-Mais euh… m’sieur, le Metal français ça existe ?

Et comment que ça existe ! Bon c’est sûr si on demandait à notre ami Fredo de nous faire une présentation, ça donnerait sûrement un truc du genre : « le métal, tout d’abord cuivre, puis bronze et fer, témoin du génie de l’homme à travers les âges, matériaux noble parmi les nobles… » Bon d’accord, la noblesse, tout ça… c’est vrai que dit comme ça on se rapprocherait presque du sujet de notre article d’aujourd’hui : Markize.

-Markize ? C’est qui ?

Disons que c’est un groupe que j’ai découvert il y a très peu de temps grace à la bienveillance de mon ami Steve, grand fan du genre et véritable mine d’or dans le domaine. Et parlant de Metal, il ne lui a pas fallut bien longtemps pour me sortir une vraie pépite…

Subtile mélange de douceur féérique un peu sombre et de puissance pure incarnée par la magnifique voix d’Alina, Markize se positionne dans un style Gothic Metal, puissant alliage de Rock/Metal avec influences sympho, electro et pop. Le groupe s’est formé en 2003 à l’initiative d’Alina Dunaevskaya (au chant donc, et aux claviers) et de David Verbecq (Batterie). Alina compose les textes de ses chansons en français, anglais, mais également dans sa langue d’origine : le russe ! Et franchement ça le fait grave !

L’aventure commence en 2004 avec la sortie de la démo Poussière De Vie. Pour cet évènement, le duo fait appel au guitariste Emilien Vincent qui participera activement à l’enregistrement de l’EP de 4 titres (que je n’ai pas pu écouter pour le moment). Cette première galette attire très rapidement les acclamations des fans et l’approbation des critiques. Ce qui vaut à Markize de participer très vite à la compilation « Contre vents et marées » de French Metal en 2006.

2007, le groupe, qui s’est séparé d’Emilien (parti réalise ses projets personnels) s’étoffe à nouveau pour sortir son premier album Transparence. S’ajoute alors à la formation un mur de guitares, composé de Nicolas Thomas en lead, Franck Chentrier à la guitare, et Gautier Blondeel à la basse. Les 4 titres de la démo (« In My Dream », « Poussières De Vie », « Paperdoll » et « Pardonne-Moi ») sont réécrits pour le nouveau line up et intégrés à la tracklist de l’album, qui démarre sur les chapeaux de roue avec ce magnifique titre « Mon Ange » :

Vu comme ça, il est tout de suite plus attrayant le Sacré-Cœur non ? Bon, il faut savoir que le clip a été tourné en plein mois de mars 2009. Autant dire que la pauvre Alina n’a pas du avoir bien chaud dans sa tenue… En tout cas le résultat est excellent, avec son ambiance rétro autant dans le son (ah, le craquement du vinyle…) qu’à l’image (magnifiques costumes non ?).

-Mais m’sieur, y a que deux guitaristes sur scène ???

Bien vu ! La structure du groupe a pas mal évolué, mais depuis 2009 le set semble se stabiliser sur une base chant, guitare, basse (Gautier Blondeel est remplacé par Julien De Feyssal) et batterie. Mais même si le line up a bougé entre l’enregistrement de l’album et celui du clip, l’écriture du titre demeure quasiment inchangée.

Vous remarquez une grosse ressemblance avec du Within Temptation ? Plutôt logique, tant ce groupe apparaît comme LA référence de Markize en matière d’innovation sonore sur la scène européenne. Mais attention, cette influence n’enlève rien à la qualité créative musicale de notre groupe.

En effet, dès le départ on a quelque chose de fourni, des structures rythmiques et mélodiques hyper calées, une chanteuse à la voix chaude et puissante, envoûtante dès ses premières notes. Ce qui m’a le plus marqué c’est la qualité du master. On a peine à croire que c’est seulement le premier album du groupe quand on entend la pureté du score de Transparence. Avec un premier essai aussi bien finalisé, nul doute que ce groupe ira loin !

Bon alors, qu’est-ce que ça donne en anglais ? Un « Another Breath » survitaminé, avec une dynamique et une couleur qui me rappelle pour le coup le son du dernier Nightwish… et franchement j’aime beaucoup !

Tenez, parce que je vous aime bien je vous mets un petit bout de live à la Loco :

Sympa non ? Et tout l’album est comme ça ! On continue avec « In My Dream ». Comme dans le titre précédent, la pluie tombe, et si la mélodie évoque bien le rêve, ça ressemble plus à un cauchemar quand on prête attention aux paroles :

Sun has left my home – The rain has begun – I’m asleep – I’m on a burning cloud – The rats are running all around – It’s my dream

In my dream I’m flying the rats are biting me…

Et puis arrive le titre éponyme de la démo, « Poussière de Vie », plein de profondeur, de douceur triste… Impossible de rester de marbre à son écoute. Je ne peux malheureusement pas m’attarder sur chaque titre. Chacun a pourtant sa propre emprunte dans l’album, tel que « In The Obscure », monumentale introduction orgue et voix au magnifique « …Believe » qui va suivre. Vient ensuite le très rythmique « Paperdoll », très pêchu et donc, vous l’aurez compris, un de mes préférés ! Et qui dit titre pêchu, dit petit moment de détente juste après. Enfin détente, pas trop quand même hein. « Pardonne-Moi » est assez poignant et touchant, puisqu’Alina y exprime avec beaucoup d’émotion la douleur qu’est ce vide causé par l’absence d’un père…

-Mais m’sieur… t’avais pas dit qu’elle chantait en russe, Alina ?

Effectivement, on a droit en dixième position de la tracklist à une magnifique petite perle intitulée « Позвони мне позвони ». Alors forcément si je vous l’écris comme ça, pour vous c’est du chin… euh, du russe. C’est d’ailleurs pour cette raison que vous trouverez certaines versions de la galette avec en titre de cette piste « Appelle-moi, appelle ». Je ne suis pas un expert de la traduction russe/français, mais ça sent à nouveau le message envers son papa ça non ? Magnifique chanson quoi qu’il en soit.

Petit intermède pianistique de 37 seconde (« Etheral ») et boom, on se prend un symphonique et guitaristique « No More Life » en pleine tête ! Des violons, des guitares, des chœurs, il y a même un peu de clavecin dites donc !

Et on fini en beauté avec le titre phare de ce premier album, « Transparence », qui démarre sur une petite touche électro pour nous dévoiler tout un florilège de petites surprises vocales et guitaristiques. Une vraie fin en apothéose, qui laisse un seul mot se former dans la bouche des fans : encore !

La sortie de Transparence est tout aussi bien accueillie en France qu’au Royaume Uni et en Russie. Vient ensuite une tournée en France, Belgique et en Hollande, ou Markize s’affiche aux côtés de groupes tels que The Old Dead Tree, Cult of Luna, Autumn, Eths ou encore Watcha.

En 2008, Markize est invité au Metal Female Voices Fest 6 de Wieze , qui réuni tous les ans les grands noms du Metal chanté féminin. Une nouvelle apparition sur la compilation French Metal A Tombeau Ouvert, et une nouvelle tournée plus tard, Markize rentre à nouveau en studio pour l’enregistrement de son deuxième album (sortie prévue : printemps 2011).

Suite à une rupture de stocks et une demande toujours plus forte de son public, Transparence est réédité en mars 2009 en version bonus +2 titres acoustiques (« In My Dream »et « Transparence » ) chez Underglass, et officiellement distribué en Russie chez Metal Agen.

Si vous cherchez Markize, regardez du côté de la Finlande, puisque le groupe y a suivi Tarja Turunen (chanteuse d’origine de Nightwish) afin de terminer en beauté son Markize Europe 2010 Tour With Tarja le 7 décembre à Hämeenlinna et le 9 décembre à Tampere.

les liens incontournables :

Markize site Officiel

Markize sur Myspace

Markize sur Facebook

MGMT c’est quoi ? Au début on parlait tout simplement de Management… maintenant pour être branché il faut dire Make Great Music Today ! Composé de Ben Goldwasser et Andrew VanWyngarden, MGMT est un groupe indie pop créé en 2002, dont la signature sonore est aisément reconnaissable à ses sons claviers bien rétro seventies. Dans l’idée, imaginez  un croisement de Flaming Lips, de Rolling Stones époque 60′s, d’un Bowie debut 70′s, agrémenté de sons electroniques analogiques sur fond pop-hit wonder US…

Après la sortie en 2005 d’un premier Ep Time to Pretend et une tournée promotionnelle, le groupe signe chez SONY/Colombia Records un contrat pour 4 albums.

Le premier n’est autre que Oracular Spectacular. Specacular ? Dans le genre 2 millions d’exemplaires vendu dans le monde, il porte bien son nom le disque !

Alors qu’est-ce qu’il y a de bien là dedans ? Bah écoutez : autant dire qu’il n’y a rien à jeter. On retrouve le titre « Time to Pretend », qu’on retrouvera en BO des séries Skins et Gossip Girl et au générique des matchs de l’euro 2008 sur TF1 ou encore à l’ouverture du film Las Vegas 21 (2008). Mais ce qui marque peut-être le plus les fans français, c’est l’utilisation de « Kids » sans autorisation par l’UMP lors du conseil national du 24 janvier 2009. Plein de bonne volonté le parti avait bien présenté ses excuses et proposé… un euro symbolique de dédommagement ! Si c’est pas de l’insulte ça… Bon depuis, avec l’inflation, tout ça, l’affaire s’est un peu corsée : on parle maintenant de 2 500 euros de frais de justice et 30 000 euros de droits d’auteurs. Droits qui seront reversés au profit d’une association de protection des droits d’auteur. M’est avis que cette association ne portera pas le nom d’hadopi…

Bref, on n’est pas là pour causer polémique politique, mais bien de musique. Bonne tourne de basse sur « Electric Feel », un « Weekend Wars » à fond 60th avec ses arpèges psyché… Ah oui, et « 4th Dimensional Transition », avec ses percu afro beat, super envoutant ! Bon groove sur « The Handshake » et un « Future Reflections » qui laisse augurer d’un avenir plutôt prometteur.

Et l’avenir, c’est maintenant, puisque le deuxième album Congratulations vient tout juste de débouler dans les bacs. Et il faudra vous y faire : ça cartonne grave ! Un son complètement assumé psyché rétro seventies comme on l’aime. Et comme le dit si bien le groupe dans son premier titre : « Its Working » !

Ben présente cet album comme l’opposé émotionnel  du précédent album. Et c’est plutôt vrai. Car si la première galette était un générateur de tubes festifs, là on a droit à une explosion d’émotions. On passe de la gaieté à la tristesse, d’un univers explosif à une ambiance plus froide (« Someone’s Missing »)… Et si Time to Pretend foisonnait de singles, ici on n’en aura pas un seul. Pourquoi ? L’album est un tout, à écouter d’un bloc nous dit Ben. A vous de choisir les titres qui sortent du lot. On prend note.

Bah tiens puisqu’on en parle, « Flash Delirium » est un de mes préférés, avec ses petites interventions de flûte. « I Found a Whistle » ? Bah pour la flûte  je viens de le dire ! Bon il n’y en a pas dans ce titre, mais on a droit à un son de bon vieux synthétiseur à l’ancienne. J’aime !

Après ça on passe aux choses sérieuses : 12 minutes de « Siberian Breaks », piste instrumentale expérimentale, entrecoupée d’interventions vocales au mélodies variées. Ca me rappelle un peu « Echoes » made in Pink Floyd de 23 minutes, moi.

Bel homage à Bryan Eno, avec une piste qui porte le nom de l’artiste. MGMT met ici à jour une de ses sources d’inspiration les plus importantes. Le son Bryan Eno est une grosse influence pour le groupe ? Et bien pourquoi s’en cacher ? Bon Brian Eno c’est un style ambient song. Pour le coup, le contraste du titre avec le style de Brian est assez fun, puisque on à droit à un son typé punk rock assez rythmé et pêchu. On retrouve par contre en arrière plan des mapes de synthé qui rappellent les compo de Eno. Ou alors, le vrai hommage vient après, avec l’instrumental « Lady Dada’s Nightmare » ? A vous de me dire

Et on arrive gentiment à l’avant dernier titre « Congratulation », qui a donc donné son nom à l’album. Sympathique titre certes, mais pas LE titre de l’album pour autant, si vous voulez mon avis.

Et on termine avec « Inbetween The Liners », originale présentation de l’album, dans lequel une voix quelque peu monocorde présente tour à tour chaque titre de la tracklist sur font de mapes claviers comme on les connait désormais bien…

Waiting for the next one !

Le phénomène ne date pas d’hier, puisque les premiers accords aux sons profondément saturés se font entendre dès 1995 en Finlande. Le groupe prend vie en 1993 à l’initiative de Eicca Toppinen (leader et compositeur du groupe), rejoint par Paavo Lötjönen, Max Lilja et Antero Manninen (remplacé par Perttu Kivilaakso à partir de 1999), tous issus de l’Académie Sibelius d’Helsinki, d’où sort également la grande Tarja Turunen, mythique chanteuse d’origine de Nightwish… Grosse formation classique donc, ce qui explique la grande virtuosité et la qualité des compositions de notre quator pas comme les autre… Eicca s’inspirant aussi bien de Dimitri Chostakovitch, Mstislav Rostropovitch et Sergueï Prokofiev que de Metallica, Iron Maiden ou encore Sepultura, attendez-vous à un concentré explosif de classique bien bourrin !

Mais attention : si on parle ici d’instruments issus du symphonique jouant sur la corde metal, on n’est pas du tout sur une sensible de metal symphonique. On a là un style metal certes atypique, mais complètement assumé heavy. Pas de chanteuse lyrique à la Nightwish donc, mais un bon gros son de cordes saturées de disto sur fond de rythmiques et pizzicati puissants et acérés comme des pointes d’acier. En somme, un pur alliage entre un genre et un instrument qui donne toute sa force et sa résonnance profonde à ce nouveau son heavy metal.

Alors bon, on ne s’improvise pas dans le métier comme ça. Quand on veut taper dans le metal, j’ai envie de dire, il faut avoir le coup de main. Faut une certaine expérience quoi, montrer qu’on connait ses références, qu’on a tout révisé nos classiques métalliques et qu’on est près à envoyer du lourd. Genre au hasard : on prend du Metallica, on arrange ça pour 4 violoncelles, et on balance le bois dans le piezzo ! Niveau titre ? Bah… genre on met le nom du groupe en haut de la pochette genre, et en bas on rajoute une phrase du style Plays Metallica by Four Cellos.

C’est sûr, dit comme ça ça peut faire marrer. Mais quand on voit le succès de ce premier album (encensé par la critique mais aussi et surtout par Metallica eux-mêmes) dès sa sortie en 1996, on ne peut qu’avouer que c’était bien joué. Et ça, aussi bien sur le côté promotion marketing que purement artistique. Parce que bon c’est bien gentil d’arranger des tubes, encore faut-il le faire sans taule froissée. L’idée c’est de trouver l’équilibre entre le respect de l’œuvre d’origine et le besoin de montrer ce qu’on sait faire en apportant le petit plus qui fera vibrer la foule. Facile à dire, mais dur défi en réalité.

On nous donne direct le ton avec un « Enter Sandman » qui met tout le monde d’accord. Une tourne de basses bien profonde, et un lead qui n’a rien à envier à la guitare de Kirk Hammet. Alors oui, bien sûr, suffit de réécouter le Black Album pour dire que rien ne vaut l’original. On est d’accord là dessus. Mais réussir à faire rendre une adaptation aussi bien au violoncelle, pour moi ça relève presque de l’exploit. Quand on sait ce dont sera capable  Apocalyptica en live par la suite, en aurait presque envie d’entendre les zycos se lâcher d’avantage dans l’album. Mais remettons les choses dans leur temps : à l’époque, ça déchire !

Et on continue avec un « Master of Puppets » assez psychédélique sur l’intro, avec des rythmiques réglées comme du papier à musique. Le petit intermède au milieu du titre est une merveille de virtuosité et de phrasés très aériens (un relief de chant, contre chant, basse et rythmique à tomber) avant le trash final ! Bon ok, « Enter Sandman » c’était juste pour se mettre en conditions. Dès ce deuxième titre les archets monte en pression, les cordes sont chauffées au rouge, jusqu’aux excellentes explosions d’harmoniques en toute fin du morceau.

On a droit à l’incontournable « The Unforgiven », relatif moment de douceur dans ce monde de brutes, avec ses pures impros, ses envolées… Suivi d’un « Sad But True » carrément martial, à la limite de l’oppressant, même si selon moi un peu long et répétitif. Très bon « Creeping Death », peut-être un peu moins évidemment reconnaissable que les titres précédents mais de grande qualité. Eicca est bluffant sur la puissance et la justesse de son jeux. Un cultissime « Wherever I may Roam » et un transcendant « Welcome Home » plus tard, et on se retrouve tout con à la fin de la galette. Bah quoi y a que 8 titres ? Oui m’sieur. Mais ça fait quand même 3/4 d’heure d’écoutes donc rien à dire… si ce n’est qu’on n’a pas vu le temps passer !

Fort du succès de son premier album, le groupe est invité par Metallica à assurer ses premières parties lors de tournées finlandaises.

Euh ouai, mais m’sieur… t’as dit que genre ils ont joué les plus gros titres de Metallica ? Et « Nothing Else » alors ?

T’inquiète petit ça va venir. Et pas plus tard que dans le deuxième album au doux nom de Inquisition Symphony sorti 2 ans plus tard.

Perso j’adore la jaquette : joli dessin en trompe l’œil cachant un crâne dans la partie basse d’un violoncelle. Toujours des reprises de titres, mais cette fois-ci issus d’origines plus variées, puisque les morceaux sont empruntés à Sepultura, Pantera, Faith no More entre autres… Mais le titre incontournable de ce disque reste pour moi l’énormissime « Nothing Else Matters », majestueuse reprise du tube de nos Four Horsemen préférés. Quatrième piste, petite perle assez light d’un album hyper pêchu, le titre s’inscrit parmi les plus belles retranscriptions du groupe. Voyez plutôt :

Le sont est beaucoup plus puissant, le master beaucoup plus travaillé lui aussi. Si les violoncelles étaient simplement sonorisés dans le premier album, les quatre lascars n’hésitent pas ici à intégrer des effets. Un exemple ? Ecoutez le solo guitare-like optenu dans « Domination » (reprise du titre de Pantera). Sons saturés et distorsions sont de la partie, et comme on dit : c’est pas dommage !

Alors effectivement on a toujours pas mal de reprises dans ce deuxième album, mais on découvre tout de même des compositions originales du groupe. C’est le cas du premier morceau de Inquisition Symphony, magnifique titre tout en tourment mélodique sur fond de violence rythmique que ce « Harmageddon » qui pose les bases de l’identité future de l’esthétisme sonore du groupe.

Octobre 2000 sort le troisième album Cult de Apocalyptica.

Porte t’il bien son nom ? Difficile à dire temps ce troisième opus crée la polémique auprès des fans, certains n’hésitant pas à le qualifié de décevant quand d’autres le considèrent comme LE meilleur album du groupe. Le sujet de la discorde ? Peut-être l’ajout de percussions (batterie, cymbales…) qui pour certains, dénaturent la puissance de frappe des violoncelles. Admettons. Je dirais simplement que dans cet album, ce qui est le plus culte, c’est le fait que presque tous les titres sont des compositions d’Eicca. La tendance observée dans les précédents album se confirme : explosion de colophane sur métal chaud bouillant ! Le son est rageur, hargneux, et on aime ça. On commence avec le très bon « Path », poignant duel entre le monde de la lumière et celui de l’obscure. De là à dire que nos zycos jouent plus vite que leurs ombres…

Ca joue près du chevalet pour un grain plus épais, un peu crade peut-être mais complètement dans le ton. Une basse continue hyper saturée qui contraste avec des mélodies légères, très aériennes. Le métal et le classique s’entrechoquent avec toute la violence des coups d’archet et de crayon de Eicca. Le romantisme n’en est que plus magnifié. Tenez, parlant de romantisme, « Romance » débarque en troisième position de la tracklist comme un petit bijoux mélodique sur fond de rythmiques profondes et hyper sombres, limite inquiétantes. « Pray » nous rappelle que le métal n’est jamais loin quand « In Memoriam » (dédié à la mémoire de l’ingénieur du son Tapsa Vihersaari) débute comme un recueillement digne des plus belles œuvres religieuses avant de virer quelques mesures plus tard dans le gros son heavy bien saturé qui donne à l’ensemble du titre une ambiance mélancolique tourmentée, renversante à la fois de sensibilité et de rage.

Attention pour la suite : « Hyperventilation » risque de vous couper le souffle ! Des lignes de lead proches du hurlement, torturées, au tempi endiablés sur fond de timbales tribales à souhait. On se calme un peu avec « Beyond Time », petit moment de douceur, comme si du velours avait recouvert pour un morceau la main de métal. Une percussion légèrement plus en avant dans Hope, mais toujours discrète, restant en retrais des cordes, juste pour donner le petit plus sans dénaturer le groupe. Vient ensuite « Kaamos » avec sa palette de couleurs à multiples facettes. Une montée en puissance progressive, partant de la basse acoustique vers une explosion de riffs saturés d’une puissance bestiale ! L’effet est d’autant plus saisissant qu’il retombe d’un seul coup sur les poses de sons de « Coma », très lent en comparaison avec ses longues tenues de notes, comme une réponse lointaine à un appel ampli de torpeur : hypnotique.

Ce qui vient après ? Du lourd très lourd avec « Hall of the Mountain King ». Les mélomanes reconnaitront rapidement les thèmes les plus connus de l’œuvre d’Edvard Grieg : Peter Gynt, dont la « Chanson de Solveig » et la « Danse d’Anitra » pour ne pas tous les citer. Un morceau classique aussi bien malmené, c’est un vrai délice pour les oreilles !

Et comme on ne change pas les vieilles habitudes, on termine avec deux reprises de Metallica avec « Until it Sleeps » et « Fight Fire With Fire ».

En 2001 sort une édition spéciale double CD de Cult qui mettra tout le monde d’accord, notamment grâce à la participation de la chanteuse de Guado Apes, Sandra Nasic sur le remix de « Path, vol.2″.

En 2002, Apocalyptica sort un Best Of afin de faire patienter les fans avant la sortie très attendue du quatrième album : Reflections qui sort en 2003 (également disponible en version Revised comprenant un dvd bonus et quatre chansons supplémentaires).

Et ça commence très fort avec un « Prologue, (appréhension) » très orienté speed-metal. Le quatuor est désormais un trio, puisque qu’il a perdu Max Lilja. Mais loin de perdre en puissance, le groupe se renforce d’un batteur en la personne de Dave Lombardo qui pose une rythmique carrée autour des magnifiques titres comme « No Education », qui allie avec brio romantisme et puissance. Très beau « Faraway », qui va vous emmener loin, très loin…

On se lassera peut-être plus facilement d’un « Drive », peut-être un peut trop de présence niveau batterie qui casse le côté langoureux de la mélodie… Attention à ne pas tomber dans le piège de la musique trop formatée ! Même constat avec « Cohkka » et « Resurrection », où l’on s’ennuie assez rapidement. Petit mieux avec « Conclusion », qui attire à nouveau l’oreille avec sa mélodie plaintive débordante de nostalgie. Nouvelle déception avec un « Heat » sans grand intérêt. Décidément le groupe doit encore trouver son beat avec la batterie !

« Pandemonium » se rattrape avec un solo de lead nous rappelant une virtuosité que la pâleur des titres précédant avec presque réussi à nous faire oublier. « Toreador II », sur fond de mélodies arabisées, remonte lui aussi le niveau à son top. Et pour le coup, on a droit aux trompettes hispaniques ! Oui oui m’sieur dames ! Et on termine par un majestueux « Epilogue » tout en finesse, tout en puissance aussi, envoutant.

Vous vouliez de l’éponyme ? Et bien le voilà : le cinquième album Apocalyptica débarque en 2005.

On commence avec un « Life Burns » sur vitaminé, chanté par Lauri Ylönen, suivi du titre « Quutamo ». Suivant l’édition, le titre est parfois remplacé par son remix « En vie », interprété par la française Manu chanteuse de Dolly. Si je me réfère à ma galette, on a d’abord droit à la version instrumentale, « En vie » apparaissant seulement en 12ème position de la tracklist. Petit coup de cœur pour « Bittersweet », splendide duo vocal entre Lauri Ylönen et Ville Valo accompagnés de nos trois violoncelles préférés. J’aime beaucoup cet album, où chacun semble enfin avoir trouvé sa place. De bon breaks de batterie à la ni trop (voire à la nitro aussi) ni pas assez, et des cellos qui remplissent l’espace chacun à sa hauteur comme dans « Misconstruction ». Retour de la grosse rythmique appuyée des premiers albums dans un « Fisheye » à la fois mélodieux et bourin ! Excellents « Farewell » et « Ruska », tous deux beaux à pleurer. Un « Fatal Error » qu’on aimera faire rebooter à l’infini sur le Pod… bref vous l’aurez compris : cet album est l’un de mes préférés. Le concept de chanteurs en guest amène une certaine fraicheur assez appréciable à l’écoute.

Pour les 10 ans du groupe, 2005 aura son best of greatest hits avec la sorti de Amplified – A Decade of Reinventing the Cello.

On retrouvera dans ce double album les bons vieux remixes de Metallica, tout le meilleur du meilleur, et même plus ! Dans la première galette, le groupe reste dans le trip traditionnellement tout instrumental de ses débuts. Forcément, on n’échappera ni au désormais cultissime « Enter Sandman », ni au non moins énorme « Harmageddon » en mode « best of version », suivi du toujours aussi somptueux « Nothing Else Matters ». En trois titres, le décor est planté. Une nouvelle et magnifique reprise de Sepultura vient ensuite : « Refuse / Resist ». Tout simplement bestiale !! On continue le bourrinage avec « Betreyal /Forgiveness », pour revenir à la finesse en vibrant sur un « Farewell » insolent de beauté. Après un « Master of Puppets » lui aussi en « best of version », en passant par un « Hall Of The Mountain King » plus tard, on se prend un « One »dans la tronche, et rien qu’un… Parce qu’après viennent les très bons « Heat » et « Kaamos », juste avant un « Deathzone » qui va en calmer plus d’un. Et on termine sur un inédit hyper technique et carrément mortel : « Angel Of Death ».

Dans la deuxième galette, vous aurez droit aux titres collaboratifs. Perso je n’ai pas accroché sur « Repressed », pas assez violoncellistique à mon goût. « Path vol. 2″ passe déjà beaucoup mieux. Quant à « Bittersweet », vous savez déjà ce que j’en pense ! « Hope Vol.2″ est sympa, mais sans plus. « En Vie » apporte la french touch de Manu dans l’univers de Apocalyptica avec un petit bémol cependant : on a clairement un titre Dolly-like accompagné par le groupe plutôt qu’une création du groupe s’offrant la voix de la jeune française en guest. Ca reste quand même agréable à l’oreille. Mon titre préféré ? « Faraway Vol.2 « . Je vous ai mis le clip instrumental plus haut, mais je ne peux résister à l’envie de vous montrer la version chantée, avec la voix cristalline de la belle Linda Sunblad

On notera cependant que très peu de titres de l’album Cult sont repris sur ce best of. Mais avec la qualité d’une grande majorité des morceaux proposés, c’est à peine si on remarque l’absence de « Romance »  ou autre « Pray ». Dommage donc, mais pas gravissime.

Si comme moi vous n’avez jamais eu la chance de voir Apocalyptica en live, vous trouverez votre bonheur avec le dvd Life Burns Tour paru à quelques semaines d’intervalle de Amplified. Le dvd vous offre un live enregistré à Düsseldorf (Allemagne), des clips et quelques bonus plutôt communs : un documentaire sur la tournée US et un EPK du single « Repressed » (en trio avec Max Cavalera et Matt Tuck de Bullet 4 My Valentine). Rien de très folichon point de vue bonus donc. Mais bon on est bien d’accord : l’intérêt d’un DVD live… bah c’est avant tout le live. Et comme vous avez pu le voir dans les quelques vidéos ci-dessus, ça vaut le détour ! En attendant de chopper un billet pour la prochaine tournée, autant se faire un petit plaisir non ?

2007, Worlds Collide. Rassurez vous c’est explosif, mais ce n’est pas du tout douloureux. L’album tient son nom du premier titre de sa tracklist. Morceau qui commence sur un ton très incisif et saturé d’effets, essaie de revenir aux origines acoustiques, pour succomber à nouveau à la violence et à la puissance en fin de piste. Belle innovation sonore avec le percutant « I’m Not Jesus ». A la voix, vous reconnaitrez sans doute Corey Taylor, le chanteur de Slipknot. Le groupe ayant cartonné en assurant en 2005 la première partie de Rammstein sur la tournée « Reise, Reise », rien de bien étonnant de voir apparaître Till Lindemann (chanteur de Rammstein donc) sur le titre « Helden ». Les fans de David Bowie reconnaitront dans ce morceau une reprise de « Heroes« , le texte original ayant été entièrement traduit en allemand.

Un « I don’t care »,  très bon titre avec le chanteur Adam Gontier (Three Days Grace) dont on n’a vraiment aucune raison de se foutre ! Les violoncelles prennent feu dans « Burn », ce qui pousse Christina Scabbia à lancer un « S.O.S (Anything But Love) » très convainquant. Et on fini avec un   »Peace » qui ne trahit en rien le côté agressif de nos cello-rockers préférés. Enfin, fini… ça dépend de la version que vous prenez. Si vous optez pour la version Edition Special vous aurez droit à un « Ural » volcanique et un « Dreamer » qui vous surprendra à rêver de futurs albums…

Et puis tenez, pour vous remercier de m’avoir lu jusqu’au bout je vais vous faire une petite confidence : ne le dites à personne, mais je crois bien qu’un 7ème album studio est prévu pour cet été. Le groupe aurait déjà communiqué le nom : 7th Symphony sur son site officiel et sur son Myspace… Mais chut, c’est un secret !

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Il est vrai qu’en français, les textes de James Brown ne donnent pas grand chose…

« Hot pants » et « Papa’s Got a Brand New Bag » ne se traduisent pas vraiment bien dans la langue de Molière.

Mais loin de moi l’idée de vous faire une thèse sur les traductions anglo-françaises des titres funky de James, je vais plutôt essayer de retracer brièvement la carrière de ce génie musical,  et vous parler de ce qu’il a révolutionné en tant qu’artiste. Car si Elvis était le roi du rock, James Brown était sans conteste l’empereur de toute la culture noire américaine…

Tout les bons artistes viennent du Sud des Etats-Unis..

James Brown ne coupe pas à cette tradition, tout comme Little Richard et d’autres artistes avant et après lui, il vient du sud profond de l’Amérique, qui, vous vous en doutez, est une région extrêmement pauvre à cette époque. Le monde venait de sortir de la crise de 29, et certains états des Etats Unis était dévastés par la misère. Bref, il nait en 1933, et vit son enfance dans un bordel avec sa tante (et oui !). Dans le bled où il est, il n’y a pas grand chose à faire alors il passe le plus clair de son temps à mendier et à voler (à main armée) dans la grande ville voisine d’à côté : Macon en Georgie, où de grands artistes ont vu le jour notamment Otis Redding ou encore Little Richard…

Plusieurs  centres de redressement plus tard, Bobby Byrd, ( celui qui chante « Get on Up » dans « Sex machine » ) qui admire les performances de James en prison,  devient son pote et en sortant de prison, ils décident de monter un groupe : The Gospel Starlighters, qui devient par la suite The Famous Flames en 1955, et c’est là que tout démarre avec le premier single « Please, Please, Please » en 1956.

Le complexe Little Richard

Il faut pas se leurrer, nous les petits blancs européens , on se rend pas compte de l’importance de Little Richard dans la musique américaine, mais là bas, c’était un dieu vivant, un extra-terrestre. Tout artiste noir qui se respectait se prévalait de lui en musique et tout les afro-américains voulaient lui ressembler et notamment au niveau des coupes de cheveux…

La preuve...

Après avoir écumé les scènes du monde entier pendant une décennie, Little Richard arrête subitement sa tournée pour devenir prêcheur gospel, et James Brown parvient à récupérer le reste de sa tournée. S’en suit une multitude de hits avec notamment « Try Me » et « Bewildered » et le « style James Brown » commence à se dessiner….

L’ascension de Junior et la naissance d’un nouveau genre

James Joseph Brown Junior transforme la soul des années 1960 en funk, et c’est une révolution rythmique, artistique et sociologique qu’il nous impose à cette époque :

Révolution rythmique, car cette « nouvelle musique » est basée sur « The one » où tout se base sur le premier temps. Mais laissons Bootsy Collins, bassiste de James nous raconter « the one »  :

Révolution artistique : Dans le titre « Cold Sweat » (1967), on comprend bien ce que veut dire Bootsy, la basse est nettement mise en avant et le premier temps est bien appuyé, ce qui donne le groove à la suite de la mesure.

Ce morceau, d’ailleurs, pose donc les bases d’un genre nouveau pour l’époque : Le Funk . Et quand j’écris Funk, je pense à « LE funk » pas « LA funk ». Pour moi, ce sont deux genres radicalement différents : le funk est pratiquement inventé par James tandis que la funk (prononcer fonk), est plutôt située entre fin 70 et début 80, avec des artistes comme Shalamar, Delegation etc…

Ce qui est marrant, c’est ce que veut dire le mot funk : A l’époque dans les boites de nuit où passait les artistes noirs et où l’on dansait jusqu’à épuisement, les gens disaient « It’s funky in here », ce qui voulait en gros dire que ça sentait la sueur ! Non pas d’un point de vue péjoratif, mais tout simplement que, si ça sentait la sueur, c’est que la musique était bonne !

Révolution sociologique :  La communauté noire qui s’était appropriée le rock avec Little Richard découvre avec joie ses nouveaux rythmes avec ferveur, et James leur fait reprendre confiance en eux. C’est plus tard, en 1968, que le message de JB se concrétise avec « Say It Loud ! I’m Black I’m Proud ! », véritable hymne à la revendication d’égalité des noirs.

Vingt ans plus tard, les jeunes des cités s’empareront du funk de James, poseront leurs voix sur les parties instrumentales et inventeront le rap. « Disco is James Brown, hip-hop is James Brown, rap is James Brown; you know what I’m saying? You hear all the rappers, 90 percent of their music is me » dira t-il à une entrevue fin 90. Qui pourrait réfuter ses dires ?

Discographie Idéale

Comment résumer 75 albums de James Brown ?

C’est relativement dur de faire un tri. Je vais réunir ici les albums marquants, pas nécéssairement ceux qui ont fait le succès de James Brown, mais ceux qui ont fait de lui un artiste « touche à tout », à tous les styles…

On commence par le premier album de 1959 : Please Please Please

Un album de soul, où l’on découvre la puissance de la voix de James.

1960 : Think

On trouve le hit « Bewildered » et « You’ve got the power »

1963 : Live At The Apollo

Un live de légende…

1964 :  Grits and Soul

Un album jazz instrumental avec James à l’orgue. Et oui !

1964 :  Out of sight

1965 :  Papa’s got a brand new Bag

1965 :  (I got you) I feel Good

Vous imaginez la claque que vous devez prendre à l’époque quand vous entendez I feel good pour la première fois ?

1967 :  Cold Sweat

Le tournant musical

1969 : The Popcorn

Un album Instrumental vraiment funky, dont pleins de samples de batteries ont été extraits..

1969 : Soul on Top

Un Big Band, de la soul, et james : que dire de mieux ?

1970 : Sex Machine

Un live avec  « Get Up I Feel Like Being A Sex Machine »

1973 : Black Caesar

Superbe B.O pour un film qui n’a rien d’extraordinaire..

1974 : Hell

Magnifique de bout en bout.. c’est un de mes préférés

1988 :  Compilation : Motherlode

J’ai mis ici l’ancienne pochette, celle que je connais, car cette compilation a été rééditée par la suite avec 2 morceaux en plus, elle contient des morceaux non sortis à l’époque, dont le fabuleux « Drive your Funky Soul », un des  summums du groove…

Je vous recommande chaudement Soul on Top, Hell, et Motherlode et les premiers albums de 59 à 61…

Goodies

Je vous ai préparé quelques goodies à voir et à écouter..

Tout d’abord une leçon de danse avec un ensemble très seyant :

Une vidéo qui montre l’application technique drastique qu’il fallait avoir quand on était musicien de James :

Quelques Photos :

A ses débuts

Période 70

Avec Chuck Berry et Bob Dylan dans les années 90

Avec son cocker, et la pose : je-suis-bien-propre-sur-moi-pour-la-photo-qu'on-va-vendre-aux-blancs

Façon Mohamed Ali

Bonus track !

J’ai tellement écouté d’albums de James que j’ai du en faire un mix…J’ai sélectionné des morceaux méconnus dans des styles méconnus de lui. Et puis j’ai fait une superbe pochette pour illustrer ce mix..

A écouter tout de suite :

A télécharger (clic droit, enregistrer sous) :

http://tinyurl.com/yeyhjz7

May the Funk be with You, Always !

Soopa.

]]> http://www.blog-bazar.com/james-brown-pantalon-chaud-et-sac-tout-neuf/feed/ 7 http://www.blog-bazar.com/gorillaz-plastic-beach-is-coming-on-2/ http://www.blog-bazar.com/gorillaz-plastic-beach-is-coming-on-2/#comments Fri, 12 Feb 2010 08:00:35 +0000 Kryska http://www.blog-bazar.com/?p=2206 L’autre jour en me baladant au milieu des commentaires du site je suis tombé sur celui de Grishka, dans lequel j’ai repéré que, l’air de rien, une bande de quatre passagers clandestins s’y était glissé…

Nom de code : Gorillaz

Alors bon je me suis dit je vais la jouer cool, je vais me renseigner, faire un peu connaissance et voir ce que ces petits gars ont à dire quoi. Et puis bon, il faut bien avouer que ces quatre là m’ont paru bien sympathiques ! Des personnages d’anime très attachants, avec leur petite histoire foisonnante d’aventures plus folles les unes que les autres.

Les faits (monde réel)

Tout commence dans les années 97-98, lorsqu’un chanteur pop et un dessinateur de comics tous deux renommés décident de créer un groupe de musique assez conceptuel. A l’instar de notre Daft Punk national en 93, ces deux artistes décident de créer un univers virtuel derrière lequel les acteurs réels vont s’effacer. Si Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo sont présents sur scène casqués et costumés, Damon Albarn (chanteur de Blur et de The Good, the Bad and the Queen) et son compère Jamie Hewlett (auteur en 1990 de la BD Tank Girl) s’éclipsent complètement derrière leurs persos animés.

On pourrait se dire : ah bah cool, en fait c’est un gars qui fait de la zique avec un gars qui dessine, quoi… Ben pas tout à fait. En fait la collaboration va plus loin que ça, puisque les membres réels du groupe fluctuent selon la demande, l’inspiration du moment… La team studio n’est d’ailleurs pas forcément la même que la team live. Vous ne suivez pas ? Bah disons que Gorillaz fonctionne sur le principe de la collaboration d’un maximum d’artistes avec nos deux concepteurs d’origine. Il y a de la guest star à foison, et c’est ça qui est bon !

De manière récurrente on retrouvera (liste non-exhaustive, donc):

• Damon Albarn : Chant, Clavier, Mélodica
• Jamie Hewlett : Créateur de l’univers graphique (dessins, dessins animés, animations etc.)
• Miho Hatori : Voix de Noodle
• Dan Nakamura (« Dan The Automator« ) Producteur
• Danger Mouse : Producteur
• Simon Tong : Guitare
• Jamie Hewlett : Basse (studio)
• Morgan Nicholls : Basse (live)
• Cass Browne : Batterie

Alors de là à dire que Gorillaz c’est du virtuel de G à Z, ce n’est pas tout à fait vrai. Parce que bon, on a quand même de vrai zicos derrière tout ça. Il existe une info comme quoi Gorillaz se serait tout d’abord appelé Gorilla. En farfouillant sur le net j’ai effectivement trouvé un « Ghost Train » (un des premiers enregistrement du groupe) interprété par Gorillaz, et un autre morceau du même nom par Gorilla. Aucun rapport possible entre les deux morceaux. Je penche plutôt sur l’hypothèse de 2 groupes distincts ayant utilisé le même titre pour leurs chansons respectives. A vérifier.

Les faits (monde virtuel)

1997, Stuart Tusspot, alias Stu-Pot, bosse dans un magasin de musique. Il est un peut idiot et sans grande ambition. Ce qui l’éclate c’est tout ce qui touche de près ou de loin à l’univers du piano. Pour lui, bosser au Uncle Norm’s Organ Emporium, c’est le pied ! Et puis bon il est le vendeur killer, le number one de la boîte. Le paradis quoi !

Enfin, ça c’est sans compter sur l’intervention de Murdoc Nicalls (caricature de Alex James, bassiste de Blur), jeune racaille sadique pas du tout propre sur lui dont le rêve est de monter un groupe avec sa bande. Pour ça il envisage de faire un casse dans le magasin de Stu-Pot, histoire de se procurer à moindres frais tout le matos nécessaire pour devenir un groupe mythique. Il fonce dans la vitrine du magasin avec ça Vauxhall Astra toute destroy, et attérit direct sur le pauvre Stu-Pot, lui endommageant l’œil gauche et le plongeant dans un état végétatif. En lieu et place des instrus convoités, Murdoc va récolter 30 000 heures de travaux d’intérêt général, et devra s’occuper de Stu-pot au moins 10 heures par semaine… C’est lors d’une de leurs balades que, voulant effectuer un virage à 360° (c’est balaise^^) sur le parking de Nottingham, Murdoc percute une autre voiture et envoie Stu-Pot valdinguer dans le pare-brise. Et là : miracle ! L’œil droit de Stu-Pot est à son tour abîmé, et le garçon reprend conscience ! Son nouveau regard plait aux filles et, par voie de conséquence, déplait fortement à Murdoc. Mais bon, les deux deviennent vite inséparables et Murdoc l’engage pour devenir claviériste et chanteur de son groupe, tandis que lui prendra la basse.

Mais Stu-Pot, c’est pas un peu pourri comme nom ? Bah euh… en tout cas c’est ce que pense Murdoc, qui décide de rebaptiser son pote 2-D. Pourquoi ? Bah… peut-être un petit clin d’œil au dessin vous allez me dire ? Ca pourrait, mais non. En fait c’est en référence au deux accidents. « D » pour « dents ». En anglais, « dents » signifie « entailles », en référence à ses yeux. La traduction française se contentera de dire 2-D, pour deux dents en moins.

Bon : un groupe sans percu ça craint. Murdoc et 2-D partent donc à la recherche d’un batteur. Et c’est dans une maison de disc que Murdoc rencontre Russel Hobbs, un noir américain expatrié. Cinq ans plus tôt, alors que ce dernier n’est qu’un gosse à New York, il est viré de l’école car possédé par un démon. Il tombe dans le coma jusqu’à ce qu’on l’exorcise, 4 ans plus tard. Ces parents déménagent alors, et Russel rejoint un groupe de hip-hop, véritable térapie pour lui. Mais lors d’un « drive-by shooting », tous ses potes se font descendre. Russel en sortira gravement choqué. Ses yeux deviennent blancs. Ses amis se manifestent alors via son corps pour exprimer leur art (notamment Del tha Funkee Homosapien, le rappeur fantôme bleu).

Voilà donc comment notre psychopathe rencontre son batteur. Pendant un temps, Paula, la petite amie de 2-D, prend la guitare au sein du groupe. Mais il y a vite de l’eau dans le gaz : une violente dispute éclate à cause du charme irrésistible de Murdoc, qui se fait accidentellement écraser le nez par le point de Russel qui passait par là… Paula quitte alors 2-D, qui tombe dans une profonde déprime.

Le groupe doit chercher un nouveau guitariste. Mais comment faire ? Bah… pourquoi ne pas passer une annonce dans le journal NME ? Le jour même, un colis FedEx débarque du Japon… En l’ouvrant, ils découvrent une petite fille amnésique de 10 ans, une guitare Gibson Les Paul en bandoulière. Après ce qui semble être une courte présentation en japonais, elle enchaîne de magnifiques riffs de gratte, et termine son show par un impressionnant coup de pied sauté. Les zicos l’engagent illico.  Au moment de lui demander son nom, elle pointe son doigt sur son ventre et lance « Noodle » (nouille en anglais), le seul mot d’anglais qu’elle connaisse. Un surnom est né, un groupe aussi !

Les preuves

Novembre 2000, premier EP intitulé Tomorrow Comes Today (version CD et Vinyle 33 tours) comprenant les titres « Tomorrow Comes Today », « Rock the House », « Latin Simone » et « 12D3″. L’album éponyme du groupe, Gorillaz sort en mars 2001, propulsé par ses tubes « Tomorrow Comes Today » et  »Clint Eastwood ». Il existe une version  »Explicit » de cet album (la plus répandue) et une version  »Clean » sortie 2 ans plus tard chez Virgin Records America. A vous de voir ce qui vous convient le mieux !

J’adore ce clip : tout posé tout cool, mais entrainant à donf… trop bon !

Chorégraphie Monkey by Michael Jackson ^^ (Thriller)

Ce premier album cartonne direct, très très gros succès auprès d’un public à la fois conquis par ce nouveau son mélangeant un peu tous les syles, du hip hop au rock un brun trashy (« Punk ») en passant par la pop, trip hop, le dub, etc… et à la fois séduit par la qualité de finition des graphismes des clips. Et l’euphorie autour des persos est énorme, puisque leurs concepteurs leur donne une vie au delà des concerts, leur accordant à chacun une histoire personnelle leur conférant une profondeur de caractère très appréciée des fans, qui s’amusent à voire grandir la petite Noodle ou à suivre les péripéties d’un Murdoc, d’un Russel ou autre 2-D. Et c’est tellement bien fait qu’on ne veut pas en perdre une miette ! =>Bonus inside©<=

Allez pour la route, je vous offre un petit 19 2000 !

L’abus de missiles est dangereux pour la santé.

A consommer avec modération

En 2002 sortent deux discs. L’un s’appelle G-Sides, plutôt un recueil de face B et de remixes. Mention spéciale au clip « Rock the House« , pas hyper connu mais assez bien foutu (non les filles je ne parle pas de Murdoc !). L’autre, Laika Come Home, est un recueil de remixes par Space Monkeys. Pour la petite histoire, le groupe Space Monkeys (ou Spacemonkeyz avec un Z comme Gorillaz ^^) a été créé pour enregistrer un remix dub de « Tomorrow Comes Today » prévu pour la face B du single. Cette version a tellement plus à Damon Albarn qu’il a demandé à Darren Galea, Richie Stevens et Dodds Gavin, de former à nouveau le groupe le temps d’un remix complet du premier album de Gorillaz. Et Damon fût très bien inspiré, car ce petit bijou de Laika a franchement bien marché. Les Space Monkeys ont eux aussi droit à leurs doubles virtuels. Ce sont des singes cobayes utilisés dans des tests scientifiques pour aller jouer dans l’espace des remixes de chansons de Gorillaz, préalablement volées à l’insu de ces derniers dans leur studio. Et si vous vous posez la question, le titre de la galette fait référence au nom du premier être vivant, un chien, à être allé dans l’espace (et qui mourut 7 heures après le lancement du Spoutnik), mélangé au titre du film « Lassie Come Home » (« Lassie, chien fidèle » en VF). Rien à voir avec le style Gorillaz, et c’est totalement assumé ! On retrouve des versions à la roots, Ragga/Dub, des titres de l’album éponyme. « Lil’ Dub Chefin’ », par exemple, est une très efficace reprise reggae de M1 A1.

- M’sieur, m’sieur ! C’est quand le jour des démons ?

- Le 24 mai 2005, petit…

Oui je sais, vous allez me dire que c’est le 6 juin 2006 à 7h06 précise…  Oui, mais là non. Le 24 mai 2005 c’est le jour de la sortie de Demon Days, 2ème album (mais pas éponyme^^) de Gorillaz. Z’avez vu (oui, avec un Z… ^^), à une lettre près ça aurait pu être Damon Days… coïncidence ?

Hello… Hello… is there anyone there ? Hello… =>bonus inside©<=

Bon alors comme vous aimez les petites histoires, en voilà une autre, celle de Noodle. Bah oui quoi, à part le coup du colis FedEx, on n’a pas grand chose sur cette petite japonaise. Et vue son amnésie, elle non plus. Pas de panique, tout vous sera expliqué dans le livre Rise of the Ogre (malheureusement jamais traduit en français mais dispo sur des sites comme Amazon à partir de 15€) :

Hantée par d’étranges cauchemars pendant la tournée internationale 2003, Noodle décide de partir au japon afin de faire la lumière sur son passé. Elle retrouve la mémoire en entendant la phrase codée « ocean bacon » dans un restaurant. Restaurant dans lequel elle croise par hasard (c’est fou hein ^^) son créateur et mentor : le chef cuisinier M. Kyuso. Kyuso lui raconte alors tout. En réalité, Noodle fait partie d’un projet gouvernemental secret visant à former des super soldats spécialement entrainés comme musiciens. De fait, Noodle est experte en maniement de différentes armes, langages et instruments. Sa spécialité : la guitare en tant qu’arme et instrument. Des 23 enfants créés, Noodle apprend qu’elle est la seule survivante, les autres ayant été supprimés par le gouvernement dès l’abandon du projet. C’est alors que, profitant de l’annonce des trois autres membres de Gorillaz qu’il découvre dans le NME, Kyuso décide de faire passer la petite en fraude pour la mettre en sécurité en Angleterre…

Avec la mémoire, Noodle retrouve sa capacité à parler anglais. De retour de son voyage au Japon, elle est la première à retourner au Kong Studio après la tournée ratée du groupe (on a du mal à y croire, mais dans leur monde ça à l’air d’être possible). Là, elle reste seule pendant 6 mois afin d’écrire la majorité des titres de Demon Days.

Et il y a plein plein de bonnes choses dedans. Genre une intro à la clarinette basse ; il ne fallait pas m’en promettre plus pour attirer mon attention ! Le titre « Last Living Souls », au style un poil blasé bien dosé, passe tout seul. Pour cet album on a droit à une flopée de clips réalisés par Jamie Hewlett, qui comme toujours nous offre des visuels monstrueux de beauté. Bah tiens pendant qu’on en parle voici celui de « Feel Good Inc », dans lequel apparait le groupe de rap De La Soul :

Bon allez petite analyse d’expert (spéciale dédicace rien que pour My ). Sur ce clip les rôles sont inversés, puisque De La Soul apparait sur des écrans géants derrière ce qui semble être la scène virtuelle de Gorillaz. On a donc droit à un effet en négatif de ce qui se produit dans le monde réel pendant les lives. Apparemment tout va pour le mieux pour notre tombeur, alias Murdoc, toujours aussi crade, mais qui passe une bonne partie du clip au milieu de son fan club féminin. 2-D quant à lui rêve de nouveaux horizons (artistiques ?), pendant que Noodle passe le temps sur ça guitare folk, alors que le moulin emporte son île volante au loin… =>joke inside©<=

Au fait, ça ne vous rappelle pas un film de Miyazaki ?.

Mais alors que font là ces deux hélicoptères ? Pas très « peaceful » ces machines. Carrément menaçantes en fait. Et pour cause, voilà ce qui se passe dans le clip suivant (mais sorti en 2006, donc après le noodle-istique « Dare« ) El Mañana :

OMG, they killed Noodle, you bastards !

On peut voir un côté très symbolique là dedans. L’île volante représentant la créativité, la liberté et la joie de vivre, menacée de destruction par les sombres hélicos, représentant le pouvoir de celui qui décide si oui ou non ton œuvre fera de toi un artiste, ou si tu es trop éloigné du courant officiel pour qu’on te laisse vivre… Gorillaz revendique ici son propre style, indépendant et résolument différent. Il n’hésitera pas à disparaître si il doit un jour se voir imposé ses orientations artistiques.

Ça, c’était l’analyse profonde. Maintenant si on revient au côté plus terre à terre du message, on voit quand même une petite Noodle se faire dézinguer par de la grosse artillerie… Est-elle morte ? Va t’elle s’en sortir ? Wait and see… Mais au moment où le clip sort, les fans n’en mènent pas large, et on les comprend !

Je rappelle qu’on est en 2006. Cette année là où, à la suite d’une série de concerts, Damon annonce la fin de Gorillaz. Non pas que le groupe traverse une mauvaise passe, bien au contraire. Les deux créateurs, d’un commun accord, veulent prendre leur retraite alors qu’ils sont au top. Un peu comme Jay-Z, qui apparait dans le clip « Dirty Harry« . La mort du groupe se symbolise donc par la mort de Noodle dans « El Mañana ».

La version de Murdoc dans Rise of the Ogre est tout de même plus nuancée et rassurante : le bombardement de l’île au moulin est une mise en scène. Noodle prévoyait de quitter le groupe après Demon Days, et se serait éclipsée pour se reposer aux Maldives.

Bien que la mort de Gorillaz (à défaut de celle de Noodle) soit effective, Albarn et Hewlett continuent à travailler ensemble sur plusieurs projets (comme l’opéra Monkey, Journey to the West). Et contre toute attente, Gorillaz revient début 2007 sur le devant de la scène avec son double album D-Side. Album compile des bonus tracks diffusées avec les singles de Demon Days, ainsi qu’une dizaine de titres remixés issus de ce même album. Pas mon préféré, mais se laisse tout de même bien écouter. A cette même époque, des rumeurs de long métrage circulent parmi les fans, mais rien d’officiel.

Septembre 2008, les fans apprennent avec grand bonheur la préparation d’un 3ème album studio ! Quelques petites modifications de persos, d’après Jamie, histoire de se redonner la motive, et pas mal de nouveaux artistes. Les rumeurs vont bon train tout au long de l’année 2010 sur la présence ou non de telle ou telle star sur l’album.

L’album s’appellera Plastic Beach, et sortira entre le 8 et le 9 mars (message subliminal inside ^^). Pourquoi ce nom ? Parce que c’est le nouvel endroit où Murdoc et compagnie ont installé leur nouveau QG, pardi. Une sorte d’île flottante (mais qui ne se mange pas), secrètement construite à base des détritus et autres vestiges de l’humanité dans le Pacifique Sud. Ce situant au point le plus éloigné de toute côte, cette île déserte est sans doute l’endroit rêvé pour fabriquer de bons gros tubes qui claquent !

En attendant je vous invite à passer régulièrement sur le site officiel de Gorillaz. Vous y entendrez en fond le nouveau Single « Stylo » du groupe, et pourrez visionner une foultitude de trailers du nouvel album ! (pour toute précommande sur l’iTunes store, le single est offert).

Enjoy

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Non, je vous rassure, je ne parle pas couramment finlandais non plus. Mais je trouvais assez classe de vous souhaiter un joyeux Noël (certes un peu en retard) et une bonne année dans la langue maternelle de notre groupe d’aujourd’hui.

Bon par contre je continue en français sinon je sens qu’il y en a certains (surtout dans le fond là bas…) qui ne vont pas suivre !

So, let’s talk about Nightwish !

Tuomas

On doit la naissance de ce groupe Metal Symphonique à notre ami Tuomas, qui commence la musique dès son plus jeune âge (7 ans), en pratiquant la clarinette et le piano. A 15 ans il part vivre une année aux Etats-Unis. C’est dans cette période qu’il assiste à un concert de Metallica à Wichita dans le Kansas, concert qui sera une révélation pour lui. A 16 ans il intègre la formation Dismal Silence, groupe d’amis proches dans lequel il délaisse pour la première fois le piano pour le synthé. Il intègre environ à la même époque le groupe Nattvidens Grat. Bien qu’ayant déjà une attirance particulière pour la composition (il a déjà écrit « A New Even A New Earth », pour l’album Heirs Of the Northstar), il se sent vite à l’étroit dans ces deux groupes pour lesquels il ne s’estime pas autorisé à écrire, et décide de voler de ses propres ailes.

C’est donc en 1996 qu’il lance son propre projet. Il s’entoure de Jukka, batteur qu’il connait déjà très bien, de Emppu (guitare), et d’un certain Samppa qui sera occasionnellement bassiste pour le groupe. Quant à la chanteuse Tarja, les deux se connaissent depuis l’âge de 13 ans, puisqu’ils ont appris la musique ensemble dans la même classe et jouaient dans le même groupe… de jazz ! Lorsque Tuomas lui propose de rejoindre ce qu’il appelle le projet Nightwish, Tarja accepte immédiatement et enregistre en 2 jours les démos de « Nightwish », « Forever Moments », et « Etiäinen ».

Et comme je suis trop bon avec vous, voici les 3 démos :

Etiäinen ? Mais qu’est-ce que c’est donc que ce mot ? Alors bon autant mettre les points sur les « i » tout de suite (et sur les « a » aussi tant qu’on y est…) je ne vais pas systématiquement tout vous traduire. Mais disons que dans le folklore finlandais, un Etiäinen est un esprit envoyé par un shaman ou une personne en grande détresse. L’esprit doit être capable de délivrer un message succinct à un proche, sans jamais pour autant donner beaucoup de détails. Sympa non ?

Le titre ne vous dit peut-être rien mais vous reconnaissez la musique ? Ce n’est pas étonnant. En réalité “Etiäinen” apparaît mixé dans la dernière piste de l’édition la plus répandue du premier album de Nightwish Angels Fall First. Cette dernière piste a pour nom « Lappi », et se compose des 4 mouvements suivants :

1. Erämaajärvi (2′ 15)
2. Witchdrums (1′ 19)
3. This Moment Is Eternity (3′ 12)
4. Etiäinen (2′ 34)

Bon j’en vois déjà au moins un qui va me dire  » m’sieur m’sieur tu dis n’impe y a pas un gramme de métal dans ta zique là ». Bien vu petit. Si le groupe est maintenant classé dans le style Métal Symphonique, ça n’a pas été le cas dès le début. Au départ Tuomas imaginait son concept autour d’instruments acoustiques afin de créer une musique d’ambiance… très inspirée de The 3rd and the Mortal ou The Gathering.

Tarja

Mais très vite son idée va évoluer. Sa surprise en entendant pour la première fois la voix puissante de Tarja a due grandement y participer. Le groupe démarre donc avec Tarja au chant, une guitare acoustique, une flûte et un synthé… rien de plus. Nightwish enregistre très vite une démo de 7 titres (qui deviendra par la suite la version ultra limitée de Angels Fall Firts). Mais le groupe peine à se faire connaître, d’autant plus que certains magazines de chronique de démos ont la critique bien affûtée : « aucun potentiel commercial, cette musique atmosphérique est-elle bien appropriée à ses ambitions ? » (Soundi Magazine). Mais heureusement la presse finlandaise est enthousiaste, allant même jusqu’à prétendre avoir enfin trouvé le Gathering finlandais !

En 1997, alors de retour de tournée avec son groupe Nattvidens Grat, Tuomas apprend qu’une première maison de disque propose un contrat pour Nightwish. 500 exemplaires de la démo seront donc commercialisés (raretés pouvant se négocier aujourd’hui jusqu’à 700 euros l’unité !) On s’autorise même à penser dans les milieux autorisés (salut Coluche !!) que lorsqu’il a découvert Nightwish, le responsable d’une maison de disque allemande aurait assuré vouloir couvrir tous les frais si le groupe lui présentait une version plus heavy de leur démo. Ni une ni deux Tuomas compose 4 titres supplémentaires : « Elvenpath », « Beauty And The Beast », « Tutankhamen » et « Know Why The Nightingale Sings ». Le groupe échange donc le set acoustique contre une session plus dynamique et électrique. Pour affirmer son côté plus métal, le groupe décide de retirer de la nouvelle tracklist deux balades présentes sur la première démo (« Once Upon a Troubadour » et « Return to The Sea »).

Et voilà que fin 97 débarque dans les bacs le premier album de Nightwish Angels Fall First !

Un album qui reste tout de même un peu acoustique (« Angels Fall First », « Lappi »), mais qui peut tout aussi bien partir dans des sonorités plus heavy (« Elvenpath »). J’aime beaucoup ce premier album pour son côté expérimental. On sent déjà le potentiel encore timide de Tarja. Elle est d’ailleurs accompagnée par Emppu à la basse, et par Tuomas à la voix, détails qui donnent à cet album son côté unique, puisque aucun, ni d’Emppu ni de Tuomas, ne renouvellera l’expérience. Tuomas, trouvant sa voix détestable dans ce premier album, refusera de rechanter. Il faut dire que Tarja met d’hors et déjà la barre très haut ! On commence avec « Elvenpath », très péchu, avec des guitares aux rythmes bien agressifs boostant à merveille les envolées lyriques de Tarja. « Beauty and The Beast », malgré la voix mal assurée de Tuomas, est tout de même bien sympathique à écouter, avec de très beaux solos de guitare. The Carpenter, tout premier single de Nightwish, est un excellent duo entre Tuomas chantant tous les couplets, et Tarja qui se contera du refrain et du pont, mais se rattrapera grandement sur de magnifiques vocalises en fin de titre. Un clip sera même tourné, sur lequel n’apparaîtra étrangement que Tarja…

On pourrait penser qu’à partir de la sortie de ce premier album tout roule pour Nightwish. Et bien non, loin de là. Les quelques concerts qui suivront seront vécus comme un véritable calvaire pour la majorité de l’équipe, qui découvre la scène avec beaucoup d’anxiété. D’autant que les critiques ont alors plutôt tendance à mettre un point d’honneur à descendre Angels Fall First en flèche. L’année suivante, limité par les obligations de chacun, le groupe ne donnera que 7 concerts !

Emppu

En 1998, Nightwish fait appelle à Sami (le bassiste de Nattvindens Grat) pour assurer les nouvelles parties de basse du groupe, Emppu préférant se cantonner à la guitare. Pour l’enregistrement des chants masculins sur le prochain album, Tuomas fait venir en studio le chanteur Tapio Wilska (faisant de lui le premier guest sur un album du groupe). Bien que Wilska plie l’enregistrement de « Devil and the Deep Dark Ocean » et « The Pharaoh Sails to Orion » en moins d’une heure, Tuomas et Tarja vivent un véritable enfer.

Comparées à Angels Fall First, les compositions de Tuomas pour Oceanborn sont bien plus techniques pour la chanteuse, qui ne parvient pas au départ à satisfaire les exigences vocales imposées par l’écriture complexe de Tuomas. C’est indéniable, la réalisation de l’album fait appel à toute la technique de l’ensemble des musiciens. Les tempos sont bien plus rapides, les titres bien plus agressifs. Le groupe estime Oceanborn comme étant le recueil des chansons les plus difficiles de son répertoire. Tuomas considère d’ailleurs cet album comme étant le véritable premier album, reléguant presque Angels Fall First au rang de démo. Une grande majorité de fans considère de loin Oceanborn comme L’ALBUM de Nightwish. Vous l’aurez compris : si vous ne devez en acheter qu’un, c’est forcément celui-ci !

C’est simple : musicalement y a que du bon dedans ! Un mixage très approfondi, avec une richesse instrumentale sans commune mesure avec le premier album. On découvre la dimension symphonique des nouvelles compositions, tout en retrouvant les intros purement pianistiques (« Gethsemane »). Si pour Angels Fall First on décèle une tendance récurrente à faire passer la guitare et le synthé au premier plan, ici on a un mastering bien plus équilibré et pure, qui met l’auditeur au centre de l’écoute. Cela est en grande partie lié au travail de Mikko Karmila, l’ingénieur son pour Stratovarius (groupe reconnu par Nightwish comme étant une de ses plus grosses influences) qui vient parachever le mixage en studio. Oceanborn cartonne dans les charts finlandais, une vraie boîte à tubes, plus particulièrement un générateur de singles. Le premier à sortir pour la promo de l’album n’est autre que Sacrament of Wilderness, bien que le clip, tourné un peu trop à la va vite, ait été complètement raté ! Walking in the Air, bien que magnifique, n’a quant à lui tout simplement pas fait l’objet de clip. Le véritable single, c’est finalement Sleeping Sun, titre spécialement écrit par Tuomas à l’occasion de l’éclipse solaire totale, visible en Europe le 11 août 1999. La piste n’était cependant pas présente sur la version originale de l’album, qui fut alors réédité pour proposer cette magnifique balade en bonus track.

Il est pas magnifique ce clip ? (version 2005)

Autre titre que j’adore, c’est « Passion and the Opera », dont un passage bien particulier (≈ 2″ 20) qui me fait toujours un peu penser à la diva Plavalaguna dans Le cinquième élément… Oui bon d’accord Tarja n’est pas bleue et ne trimbale pas de caillasses dans le bide. Mais bon y a quand même une petite ressemblance dans le chant non ? Hmm… bon c’est pas grave continuons. Savez-vous que « Moondance » ne devait à la base pas faire partie de l’album ? Emppu a cédé sous l’insistance des autres membres du groupe ! Avouez que ça aurait été dommage de manquer ça !

Bon on pourrait rester là à parler des heures de cette pure bombe d’album, mais faut qu’on parle du reste aussi quand même !

Après l’énorme succès d’Oceanborn, comment espérer faire encore mieux ? N’a t-on pas déjà atteint le maximum des capacités techniques du groupe ? Que de questions que Tuomas se posera pendant un moment. Mais il arrive tout de même à rassembler de nouvelles idées créatrices. L’enregistrement du troisième album débutera en 2000. Pour la petite histoire, la session d’enregistrement sera interrompue pour permettre au groupe de préparer les qualifications finlandaises pour… l’Eurovision ! Leur chanson s’appelle « Sleepwalker« , et bien que favori du public, Nightwish termine troisième dans le classement du jury ! Non non, je ne ferai pas de commentaire sur cette émission politique !! Oups trop tard…

Même si « Sleepwalker » a su plaire au public finlandais, le titre n’apparaît pas pour autant sur l’album Wishmaster, qui s’avère être bien plus simple à réaliser que le précédant.

A nouveau de très bons titres dans cet album. A l’époque de leur écriture, Tuomas est professeur en Lycée. Et lorsque le 20 avril 1999 survient la fusillade du Lycée de Columbine, notre compositeur est tellement bouleversé qu’il en fera une chanson. Celle-ci s’appelle « The Kinslayer », ce sera la deuxième piste de Wishmaster. Ce morceau sera joué sur la majorité des concerts jusqu’en 2005. Un autre titre que j’aime également beaucoup écouter : « Dead Boy’s Poem ».

Marco

Surfant sur la vague du succès engendré par Oceanborn (cette même année le groupe remporte 4 disques d’or pour Oceanborn et les singles Sacrament of Wilderness, Sleeping Sun et Walking in the Air), Wishmaster propulse Nightwish sur les routes. Le public accueille la tournée avec beaucoup d’enthousiasme ; à tel point que Wishmaster devient disque de platine à la fin de l’année 2000 ! Vous pourrez trouver un Live DvD de cette tournée, ainsi qu’un album live (tiré à 10 000 exemplaires et sorti uniquement en Finlande), tous deux sous le nom de From Wishes to Eternity. Et croyez-moi c’est de la bombe ! Vous y retrouverez tout l’univers de Nightwish comme si vous y étiez. Avec une majorité des titres issus de Wishmaster (normal jusque là), mais également une bonne reprise des précédents albums !

2001, année noire pour le groupe, et grosse frayeur pour les fans. Nightwish traverse une crise identitaire sans précédent, et doit faire face à un public violent en Russie, se voyant également obligé par les forces de l’ordre coréennes de stopper leur concert. On est bien loin de l’ambiance du Wishmaster Tour. Tuomas traverse une très mauvaise passe, et annonce officiellement la fin de Nightwish en septembre. Les choses se gâtent avec les membres du groupe (prévenus après les labels finlandais et allemands…) et tout semble montrer que le groupe est dans la tombe, bien mort et enterré.

Tuomas décroche un moment, et se recentre sur lui même. Il parvient à reprendre confiance, et commence une nouvelle vie. Il décide de faire renaître Nightwish de ses cendres, mais prend la décision de se séparer de Sami, alors complètement démotivé, et propose à un certain Marco de le remplacer. Marco accepte, et sera très rapidement intégré comme bassiste et chanteur masculin.

Début 2002, Century Child est dans les starting blocs, et l’ambiance dans le groupe, grâce à l’arrivée de Marco, est très bonne.

L’album est peut-être un peu plus sombre que les précédents, notamment avec « Slaying the Dreamer », titre dans lequel Emppu et Tuomas ont mis un bon concentré d’agressivité. On est loin de « Dead’s Boy Poem », dont le thème tournait autour du pardon. Ici on dénonce, on insulte, dans un esprit de vengeance. On découvre également la patte de Marco dans la compo, puisque ce dernier écrit le premier mouvement de « Beauty of The Beast ».

Jukka

Mais la grosse innovation vient essentiellement de l’orchestration. En effet, c’est la première fois que Nightwish enregistre avec un orchestre symphonique (celui de Joensuu, près de Kitee, leur ville natale), jouant davantage sur la corde classique. Ce qui nous donne un résultat magnifique dans la symphonie « Beauty of The Beast », tout comme sur les titres « Ever Dream », « Feel for You » ou encore « Bless the Child ». Le single de l’album, Ever Dream, est disque d’or 2 heures seulement après sa sortie en Finlande, et l’album disque de platine en à peine 2 semaines !

Mais une rumeur fait trembler les fans : le départ éventuel de Tarja. La rumeur est vite démentie, mais pour permettre à Tarja de finir ses études, le groupe décide de faire une pause d’un an sitôt rentré de tournée.

Once upon a time… en 2004 ! Vous l’aurez compris, je parle du 5ème album. Bon alors que dire ? Encore un orchestre : celui du London Studio Orchestra et ses 52 musiciens, dirigés par Pip Williams (à qui on doit la magnifique BO du Seigneur des Anneaux), qui enregistrera 9 des 11 pistes de l’album avec le groupe. Beaucoup plus présent donc que l’orchestre de Joensuu !

Un des meilleurs albums de Nightwish avec Oceanborn à mon goût, devenant d’ailleurs disque d’or le jour même de sa sortie, tout comme son Single Nemo. On découvre pour la seconde fois un titre entièrement chanté en finnois (on n’avait plus rien eu depuis « Lappi »), qui n’est autre que « Kuolema Tekee Taiteilijan ». Avec la partie de violoncelle, là ? Juste énormissime !

L’album démarre sur les chapeaux de roues avec le très énergique « Dark Chest of Wonder », savant mélange de guitares bien heavy et de violons endiablés, pour le plus grand bonheur de nos oreilles bien sûr ! On est tout de suite mis dans le bain, et quand je parle de bain, faut comprendre du bain de metaleux hein ! Plus de 4 minutes de bourinage symphonique ! On est bien loin du petit hobbit joufflu dans sa Comté et de la musique d’ambiance chantée au coin du feu par Tuomas, mais on assume !

Un autre titre incontournable de cet album, « I Wish I Had An Angel », superbe duo entre Marco et Tarja, qui deviendra par la suite le second Single sorti sur la déferlante de Once, et la chanson de clôture de tous les concerts du groupe dans la période 2004-2005. Je sais pas vous mais le tandem Marco-Tarja, moi, je kiff grâve ! Pour les cinéphiles, vous aurez sans doute remarqué que « I Wish I Had An Angel », apparaît sur la bande son de Alone in The Dark ?

Le 4ème Single (le 3ème étant Kuolema Tekee Taiteilijan, sorti uniquement en Finlande), Siren, prend des airs légèrement orientaux assez envoûtants. Un clip avait été réalisé, mais fût très vite retiré pour cause de très mauvaise qualité.

Très bon dépaysement également avec la participation de l’indien John Two-Hawks sur « Creek Mary’s Blood » !

C’est album est celui de tous les records. Avec ses 4 single, Once sera dès fin 2005 triple platine en Finlande, platine en Allemagne, or en Suède, Norvège, Suisse, Grèce et Autriche.

Et on comprend pourquoi !

Ok ceux là aussi sont des monstres, mais disons que leur univers à eux c’est définitivement la scène, et qu’ils sont plutôt du genre à être habités par la lumière des projos que par la Lumière Noire… Et puis bon, moi je les trouve bien sympas ces petits gars.

Cette joyeuse bande de justiciers musicaux lyonnais sévit depuis au moins 4 ans maintenant dans nos salles de concert, munie de son arme secrète : la « Drum n’ Brass » ! Voyez plutôt :

Bon alors comment que ça fonctionne ? Le procédé est simple. Prenez une fanfare formée de cuivre, de bois, de percus et de quelques éléments biologiques festoyeurs. Mixez le tout avec des composants électriques et électroniques sonores. Vous noterez alors que la catalyse se crée grâce à l’élément organique sousaphonique, modifié pour l’occasion en propulseur de basses dubs puissantes et profondes.

Soyez avertis : à ce stade, la mutation donne un concentré déjà très puissant ! Mais pour compléter le processus, il faut l’intervention de l’agent Soopajud, dont la voix épineuse stabilisera le concentré en une formule rythmée très explosive !

Les membres du groupe :

A la trompette, ce sont Furious et PomPom qui vous ferons vous bouger les branches, accompagnés dans leurs envolées cuivrées par Dr Seb et Five aux saxophones acoustiquement modifiés. Soopajud vous incitera à vous bouger la sève en vous laissant porter par le courant des rythmes électro de Lakaskad, tandis que Tang vous fera trembler des racines jusqu’aux feuilles grâce à ses basses survoltées !!

Bon alors j’ai dit qu’il n’y avait aucun rapport entre la série animée et le groupe ? Disons qu’il y a quand même quelques clins d’œil. Par exemple, vous retrouverez Diskor, le chef des Monstroplantes dans la série, qui vient faire un tour, l’air de rien, dans le set du groupe :

Lâché de saxes en vue !! Dr Seb et Five nous balancent tout ce qu’ils ont : et ça balance du bois, comme on dit !

Mais ce n’est pas tout, puisque vous aurez aussi affaire à d’autres monstres, issus d’univers divers et variés, tel qu’un Godzilla qui viendra vous prendre au saut du lit pour vous entrainer dans une course poursuite effrénée au travers de rythmiques endiablées et de mélodies exotiques aux accents orientaux, entrecroisées de purs effets électros comme on les aime temps…

Un Godzilla comme ça, je vous garantie que ça vous dégivre une salle de concert en un rien de temps !!

Un autre morceau que j’aime beaucoup aussi, qui nous emmène faire un petit tour du côté du cinéma avec cet emprunt à la magnifique B.O de Ghost in the Shell, c’est celui-ci :

Grosse présence de percu, des riffs de cuivres gonflés à bloc, morceau très funky qui envoie la sauce !

Et pour finir, je vous conseille de rentrer au cœur de la Jongle, histoire de vous immerger pleinement et durablement dans l’Univers des Monstroplantes. Ce morceau a d’ailleurs donné son nom au premier EP du groupe (enregistré au studio d’enregistrement du Peuple de l’Herbe), qui comprend les 5 titres suivants :

1. Entomophagy
2. Transfert à Zurich
3. Godzilla
4. La Jongle
5. Entomophagy Remix

Voilà pour ce qui est de la présentation de cette fanfare pas comme les autres, qui a troqué batterie, grosse caisse et caisse claire contre un deejay. Le côté assez bluffant dans l’histoire c’est que le set n’est pas pour autant calibré, puisque conçu de manière à laisser des cessions pour que les musiciens puissent « partir en couille » (dixit Dr Seb dans une interview au magazine Zyva :p ).

Ce qui me plait énormément dans ce groupe c’est qu’il est capable de bouger les genres en mélangeant les styles avec brio, tout en sachant revenir à ses origines : la formation fanfare de rue. Ce qui leur permet de toucher un public relativement large, de l’amateur de jazz funk en passant par un public électro. Quand vous les verrez en concert, ne soyez donc pas surpris de les voir tomber les micros pour venir se taper un bœuf au milieu du public !

Rendez-vous donc pour les prochains Mutagène Live des Monstroplantes !!

Et en attendant l’album (en projet pour 2010), visitez le Myspace des Monstros : vous y découvrirez les deux nouveaux pre-mix « Take Back your Mind » et « Jailbait » !

Enjoy

Si je vous dis Gothic Prag, Fixed Penalty ou encore Rocket Baby Dolls… ça vous dit rien ? Je m’en doutais. Bon par contre si je vous dis Muse ? Là tout de suite ça vous cause mieux ! So let’s talk about it !

Vous allez sans doute me demander où j’ai pu choper les premiers noms cités. Ce ne sont rien d’autre que les différentes identités déclinées par le groupe depuis ses débuts, en 1992. Mais nos trois zigotos (à savoir Matthew Bellamy, Dominic James Howard et Christopher Tony Wolstenholme), se lassent rapidement de ces noms un peu farfelus. L’origine du choix de Muse comme nom définitif est un peu incertaine, Matthew aimant brouiller les pistes en donnant des explications multiples et contradictoires.

Une des versions que j’ai retenue est celle dans laquelle Matt aurait ouvert un dico et serait tombé par hasard sur le mot « Muse », mot facile à mémoriser, court, et puissant. Une de leurs premières chansons, s’intitulera d’ailleurs « Muscle Museum », titre reprenant le mot précédent et celui suivant « Muse » dans le dictionnaire anglais

Dès 1997, le groupe sort ses premiers EP (mini albums de 5 ou 6 titres), tels que Uno, Cave, ou encore Muscle Museum. C’est notamment grâce à ce dernier qu’ils se feront connaître de leurs premières maisons de disques.

Ce qui me plait particulièrement chez Muse c’est la quantité et la qualité de leurs références et influences musicales telles que Nirvana, Oasis, The Smushing Pumpkins, ou encore Queen et Prince… mais pas seulement. On fait souvent le rapprochement entre Muse et Radiohead, tant les voix de Matt et de Thom sont proches. Perso j’aime les deux groupes. Et si leur volonté de s’écarter de la « Britpop » de l’époque les fait se ressembler dans leurs débuts quant à la pose de voix et les envolées lyriques, Muse et Radiohead ont tous deux su se démarquer par la suite pour devenir deux grandes références de l’univers rock actuel.

Matt n’hésite pas non plus à aller fouiller dans des répertoires plus inattendus tels que le classique en reprenant au piano des phrases mélodiques ou des rythmiques de Sergueï Rachmaninov, Chopin, et même Bach…

Repéré par Dennis Smith des studios Sawmills, le groupe sort un premier album dès 1998 chez Dangerous Records, intitulé sobrement Muse. Cherchez pas, il en a été édité moins de mille exemplaires ! Mais c’est à cette occasion que Muse part à la conquête de l’ouest : les États-Unis m’sieurs dames !

Et ça marche plutôt bien, il faut dire. En quelques dates ils attirent les grandes maisons de disques. En quelques semaines, ils signent chez Maverick (Madonna), puis dans de nombreuses autres maisons de disques européennes comme Naïve, Mushroom…

En 1999, le temps de plaquer un bon accord sur le piano et sort leur premier « vrai » album Showbiz, produit par John Leckie, qui a bossé avec Radiohead sur l’album The Bend (ce qui peut expliquer certaines similitudes artistiques…). Muse se produit alors en premières parties des Red Hot et des Foo Fighters !

À chaque fois que je me passe ce CD, ça me rappelle de très bons souvenirs, et cela, dès les premières notes de piano de « Sunburn », la première piste de l’album. On retrouve « Muscle Museum », « Cave » et « Uno », très péchus, ainsi qu’un « Showbiz » d’abord lointain, qui monte progressivement en puissance pour nous exploser brillamment (et non pas bruyamment^^) dans les oreilles sur la fin. Une petite perle avec « Unintended », où Matt nous montre toute la beauté et la profondeur de sa voix.

2000-2001, l’ouragan Muse est un des plus gros phénomènes mondiaux jamais observés. Du Japon à l’Allemagne, en passant par la France et les States, rien ne résiste à la tornade ! Le vent a finalement tourné en faveur de notre trio qui décoiffe à donf, et qui se prépare l’air de rien à sortir son deuxième opus…

Le nouveau-né s’appelle Origin of Symmetry, et il vient au monde en juin 2001. D’ailleurs, le nom de la première piste n’est autre que New Born, qui commence calmement sur une mélodie sympathique genre boîte à musique… pour finir en totale disto trashi 6 minutes plus tard ! Le message est clair, Muse est de retour, et ce n’est pas pour faire de l’enfantillage ! Un album assez expérimental. Dom augmente son kit batterie, histoire de nous donner du bon gros son qui claque, tandis que Matt se met à l’orgue sur « Megalomania » et utilise une guitare à 7 cordes dans « Citizen Erased ». Chris joue une basse blindée de disto et de multiples effets pour un son plus lourd, plus pesant. Ce qui permet au clavier et à la guitare d’être mis en valeur sur des mélodies et des thèmes plus aigus.

Au fait parlant de thèmes, j’ai une petite surprise pour vous. Vous connaissez Philip Glass ? Voici le second mouvement de son « Tirol Concerto for Piano ». Le thème (vers 4:35) de ce mouvement vous dira sûrement quelque chose…

Vous avez dit New Born ?

Je pourrais vous parler de cet album pendant des heures, mais le mieux est encore de le découvrir par vous-même. Un petit « Feeling Good » pour la route ?

2003 et la sortie du 3ème album Absolution. Même travail sur la basse que dans Origin of Symmetry, même si les compos, dans l’ensemble, sont moins psychédéliques que dans l’album précédent. Déjà ça commence bien : ça tape des pieds et des mains, sur des seaux… et le groupe, à la recherche constante de nouveaux sons, n’hésite pas à aller installer les toms de la batterie de Dom (essayez de dire ça super vite sans vous planter^^) au fond d’une piscine ! Le piano est enragé, les guitares sont lâchées, et la percu déchainée ! Mention spéciale à « Time is Running out ».

Retour à un peu de douceur pour « Sing for Absolution », avec un Matt plein d’émotion dans la voix, et un piano plus en retrait. Frissons garantis ! Mais ça ne dure pas. Dès « Stockholm Syndrom » on retombe dans l’incisif bien métalleux gavé de disto ! Et c’est pas dommage !

Et tout l’album est un subtil entremêlement de passages calmes et d’instant plus violents. L’exemple même de la diversité ? Peut-être « Blackout » avec ses sublimes nappes symphoniques. On découvre avec cette piste toute l’ampleur du talent de compositeur de Matt. Guitare et basse exploseront dans « Hysteria » (qui porte bien son nom^^), et « The Small Print ». Ma préférée de l’album ? Très probablement « Butterfly&Hurricanes ». Et vous ?

La version édition limitée de cet album vous propose un dvd making of, avec les coulisses du studio, les enregistrements de l’intro dans la cave, la piscine, la guitare lazer… enfin plein de choses quoi !

Il faudra attendre 2006 pour la sortie de Black Holes and Revelations, aux couleurs plus electro comme dans « Take a Bow » et « Starlight », les deux premières pistes de ce 4ème album. Un « Supermassive Black Hole », bon gros son rock au résonance un peu funky, avec un Matt qui s’essaye au style de Prince, assez convainquant.

Même si cet opus me plait moins que les 3 précédents par manque d’innovation sonore (Muse nous avait pourtant habitué à ça…), c’est loin d’être le trou noir pour le groupe. Je crois toujours entendre les cœurs de Queen derrière Matt dans « Soldier’s Poem ». « Hoodoo » est assez sympa à écouter, même si j’aurai préféré une explosion finale sur la fin plutôt qu’un retour au calme (c’est mon petit côté bourrin qui s’exprime ^^). On retrouve l’orgue dans « Invincible », accompagné à la caisse claire, qui donne au morceau un petit caractère militaire. Mais comme pour Hoodoo, il me reste un petit arrière goût de molesse dans le master, même si la fin du titre, plus nerveuse, donne à la guitare l’occasion de faire une des plus belles envolées du disque. Mes titres préférés resterons « Starlight », « City of Delusion », avec ses violons endiablés, sa guitare folk, sa trompette latine, ses riffs de basse… « Knights of Cydonia », magnifique Western rock fortement inspiré des musiques d’Ennio Morricone.

Et puis voilà le petit dernier : The Resistance digne des débuts du groupe ! On a un son plus hargneux, plus explosif aussi. Sûrement lié au fait que Dom laisse tomber la batterie acoustique pour l’électronique. Matt se concentre sur sa voix, décidant de ne jouer ni clavier ni guitare (d’ailleurs, depuis Black Holes, un 4ème musicien les suit sur scène aux claviers et synthés). On le sent plus mature, plus belliqueux, avec un chant moins distordu et plus naturel, pour un minimum d’effets. La fin de « United States of Eurasia » commence comme une chanson de Queen et se termine avec un morceau de piano de Chopin. Et au milieu de la chanson « I belong to you », on peut entendre Matt chanter un extrait de l’Opéra « Samson et Dalila »de Camille Saint-Saëns.

Je ne vais pas trop m’attarder sur ce dernier album. Le temps de savourer « Uprising » et on en reparle

Mais avant de se quitter on va causer un peu d’un grand fléau du monde musical. On a tendance à balancer des œufs pourris (ou autres projectiles bien baveux et dégoulinants) à la tête des artistes lorsqu’ils se produisent en playback sur les plateaux de télé. Bah faut savoir que bien souvent la décision de jouer débranché n’est pas du fait des musiciens mais des producteurs de l’émission, qui n’ont pas envie de se casser la tête à câbler leurs plateaux. Et même quand on s’appelle Muse et qu’on est un groupe de rock à la renommée mondiale, on ne peut pas aisément déroger à cette règle stupide.

Voici rien que pour vous une vidéo tirée d’une émission de télé italienne, où la décision des producteurs de faire jouer Muse en playback s’est retournée contre eux de manière assez fun.

Quand Muse fait de la Resistance…

Matt excellent à la batterie, Dom en chanteur bassiste très classe, et Chris au clavier et à la guitare ! Et même la présentatrice n’y voit que du feu ! Décidément ce groupe est vraiment Rock&Roll !

Allez aMusez-vous bien et à tout bientôt !

Comme dirait Coluche c’est l’histoire d’un mec… pas… Non ! Normal quoi.

Enfin normal moi perso je me demande. Parce que pouvoir piquer la voix du chanteur de AC/DC et faire un duo juste après avec Lara Fabian en reprenant le grain de voix de Maurane, je sais pas vous mais moi j’y vois comme un talent qui se pointe.

Forcément on n’aimera pas tout ce qu’il fait, je vois déjà des gens prets à me jeter des cailloux pour avoir osé mentionner Lara Fabian en exemple. C’est juste un exemlpe hein.^^

Mais perso je suis bluffé par sa technique. Il pose sa voix avec justesse, avec une précision à faire peur. Les immitations que je préfère ? Michael Jackson et Ray Charles peut-être ? Difficile à dire.

Je vous laisse faire connaissance avec la bête

Ce monsieur aurait voulu être un chanteur… Je sais pas trop ce qui l’en a empêché ! Vous pourrez peut-être lui demander à l’issue de son spectacle qui sait.

En attendant voici quelques extraits. A noter que ce monsieur est entouré d’une équipe de très bons zicos, et franchement tout ça fait un show qui a vraiment de la gueule !

Ray Charles vs Edith Piaf

Joe Cocker… chapeau l’artiste !

Michael Jackson en duo avec Christophe Willem

Guitare Hero new concept

Voilà pour aujourd’hui m’sieurs dames !

Qu’est ce qu’on dit alors ? -M- ou Mathieu Chedid ? Bah pour l’instant c’est le mystère… Y a qu’à voir le nouveau clip du « Roi des Ombres« , dernier single sorti, qui annonce l’arrivée maintenant très prochaine du nouvel album Mister Myster.

Bon c’est pas un scoop mais bon autant commencer par quelque chose : Mathieu Chedid c’est le fils du chanteur Louis du même nom (bah ouai, c’est dingue !), et le petit fils de l’écrivain Andrée, du même nom elle aussi (ah les coïncidences…) qui écrira certaines des paroles de ses chansons.

Ce qui est cool quand on a un papa chanteur, c’est que ce n’est pas difficile de fréquenter les studios… Et c’est à l’âge de 6 ans que Mathieu commence la musique, en faisant les chœurs avec sa sœur Emilie sur la chanson « T’as beau pas être beau » de Louis en 1978. Très vite il apprend la guitare, dont il saura rapidement jouer en virtuose, fortement inspiré par Jimi Hendrix. Il monte de petits groupes avec des amis comme  Julien Voulzy et Pierre Souchon (eux même fils d’un certain Laurent et d’un certain Alain…). Des groupes qui s’appelleront Tam Tam, Bébés fous, ou Poissons Rouges… Mais bien qu’ils ne  resteront qu’éphémères, ils permettront à Mathieu de s’essayer pleinement au chant. Il aura aussi l’occasion de s’imposer en temps que sideman, s’illustrant auprès de NTM, Tryo, Sinclair, Billy ze kick, Nina Morato, Guesch Patti, Gérald de Palmas, Vanessa Paradis ou Faudel…

Ce qui est moins cool quand on est fils de chanteur, bah c’est justement d’être « fils de ». Et ça, notre artiste va vite en être gavé. Et pour échapper à toute comparaison avec son père spécialiste émérite de la chanson intimiste et douce amère, Mathieu compose dans un style rock électro farfelu et excentrique, créant un personnage et un univers scéniques qui ne sont pas sans nous rappeler un certain David Bowie et son Ziggy Stardust…

1997, c’est la naissance et Le Baptème de -M-. Premier album solo, première coupe de cheveux Mythique (avec un grand M). On découvre -M-, le double de Mathieu, une véritable bête qui se lâche sur scène, seul ou accompagné par Vincent Segal au Violoncelle. L’album est un mélange de styles assez peu courant pour l’époque, et l’extravagance du personnage attire les foules !

Le titre qui le fera décoller n’est autre que le très bon « Machistador », qui plante le décor et l’ambiance… pour un M parfait dans son rôle !

Première piste de l’album « La Fleur », petit moment d’intimité que personnellement j’apprécie beaucoup (c’est une bonne salade verte ^^), puis « Le Baptême », dans lequel on découvre toute l’étendue de la maîtrise guitaristique et vocale de -M-, qui s’amuse à sampler ses guitares, sa voix, ses effets… (bref tout ça pi plein de sons ^^) sans ménagement ni retenue. On a un « Nostalgique du cool », avec des rires d’enfants, des flûtes à bec saturées… jeux de mots à la pelle dans « Manque de Q », petite histoire avec « Je suis une cigarette », légère, amusante. Si vous cherchez du violoncelle, c’est dans « La mort de l’âme » que vous le trouverez ! Une maîtrise des mots et de leurs rythmes très sympas dans « Pick Pocket ».

On commence avec un -M- qui se cherche, pas très chanceux en amour ni aux jeux, un peu fauché, un peu fâché aussi (contre « Les acariens »), un peu timide, qui s’affirme au fur et à mesure que le disc tourne pour finir avec un « Machistador » véritable tombeur (avec le coup du demi ton^^) remixé plus loin en version extended (plein de bonne guitare en plus m’ sieurs dames !) , et un « Celine attendue » plutôt torride ! Et n’hésitez pas à laisser tourner la galette jusqu’au bout du rayon… A la fin des baptêmes y a toujours des cadeaux…

« N’avez-vous pas quelque fois l’impression d’un monde invisible qui rode autour de vous ? »

Un album qui s’apprécie pour ses côtés intimes, tout comme pour ces moments plus rock rentre dedans. Perso j’aime mieux le côté explosif de -M-, même si les balades au milieu des fleurs me plaisent beaucoup…

Après ça -M- s’enchaine à la scène… Enfin il se déchaine quoi.. euh.. ok j’enchaine : en gros c’est simple il arrête pas, jouant devant plus de 10 000 personnes à Bercy, en première partie du groupe Texas !

Tout roule pour lui, tout le monde l’ -M- quoi^^

Et ça le dérange pas, au contraire il en redemande dès 1999 avec son Je dis aime, souvent plus rythmé, plus funky que le premier album. Un sample plus fourni aussi, avec une percu plus présente et plus marquée dans « A celle qui dure ». Un « Faut oublier » qui nous emmène dans un bon son acoustique (les glissés de manche son extraordinaires, d’autant plus si on y rajoute violons et violoncelle !) parfois tourmenté par une intervention électrique. « Le festival de c***es » est super léger et plutôt comique, avec ses petits commentaires acidulés, ses breaks, ses duos couleur blues, son kazzo… Petit moment d’émotion avec « Qui est le plus fragile », suivit d’un « Complexe du Corn Flakes » qui nous envoie de la disto et des sons bien déjantés ! On remarquera aussi une belle reprise de « Close to Me » de The Cure.

On fini par un Mama Sam qui nous embarque loin de Paname, en Afrique… Chaque fois que j’écoute cette chanson ça me rappelle de très bons moments vécus devant la scène…

Je ne vais pas vous en dire plus, et vous envoie cette petite onde sensuelle en live juste pour vous

Cet album est une véritable consécration, puisque qu’il rempli l’Olympia dès le printemps 2000 ! Une vraie machine à tubes, qui dépassera alors les 200 000 exemplaires vendus !

Les concerts qui découlent de cet album sont de véritable spectacles, mettant en valeur l’univers de son personnage, avec des couleurs flashies, des accessoires sortis d’on ne sait où (son grenier ? faut voir…). Après avoir remplit l’Olympia -M- cartonne dans nombres festivals français comme les Vieilles Charrues, les Francofolies, Solidays, ou encore le Printemps de Bourges… Succès qui lui valent la Victoire de la Musique de l’interprète masculin de l’année, et celle du meilleur concert !

- Dis papa c’est quoi un violoncelle ?

- Juste une guitare électrique en plus gros fiston !

- Ah ouai ?

- Bah… écoute le prélude dans le Tour de M !

Euh… ouai bon, c’est sûr faudrait pas qu’un violoncelliste passe dans le coin ou je me fais décapiter à coup d’archet moi… c’est l’avantage avec les guitaristes, ils n’ont pas d’archet, eux !

2001 l’odys… à oui non mais je l’ai déjà faite celle là. 2001 donc, et la sortie de l’immanquable double album live Le tour de M issu de la tournée autour de Je dis aime ! Pourquoi immanquable ? Parce que pêchu, parce que magnifique prise de son… Et puis bon c’est le -M- comme en vrai quoi, qui se lâche, qui balance de l’impro bien gratinée (enfin à la gratte quoi^^), du remix hyper bon !

Bon je sens que vous voulez de la preuve. Voilà du bon exemple de choix avec « Souvenir du futur » (Olympia) !

On retrouve un » Amour ma thématique » version tribale, une « Fleur » plus charnue, plus orchestrée, un « Baptême » du feu de dieu ( :-p j’opte pour le M !), un bel hommage à Jacques Brel avec un excellent « Au suivant », une tuerie de   »Jam Man »

Tenez parlant de Jam Man je vous offre une tite démo rien que pour vous

« Laaaaaaa Bohèmeuuu, la Bohèmeuu… ça voulait dire… :O « 

Ah ouai mais nan… j’me goure ! Là c’est pas pareil (j’me disais aussi ). Là c’est Labo M… Mais tout de suite, écrit comme ça on sait plus trop ce que ça veut dire… et en 2003 ça ne veut sûrement plus dire la même chose que pour Aznavour à l’époque…

Bah en fait pour le savoir c’est pas compliqué : suffit d’écouter l’album. Dès les premières secondes de « Tapis Volant 1″, on descend les escaliers, la porte claque… Nous voici dans le laboratoire de -M- !

« Bah où qu’elles sont les paroles ? » Bien vu y’en a pas ! Tout ce que vous entendrez niveau texte ce seront des conversations enregistrées avec un petit magnéto, des extraits sonores tirés d’on ne sait quelle bande son de vieux film ou autre… La voix de -M- est  un accessoire, un contre-chant, comme dans le magnifique « Jam à la mer » (un Jam est une session d’impro à plusieurs), dans lequel le véritable chanteur est le violoncelle de Vincent, plaintif et envoûtant au départ. Puis le rythme s’accélère, ça tourne de plus en plus vite, l’archet virevoltant sur les cordes… et tout redevient calme… j’adore !

-M- nous passe ici un message : ça voix n’est pas son seul atout ! Ici l’instrumental est à l’honneur, plus particulièrement la guitare. Sa voix est là bien sûr, mais au second plan cette fois… Il va même jusqu’à intégrer des sessions de chant enregistrées au magnéto. C’est nasillard, dénaturée, et on a l’impression que le chanteur s’ennuie ! Vous découvrirez ce petit bêtisier vocal à la transition entre « Tapis Volant 2″ et « Coup de Trash » (qui porte bien son nom :-p)

Labo M est un vrai petit bijou, album à écouter et ré écouter en boucle !

- Mais papa c’est quoi un violoncelleuuuuh ?!

- Regarde plutôt ça :

On est à l’automne 2003 quand sort Qui de nous deux, album plus doux que les précédant, entièrement dédié à la naissance de sa fille Billie. Pour elle il fait même fabriquer une guitare spéciale par le luthier Cyril Guérin, toute rose

On commence avec un « Mon Ego » surgonflé de basses, suivi d’un moment subtile et tendre avec « La bonne étoile »… un « Qui de nous deux » véritable déclaration d’amour à la guitare rose (et à Billie par voie de conséquence). Un « Psyco Bug » qui déménage…

« Il faut nettoyer le dossier système

remettre à jour,

régler les problèmes… »

Un très bon Gimmick (souvent très court, comme une petite phrase dont le son particulier, le dessin mélodique ou la formule rythmique imprègnera facilement la mémoire, donc la reconnaissance, donc l’identification) qui reprend des rifs de guitares mythiques. Excellentissime en live !

Ici vous reconnaitrez Voodoo Chile de Jimi Hendrix (vers 1:40). Pi tiens vu que vous êtes sympa vous aurez aussi droit à la pétillante Léa Bulle dans son ambiance fuchsiaaa

« Papapapapapapapaïiilam palalam… »

Je sais pas vous mais moi je kiff !

Bon on n’est pas là pour buller non plus… j’en étais où moi ? Ah oui… Qui de nous deux. Très bon album, mais surtout excellentissime tournée qui rempli 3 fois Bercy, joue quasiment toutes ses dates à guichet fermé !

Je vous recommande le CD/DVD live sorti en 2005, dans lequel -M- vous offre un « En tête à tête » jusque là dédié aux fans en fin de concert, mais jamais édité.

Je vous ai dit que je kiffais ? ^^

Cet album marque un tournant dans la carrière de Mathieu, notamment avec ce titre « Je me démasque », qui nous fait nous demander ce qu’il adviendra du personnage de -M- par la suite…

« Je vais, je viens en compagnie

Avec ce double en utopie

Plus de jeu, plus de masque

Avec mon M toujours en place

Plus de jeu, plus de masque

Lui en dedans, moi en avant »

En 2005, il reçoit 4 Victoire de la musique :

- Meilleur interprète masculin de l’année

- Meilleur album de chansons/variétés pour « Qui de nous deux »

- Meilleure tournée

- Meilleur DVD musical pour Les Leçons de musique, réalisé par Émilie Chedid

En 2006, il apparait dans le Soldat Rose, composé par Louis Chedid écrit par Pierre-Dominique Burgaud, créé en 2006 et illustré par Cyril Houplain, créateur de l’univers visuel de -M-. Un conte musical dédié à Billie, aux enfants… et à ceux qui le sont restés. Participent à l’évènement Catherine Jacob, Vanessa Paradis, Sanseverino, Bénabar, Shirley et Dino, Francis Cabrel, Alain Souchon… entre autres.

La même année il compose la bande originale de « Ne le dit à personne » film de Guillaume Canet.

En 2007 il co-compose l’album Divinidyle aux côtés de Vanessa Paradis.

Il participe à la journée du Handicap invisible au profit de l’UNAFTC (Union nationale des associations de familles de traumatisés crâniens) le dimanche 8 juin 2008 au Bataclan à Paris, il clôture le spectacle par un concert d’une heure et joue entre autres 2 chansons inédites dont « Mister Mystère », présente sur l’album Libido de Brigitte Fontaine. Cette chanson servira d’ailleurs de titre au prochain album studio de -M-Mister Mystère, dont la sortie est prévue pour le 7 septembre 2009.

Petit cadeau pour la fin : L’Eclipse, duo avec Sean Lennon (fils de John du même nom ^^)

« Toulouloulou tou toudoum… »

Voili voilou, je crois qu’on a fait à peut près le tour de -M- (-M-uahaha je suis -M-achiavélique !)

Si comme moi vous souhaitez vous procurer Mister Mystère et que vous cherchez désespérément des places pour la tournée à venir, sachez qu’il est toujours possible de précommander l’album sur l’iTunes store.

Deux versions sont proposées : la standard (9,99€) et la deluxe (12,99€)

La version deluxe comporte 4 bonus : 1 démo et 3 versions acoustiques (exclu iTunes…)

Quel rapport avec les billets ? Si comme moi vous avez farfouillé sur le net pour vous procurer des places, vous avez remarqué que tous les billets pour 2009 sont déjà vendus. Mais pas de panique iTunes à pensé à vous en garder de côté !

Pour ça il faut être rapide. Vous avez jusqu’au 30 août 2009. Pour toute précommande passée avant cette date, vous devenez éligibles pour acheter 2 places pour la tournée 2009, voire celle de 2010. Après précommande, vous recevrez un mail le 4 septembre vous indiquant les modalités d’accès aux billets. Après ça vous aurez entre le 5 septembre 9h et le 7 septembre à minuit pour acheter vos places !

So good Luck !