"Pardonne-moi si j'te coupe..."

Vous aimez les comédies musicales, l’horreur gothique et l’humour macabre ? Bienvenue dans un monde où le chant et le sang se mélangent à merveille !

L’histoire de Sweeney Todd est fondée sur une possible synthèse de plusieurs faits divers qui se serraient déroulés au XIXème siècle à Londres. Un barbier, Benjamin Barker, injustement enfermé pendant 15 ans dans une prison australienne par l’infâme juge Turpin épris de sa femme, revient à Londres sous le nom de Sweeney Todd pour accomplir sa vengeance. Tout de suite ça met dans l’ambiance !

Adaptations

On découvre pour la première fois le barbier en 1846 dans une nouvelle de Thomas Peckett Prest intitulée The String of Pearls : A Romance, et publiée par The People’s Periodical à Londres. Nouvelle qui est adaptée dès 1847 au théâtre sous le nom de Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street.

Il existe plusieurs adaptations pour le cinéma, une en 1926 réalisée par George Dewhurst, puis une autre en 1928 par Walter West (avec Moore Mariott et Iris Darbyshire). Mais on retient d’avantage celle réalisée en 1936 par George King (avec Tod Slaughter) qui reprend le même scénario et le même titre que la pièce originale.

En 1979, Stephen Sondheim (rappelez-vous West Side Story…) transpose en comédie musicale la version de Sweeney Todd réadaptée pour le théatre en 1973 par l’auteur Christopher Bond. L’œuvre de Sondheim, bien que jamais représentée en France, acquière une très grande renommée aux Etats Unis et sur les planches britanniques.

Le projet d’adapter la comédie musicale n’est pas nouveau. Déjà en 1980, l’idée fût évoquée par Alan Parker, puis par Sam Mendes dans les années 90, qui proposait le rôle titre du sanguinaire barbier à Russel Crowe…

Mais Stephen Sondheim, réticent, s’est longtemps opposé à l’adaptation de son œuvre sur la toile.

Finalement, trouvant satisfaction dans les propositions faites par Tim Burton, il accepte de lui confier son travail. Mais il reste vigilant quant au choix des acteurs, prenant même l’initiative d’auditionner certains d’entre eux, et plus particulièrement Helena Bonham Carter, pressentie dans le rôle de Madame Lovett tout comme Annette Bening, Toni Collette, ou encore Cyndi Lauper et Emma Thompson.

La recette du succès

Une bonne dose d’amour, un soupçon de meurtres, et un doigt de cannibalisme ; tout ça sur un fond musical d’une qualité remarquable. Voilà les ingrédients nécessaires pour assouvir la soif de vengeance d’un homme détruit par la vilenie d’un juge corrompu.

La beauté du film tient de cette parfaite alchimie entre le côté romantique de la comédie musicale et son histoire d’amour avec le côté «gore» des meurtres perpétrés par le diabolisme du barbier s’abandonnant à sa folie. On y retrouve l’esthétique gothique de Sleepy Hollow, un traumatisme suivi d’un désir de vengeance à la Batman, et des lames d’acier qui n’ont rien à envier à Edward aux mains d’argent. Un univers qui est bien celui de Tim Burton, bien que le film soit une adaptation de l’œuvre de Sondheim.

Johnny Depp passe ici en expert du personnage ambigu (vous avez dit Jack Sparrow ?), oscillant de la tendresse à la barbarie, créant un équilibre parfait entre féérie et violence.

Un film d’horreur en musique

Une fois n’est pas coutume, la bande originale n’est pas signée Danny Elfmann mais Stephen Sondheim. Dès les premières images du film, le décor est pausé. L’image est sombre et la musique commence sur des accords plein jeu, plaqués sur un grand orgue d’église, qui nous plongent dans une ambiance de messe funèbre… Puis on assiste à un lent crescendo qui nous amène vers une explosion de cuivres soutenue. La tension est là, amplifiée par les voix inarticulées des chœurs imageant les fantômes mentionnés par le Barbier.

Passion et violence

Le contraste entre le romantisme et la brutalité est saisissant. On attribuera les thèmes d’amour à la petite harmonie (flûtes, clarinettes, cordes…), et bien souvent les cuivres ainsi que les percussions soutiendront la voix du barbier dans ses chants tourmentés et violents. Le titre « My friends«  en est un bon exemple. On assiste aux retrouvailles entre le barbier et ses lames, grand moment de tendresse dans lequel la dame Lovett tente de lui avouer son amour. Dans un premier temps la mélodie est accompagnée par des nappes de violons, donnant toute la profondeur à la tendresse entourant le duo. Mais bientôt le désir de vengeance se fait plus fort et les violons s’agitent de plus en plus pour laisser place aux cuivres. L’apogée de la folie de Todd sera atteinte dans « Epiphany », avec un enchainement de thèmes tous plus endiablés les uns que les autres, entrecoupés de brefs élans de passion vite balayés par un orchestre en furie, plein de percussions incisives et d’accords cuivrés et saturés.

Par contraste, l’interprétation de « Green Finch And Linnet Bird«  est un véritable enchantement, amenant de manière plutôt inattendue fraicheur et pureté au milieu du tourment. On ne pourra tout de même pas s’empêcher de noter le rapprochement avec le cliché Disney d’une jeune princesse chantant son désarroi aux oiseaux… alors que son prince charmant l’observe par la fenêtre, entonnant un « Johanna«  plein de passion (qui deviendra le véritable hymne à l’amour du film). On retrouve un autre grand moment de tendresse grâce au duo entre madame Lovett et Toby avec « Not While I’m Around« , dans lequel on mesure la beauté des voix du jeune Ed Sanders et de Helena Bonham Carter.

Humour et comédie

Si le film est dans son ensemble axé sur l’horreur, il n’empêche pas l’intrusion de scènes humoristiques remarquables. Tout commence avec « Pirelli’s Miracle Elixir« , où quand le jeune Toby entonne joyeusement son discours sensé venter les miracles de l’élixir factice de son maître. L’introduction de « The Contest« , nous dévoile un Pirelli à l’accent italien surdimensionné, dans une parodie de chanteur d’opéra. On accueille plus tard un « God, That’s Good ! » avec le sourire, le thème de départ n’étant autre que celui de Pirelli’s Miracle Elixir. Sondheim nous lance ici un message, rapprochant la fumisterie des tourtes de madame Lovett avec l’élixir de Pirelli.

Performance d’acteurs

Pour cette adaptation d’une comédie à succès, il va sans dire que les puristes l’attendaient au tournant. Mais si nous avons ici affaire avant tout à des acteurs et non à des chanteurs professionnels, le résultat est tout simplement sublime.

Fort de son expérience de rocker des années 80, Johnny Depp est tout simplement excellent dans son interprétation, et Helena Bonham Carter, qui nous offre un magnifique « The Worst Pies in London«  s’avère elle aussi très convaincante.

Face à eux, on n’espérait pas mieux que des excellents acteurs tels qu’Alan Rickman, qui nous fait don d’un joli duo avec Depp intitulé Pretty Women.

On retrouve un Timothy Spall toujours aussi détestable et lâche que dans Harry Potter. Mais on retient d’avantage la performance de Sacha Baron Cohen en italien idiot et prétentieux chantant avec un accent exagéré, qui se fait humilier en public par un Sweeney calme et serein.

Le jeune Ed Sanders est sans nul doute la nouvelle révélation du film, mais les chanteurs Jamie Campbell Bower et Jayne Wisener, malgré de bonnes performances vocales, paient légèrement leur manque d’expérience d’acteurs.

Sweeney Todd est sans conteste un des meilleurs films de Tim Burton à ce jour. Et la volonté du réalisateur de respecter l’œuvre de Stephen Sondheim tout en l’adaptant en film d’horreur est une parfaite réussite !

Un grand moment de flippe en chanson qui signe un chef d’œuvre d’un nouveau genre.

Faisons un test. Demandez à n’importe qui dans la rue de vous chanter un air de West Side Story. Quel que soit leur âge, bon nombre de personnes interviewées sauront, certes avec plus ou moins de brio, vous fredonner un « America », un « Tonight » ou encore un « Maria », chansons qui sont gravées dans les esprits depuis… cinquante ans déjà !

Chronologie d’un chef d’oeuvre mondial

C’est tout d’abord l’histoire d’un chorégraphe, Jerome Robbins, qui, après s’être vu demandé d’adapter une scène de Roméo et Juliette pour un cours de théâtre, fait naître l’idée de West Side Story en 1947.

En 1949, il associe le grand compositeur Leonard Bernstein au développement d’une première version de l’histoire : Maria est juive et Tony un italien catholique de Greenwich Village. L’intolérance religieuse les sépare alors. La pièce est temporairement appelée East Side Story. C’est en relation avec l’arrivée de nombreux portoricains venus s’installer à Manhattan, dans le West Side que, six ans plus tard, le conflit passe de l’intolérance religieuse à l’intolérance raciale entre portoricains et anglo-saxons. Le titre devient donc West Side Story.Arthur  Laurents écrit la comédie musicale, et Stephen Sondheim se charge de travailler sur les paroles en vue d’une production théâtrale… La machine est lancée.

Le  8 juillet 1957 commencent les répétitions à New York, en vue d’une première représentation au théâtre. Le 19 août, la troupe démarre sa tournée à Washington, sous les acclamations et les éloges des critiques extrêmement enthousiastes. Bernstein est encensé pour la beauté de sa musique, ce qui lui vaut d’être invité dans la même semaine à déjeuner à la Maison-Blanche !

En juin 1958, West Side Story est récompensé par deux Tony Awards, un pour la chorégraphie de Robbins, l’autre pour les décors réalisés par Oliver Smith.

C’est en 1959, après 772 représentations, que débute la grande tournée  nationale. Au sein de la troupe, George Chakiris joue alors le rôle de Riff, le leader des Jet. C’est au cours de cette même année qu’il se verra confié le rôle de Bernardo, le chef des Sharks dans la version cinéma… Après une tournée triomphale, West Side Story revient sur les planches New Yorkaises pour enchainer 253 nouvelles représentations.

Le  10 août 1960 commence le tournage de la séquence d’ouverture du film (réalisée en collaboration par Jerome Robbins et Robert Wise). Le travail s’avère difficile pour les acteurs et les danseurs. Il leur faut jouer et exécuter leur chorégraphie sans musique, le prologue (inexistant dans la version théâtrale) n’ayant pas encore été composé par Bernstein !

« Clac… clac… » eh mec ! t’as pas un gimmick ?

Le  18 octobre 1961, la première du film West Side Story est projetée au Rivoli Theater de New York. Il restera à l’affiche 77 semaines, devenant le deuxième plus grand succès du box-office après les 101 Dalmatiens.

Le 2 mars 1962, le film sort en France, où il restera à l’affiche près de 260 semaines. Le 9 avril est un jour de record pour la comédie musicale, qui remporte pas moins de 10 Oscars : Meilleur Film, Meilleur Réalisateur (Robert Wise et Jerome Robbins), Meilleur Second Rôle Masculin (Georges Chakiris), Meilleur Second Rôle Féminin (Rita Moreno), Meilleure Image, Meilleur Décor, Meilleur Son, Meilleure Bande Originale, Meilleur Montage et Meilleurs Costumes. Le film sort la même année en Argentine, en Finlande, en Allemagne de l’ouest et au Danemark (où il est récompensé par l’équivalent finlandais d’un Oscar) et en Union Soviétique.

En 1964 le film sort une deuxième fois au Danemark.

En 1967, West Side Story détient le record du film le plus longtemps projeté en salles (5ans).

1968, retours à l’affiche dans les salles obscures américaines.

1981, troisième ressortie à Madrid.

1998, le film est classé dans les « 100 plus grands films de tous les temps » par l’American Film Institute.

6 octobre 2001, pour les 40 ans, une projection du film est organisée au Radio City Music Hall en présence de nombreux membres du casting original.

Actuellement présenté dans de nombreux théâtres à l’occasion de ses cinquante ans, le show West Side Story semble encore plus que jamais victime de son succès. Bon nombre de représentations affichent souvent complet longtemps à l’avance, n’offrant parfois plus que des places à visibilité réduite ou nulle.

Les secrets d’un tel succès : Une comédie musicale qui rompt les codes

Dans les années soixante, la comédie musicale Hollywoodienne est dans une période difficile. Les thèmes phares qui en font la structure n’attirent plus les foules. Comprenant bien les raisons de ce déclin, Jerome Robbins présente un West Side Story où la joie de vivre est remplacée par la violence, l’intolérance et le drame, et dans lequel le mythe de l’American Way of Life est mis à mal par la présentation de la difficulté avec laquelle les immigrés portoricains tentent de s’intégrer. Les danses mises en scène sur les musiques aux rythmes endiablés de Bernstein représentent majoritairement la violence des combats entre deux gangs des cités. La recette fait mouche. Le public est au rendez-vous.

Un Roméo et Juliette moderne

Cela n’a jamais été un secret, l’histoire de West Side Story est directement inspirée de l’œuvre de Shakespeare, que Robbins veut moderniser.  Au départ, Robbins travaille sur un axe religieux, opposant des Juifs à des Irlandais catholiques. Mais il abandonne rapidement l’idée pour coller de plus près à l’actualité. Il décide de faire de l’immigration le nouveau thème de West Side Story en remplaçant les Juifs par des Portoricains et les Irlandais par des Américains. La scène dans laquelle Tony et Maria chantent le titre « Tonight » est directement inspirée de celle du balcon de Roméo et Juliette. On y retrouve un Tony déclarant son amour à une Maria, qui le presse de partir de peur que sa servante ne le voie. Le drame survient de la même manière. Deux meurtres, et un message qui n’arrive pas, ou trop tard… On notera que pour coller d’avantage à l’actualité, la raison pour laquelle le message de Maria n’arrive pas jusqu’à Tony est changée. Dans la version théâtrale, c’est un couvre-feu lié à une épidémie de peste qui empêche Anita (la meilleure amie de Maria) de délivrer son message à Tony. Dans le film, Anita échappe de justesse à une tentative de viol, et c’est la colère qui lui fait dire qu’Anita est morte. Ce changement témoigne d’une volonté de Robbins et de Wise de ne pas faire du film une simple copie de la version théâtrale… Même si le show est un succès reconnu, le film est là pour l’embellir davantage.

Un film qui corrige les erreurs et les incohérences de la version originale

Malgré le succès de la pièce, quelques incohérences dans son scénario en rendaient la compréhension parfois difficile.

En effet, les scènes chantées de « Cool » et de « Krupke » étaient inversées dans la version théâtrale. On assistait donc avec « Cool » à une scène où s’exprimait toute la tension ressentie par les Jets qui tentaient de retrouver leur calme. S’ensuivait la scène du combat, puis venait celle de « Krupke », dans laquelle les Jets s’en prenaient à l’autorité en se moquant de l’officier de police. Jugeant cette chronologie peu logique, (difficile d’imaginer un gang provoquer la police après un meurtre) Wise et Robbins décidèrent de mettre la scène de « Krupke » avant le combat. « Cool » prenant naturellement sa place juste après les meurtres.

Le rôle de la musique

Cette comédie musicale est essentiellement basée sur le mouvement, avec des scènes allant de la beauté d’un amour naissant à la violence des combats urbains, d’où l’importance d’une musique et de danses capables d’exprimer toute la subtilité de l’œuvre. Leonard Bernstein n’hésite pas à casser les habitudes en laissant de côté le style musical de l’époque pour créer un genre plus moderne, alliant la sensibilité du classique à celle du jazz. Il écrit « Quintet » et « A boy like That », chansons inattendues pour une comédie musicale, mais qui resteront dans les plus belles scènes de l’œuvre. Il laisse de côté les mesures carrées classiques pour des mesures plus complexes, donnant une dynamique à sa musique inégalée jusque-là, avec des temps forts où l’on ne les attend pas, créant des tensions sonores impressionnantes. La chorégraphie relève le défi, les danseurs s’accommodant tant bien que mal à la difficulté extrême de leur pas. En effet, plutôt que d’avoir à compter des séries de huit temps, quatre, ou deux temps, ils devaient danser sur des mesures composées à 5/4, 6/8 et 25/6, ce qui n’est pas naturel même pour le meilleur des danseurs. Pour la réalisation du film, 200 paires de chaussures ont été nécessaires et un plateau a même été surnommé « la séquence des 10000 pansements » !

Une production ambitieuse

Doté d’un budget de 6 millions de  dollars, le film est doté de fonds jamais inégalés dans le domaine de la comédie musicale. Les moyens techniques utilisés sont impressionnants pour l’époque. Les premiers plans montrent une vue aérienne de Manhattan, puis la caméra survole les gratte-ciels pour finalement zoomer sur le West Side, ce qu’aucun film n’avait jamais réalisé en ouverture jusque là. Autres innovations techniques : l’utilisation de grues et de tranchées pour tourner la scène du prologue.

J’ai eu l’occasion de voir West Side Story sur scène et à l’écran. Les deux expériences sont assez aggréables à vivre ! Et ce même si l’œuvre est vieille de 50 ans, elle se regarde et s’écoute toujours aussi bien ! Et pour les musiciens qui s’essayeront à jouer les thèmes, vous tomberez à coup sûr définitivement amoureux de West Side !

Jets or Sharks ? Just keep cooly cool boys !

]]> http://www.blog-bazar.com/west-side-story-ou-cinquante-ans-dhistoire/feed/ 4