des breaks instrumentaux plutôt appréciables. Le problème ici c’est la voix un peut forcée et nasillarde de Mika. Dommage. « Blue Eyes » démarre sur un ton assez exotique très sympa et une rythmique assez entrainante. Très bon bit dans « Touches You » également. Ca y’est, Mika commence à se lâcher ! Et du même coup il commence à m’intéresser un peu plus. Voyons ce que donne la suite. Oups, pas grand chose. Le sentiment de déjà entendu refait surface très rapidement, avec des titres tous plus ressemblants les uns que les autres, gavés de repeats pour les chœurs, et blindés de tenues haut perchées pour Mika. Ah si, petite balade très cool à la première écoute pour « Toy Boy », dans laquelle Mika s’offre un accompagnement symphonique accentué de flûtes et clarinettes. Joli petit moment de fraicheur. On enchaine avec un « Pick Up Off The Floor » au groove jazzy vraiment très très bon ! Bah oui, je reste objectif quand même : quand j’aime, je le dit ! Et on fini ce score studio par un clonage de Freddie Mercury ! Que dis-je, c’est un clonage de Queen dans son ensemble !

Back in White

Et maintenant le score live. Bon alors je dois avouer : y a du chiantos, mais y a aussi du très fun, du style l’intro toute déjantée de « Stuck In The Middle », hyper funky ! Rien à voir avec la version studio du premier album. Et j’aurais envie de dire, tant mieux ! La voix n’est pas parfaite, ça se barre en sucette par moment, mais on n’a plus cette frustration face à un gars un poil coincé limite trop perfectionniste. Après ça, on ne peu qu’être un brun déçu de l’interprétation de « Blue Eyes », beaucoup trop sage en comparaison. Un « Billy Brown » bien foiré, et un « Over My Shoulder » plutôt bien interprété. Un « Big Girl » version folk avec un public au taquet. Et on le comprend car cette version est bien plus sympa que l’originale. Par contre, pour « Love Today », faudra repasser. Même si c’est bien plus hargneux dans cette version, je ne supporte toujours pas ce titre ! Un « Happy Ending » incroyablement faux et bas sur le refrain (à tel point qu’on se demande si c’est bien une perf’ des choristes ou de fans montés sur scène pour l’occase). On sent que Mika fatigue. Sa voix est approximative, beaucoup moins bien posée qu’au début du live.

Mode bretelles off

On nous refait le coup de l’intro, sur « Lollipop » cette fois-ci. Ca démarre sur un bit folk bien posé. Bien sûr, si comme moi vous n’avez pas accroché sur la version du premier album, peu de chances que vous soyez plus emballés par celle-ci. Un « My Interpretation »… comment dire… d’une interprétation un peu douteuse niveau justesse. Mais pas de panique, si c’est limite audible sur ce titre, c’est complètement foireux sur « Rain » ! On a vraiment l’impression que le pauvre chanteur est en train d’agoniser ! Et difficile de rester « Relax » à l’écoute du dernier titre ! Jamais vu un truc aussi pourri édité dans un album live. Que le gars foire un concert, ça arrive même aux meilleurs. Mais masteriser ça c’est à la limite de l’irrespect envers les fans ! Et puis bon, vous allez me dire que je suis mauvaise langue, mais un enregistrement live, pour moi ça reflète les meilleurs performances scéniques de l’artiste. Si ça c’est sa meilleure perf’… alors autant ne pas se déplacer sur un show…

Bon allez, je remballe ma boîte à pourrissage. Vous l’aurez compris, je vous déconseille d’acheter le moindre album de ce grand artiste si vous n’êtes pas un fan inconditionnel. Si vous voulez vous faire une idée de la saveur de cette soupe, testez d’abord chez Tipiak. Et si ça vous plait, ma fois, je ne peux rien faire pour vous !